42번째 전시실은 <파스텔(Pastels)>라는 주제로 18세기부터 19세기 후반에 이르는 파스텔(Pastel) 명작 및 종이 바탕 작품들을 전시하고 있다. 유채물감과는 전혀 다른, 파스텔 특유의 부드럽고 가루같은 질감과 은은한 발색을 가까이서 관람할 수 있다.
파스텔은 분말 안료를 결합제와 섞어 굳힌 미술 재료로, 드로잉의 경쾌함과 페인팅의 풍부한 색채 표현을 동시에 구현할 수 있는 것이 가장 큰 특징이다. 색이 매우 선명하고 독특한 질감을 준다. 준비물 없이 바로 종이에 칠할 수 있어 작업 속도가 빠르고 즉흥적인 표현에 뛰어나다. 가루가 충격이나 마찰에 번지거나 떨어지기 쉬워 정착액을 뿌려 보존해야 한다.
1600년대 후반까지 파스텔은 화실에서 손으로 직접 말아 만들어야 했으며, 이는 시간이 오래 걸리고 힘든 작업이었다. 1700년대에 이르러 유럽의 주요 도시에서는 이미 만들어진 파스텔 크레용을 구입할 수 있게 되었다. 파스텔은 서로 혼합하여 새로운 색조를 만들 수 없었기 때문에, 화가들은 작업할 때 다양한 색상의 크레용을 많이 필요로 했다. 1700년대의 파스텔 화가들은 벨럼(vellum, 가공한 동물 가죽)이나 헝겊을 원료로 만든 두꺼운 종이에 그림을 그렸다. 그러나 한 세기가 지나면서 미세한 안료가 잘 붙도록 특별히 제작된 재료를 사용하게 되었다. 여기에 전시된 파스텔은 1910년대 파리에서 제작된 것이다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
에드가 드가(Edgar Degas)의 <발레 무희들(Ballet Dancers, 1895~1905)>이다. 발레리나의 일상을 포착했던 드가의 후기 작업 세계를 대표하는 파스텔 작품이다. 일본 우키요에 목판화와 신흥 사진술의 영향을 받아, 무용수들의 신체 일부가 화면 가장자리에서 과감하게 잘려 나가는 비대칭 구도를 사용해 생동감과 현장감을 주었다.
발레 무용수는 드가에게 평생에 걸친 주제였다. 이 작품을 위해 그는 각각의 인물을 따로 연구하고 스케치한 뒤, 이를 하나로 결합하여 프리즈(frieze, 장식적인 미술 작품이 가로로 이어지는 띠 형태)처럼 보이도록 구성했다. 얇은 튈 소재의 발레 치마 아래로 드러나는 무용수들의 어색하고 뒤틀린 자세는, 이처럼 힘들고 때로는 착취적이기까지 했던 직업이 신체에 가하는 부담을 보여준다. 당시 젊은 여성들은 파리의 발레 학교에서 이러한 고된 훈련을 받았다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
에드가 드가(Edgar Degas)의 <목욕 후, 몸을 닦는 여성(After the Bath, Woman drying herself, 1890~5)>이다. 모델이 관객을 의식하지 않고 작업에 집중하는 순간을 포착했다. 열쇠구멍을 통해 몰래 들여다보는 듯한 자연스럽고 찰나적인 포즈가 특징이다. 19세기 말 파리 여성의 현실적인 일상의 한 장면을 사실적으로 담고 있다.
말년에 드가는 여성이 목욕하는 장면이라는 전통적인 주제를 다시 다루었으며, 모델들에게 자신의 화실에서 포즈를 취하도록 했다. 인위적으로 포즈를 취한 신고전주의 누드화와 달리, 이 작품의 여성은 마치 갑자기 모습을 드러낸 순간을 포착했거나, 누군가가 몰래 지켜보고 있는 듯한 모습을 보인다. 처음에는 목탄으로 형태를 잡은 뒤 파스텔로 완성한 이 여성은 몸을 앞으로 기울인 채, 균형을 잡기 위해 한쪽 팔을 내던지듯 뻗고 있다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
에드가 드가(Edgar Degas)의 <우크라이나 무용수들(Ukrainian Dancers, 1899)>이다. 기존에 주로 그리던 발레리나 대신 민속 무용수의 생동감 넘치는 움직임을 담아낸 작품이다. 무용수들이 발을 굴르며 원을 그리듯 연결된 포즈를 취하고 있어, 화면 전체에 리드미컬한 움직임이 가득 차 있다. <러시아 무용수들(Russian Dancers)>로 불렸으나 2022년 <우크라이나 무용수들>로 변경되었다.
이 작품은 1800년대 후반 파리에서 공연했던 우크라이나 무용단을 바탕으로 제작되었다. 반복되는 수직선의 붓질은 무용수들이 발을 힘차게 구르는 동작을 강조한다. 드가는 두껍게 칠한 파스텔이 서로 섞이는 것을 막기 위해 정착액(fixative)을 사용했다. 이를 통해 역동적인 색채의 층을 만들고, 표면을 촘촘하고 질감이 풍부하게 표현했다. 또한 화면 아래쪽을 늘리기 위해 종이 한 조각을 덧붙여 작품의 하단을 연장했다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
모리스 캉탱 드 라 투르(Maurice-Quentin de La Tour)의 <헨리 도킨스 초상(Henry Dawkins, 1751)>이다. 18세기 프랑스 로코코시대 파스텔 초상화를 특징을 잘 보여주는 작품이다. 파스텔만을 사용해 유화보다 세밀하고 매끄러운 피부 질감을 잘 표현하고 있다. 영국의 국회의원, 고고학 후원자였던 헨리 도킨스의 청년 시절 모습이다.
드 라 투르는 파스텔 특유의 은은한 광택을 능숙하게 활용하여 헨리 도킨스(Henry Dawkins, 1728–1814)를 세련된 신사로 표현했으며, 그의 모습에서 자신감과 부유함이 느껴지도록 했다. 그러나 도킨스는 자메이카에서 약 25,000에이커(약 101㎢)에 달하는 토지와 1,000명의 노예를 소유했다. 그는 노예 소유주들이 주도하던 자메이카 의회(Jamaica Assembly)의 일원이었으며, 이 초상화가 제작된 지 약 10년 후에는 영국 하원의원(Member of Parliament)이 되었다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
장 에티엔 리오타르(Jean-Étienne Liotard)의 <라베르뉴 가문의 아침 식사(The Lavergne Family Breakfast, 1754)>이다. 은제 포트, 동양에서 수입한 중국산 자기 찻잔, 실크 드레스의 광택, 목재 테이블의 반사광 등 서로 다른 재질의 질감을 가루 형태인 파스텔만으로 경이로울 만큼 세밀하게 표현하고 있다. 사진을 찍은 듯한 극사실적인 디테일과 부드러운 빛의 표현이 단연 돋보인다.
아침 식탁에서 리오타르의 조카딸은 자신의 조카딸이 빵을 우유를 탄 커피에 찍어 먹는 모습을 바라보고 있다. 어린 소녀는 머리에 종이 헤어 롤러를 하고 있다. 화려하고 값비싼 직물, 일본산 도자기, 커피와 설탕은 이들이 부유한 생활을 누리고 있었음을 보여준다. 섬세한 파스텔 초상화로 유명했던 스위스 출신 화가 장에티엔 리오타르(Jean-Étienne Liotard)는 이 작품에서 젖은 파스텔을 여러 겹 쌓아 올리는 기법을 사용하여 식탁 위 사물들의 빛을 반사하는 표면을 사실적으로 표현했다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
로살바 카리에라(Rosalba Carriera)의 <남성의 초상(Portrait of a Man, 1720s)>이다. 로살바 카리에라는 파스텔을 완벽한 독립 회화 매체로 끌어올린 혁신적인 화가이다. 파스텔 가루를 종이에 문질러 부드러운 피부 톤과 뺨의 홍조를 자연스럽게 표현하는 동시에, 분가루를 바른 흰색 가발과 상의의 섬세한 레이스 자수 질감을 정교하게 살려냈다.
이 남자는 아마도 부유한 베네치아의 신사였을 것이다. 그의 당당한 자세와 흔들림 없는 시선에서는 자신감이 느껴진다. 이 작품이 제작될 당시 카리에라는 파스텔 초상화로 유럽 전역에서 명성을 떨치고 있었다. 여기서는 은빛 색조가 매끄럽게 어우러지는 표현과 인물 주변에 부드럽게 번지는 푸른빛의 색채를 통해 그녀의 뛰어난 기법을 확인할 수 있다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
오디롱 르동(Odilon Redon)의 <꽃 속의 오필리아(Ophelia among the Flowers, 1905~8)>이다. 《햄릿》에 등장하는 비운의 여인 오필리아를 소재로 하고 있다. 전통적인 비극적 익사 장면 대신, 자연 및 꽃과 완벽히 융화된 신비로운 환상 속 장면으로 재해석했다. 보석처럼 빛나는 푸른색, 붉은색, 노란색의 조화가 강렬한 시각적 잔상을 남긴다.
르동은 1895년까지 오로지 흑백으로만 작업했다. 그러나 이 작품에서는 파스텔을 서로 섞지 않고 그대로 사용하여 찬란하게 폭발하는 듯한 색채를 만들어냈다. 이 작품은 셰익스피어의 《햄릿》에서 비극적인 죽음을 맞는 여주인공 오필리아(Ophelia)를 그린 르동의 여러 작품 가운데 하나이다. 그러나 스케치처럼 표현된 인물은 작품의 제작 후반에 추가되었을 가능성이 있으며, 이로 인해 꽃으로 가득한 화면은 비극적인 운명을 맞은 젊음에 대한 명상으로 바뀌었다. 르동은 이 작품이 제작되기 20년도 채 되지 않아 자신의 친구가 익사하는 것을 직접 목격한 경험이 있었다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
18세기 초, 파스텔은 초상화를 위한 매체로 큰 인기를 얻었습니다. 색소와 백악질의 충전재, 그리고 결합제로 이루어진 파스텔 막대는 신선하고 벨벳 같은 질감을 만들어냈습니다. 파스텔은 종이 표면에 느슨하게 부착되기 때문에, 파스텔 화가들은 붓질처럼 남긴 흔적을 서로 부드럽게 섞거나(이를 ‘스위트닝sweetening’이라고도 합니다) 하여 부드럽고 빛나는 색조를 만들어낼 수 있었습니다. 또한 놀라울 정도로 섬세하게 질감을 표현할 수도 있었습니다. 파스텔은 생생하면서도 친밀한 느낌의 초상화를 제작하기에 이상적인 매체였습니다. 베네치아 출신의 파스텔 화가 로살바 카리에라(Rosalba Carriera, 1673~1757)는 1720년 파리를 방문했습니다. 그녀의 눈부신 초상화는 귀족과 그랜드 투어(Grand Tour)를 떠난 여행객들을 비롯한 폭넓은 고객층의 관심을 끌었습니다. 모리스캉탱 드 라 투르(Maurice-Quentin de La Tour, 1704~1788), 장바티스트 페로노(Jean-Baptiste Perronneau, 1715/16~1783), 장에티엔 리오타르(Jean-Étienne Liotard, 1702~1789) 역시 모두 카리에라의 뒤를 따랐습니다. 이들은 각기 다른 방식으로 파스텔을 사용하며 매우 개성적인 양식을 발전시켰습니다. 그러나 시간이 흐르면서 사람들은 보다 격식 있는 초상화를 선호하게 되었고, 파스텔의 유행은 점차 쇠퇴했습니다. 한 세기가 지난 뒤, 프랑스 화가들은 파스텔의 두 번째 황금기를 열었습니다. 이들은 초상화 제작에서 벗어나 현대 생활의 순간적이고 덧없는 특성을 포착하고자 했습니다. 에드가 드가(Edgar Degas, 1834~1917)는 1890년대에 주로 파스텔 작업에 몰두했습니다. 그는 마치 숨어서 바라보는 듯한 시점으로 춤추거나 목욕하는 여성들의 모습을 포착했습니다. 오딜롱 르동(Odilon Redon, 1840~1916)은 꿈과 같은 장면을 제작하여, 파스텔이라는 매체를 초상화의 영역을 넘어 상상의 세계로 확장했습니다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
<출처>
- 안내문, The National Gallery, 2026년
- The National Gallery, London 공식 홈페이지 (https://www.nationalgallery.org.uk/), 2026.9.17. 검색
- ‘National Gallery’, wikipedia, 2026년
- 구글 Gemini 3 Flash 응답 내용 (2026.09.17 확인)
- OpenAI, <ChatGPT (GPT-5.3)>의 답변, 2026년 9월 17일 작성