내셔널갤러리 로비 정면에 있는 13번째 전시실인 센트럴홀(Central Hall)이다. 이 전시실에는 <이미지와 정체성(Image and Identity)>이라는 제목으로 16세기부터 20세기 초 사이에 그려진 전신 초상화가 전시되어 있다. 작품마다 화가와 모델의 관계, 사회적 지위와 개성을 드러내는 방식이 다르며, 의상과 소품 등 세부 요소에는 신분이나 직업, 성격을 암시하는 상징적 의미가 담겨 있다. 초상화는 신분과 특권을 과시하는 공식적인 의뢰 작품부터 우정을 기념하는 개인적인 기록까지 다양한 목적을 보여준다.
조반니 바티스타 모로니(Giovanni Battista Moroni)의 <신사의 초상(Portrait of a Gentleman, 1555~6)>이다. 작품 속 남성은 이상화된 영웅의 모습이 아니라, 당시 실존했던 인물의 생생한 개성과 기품을 가직하고 있다. 한 손으로는 투구를 짚고, 다른 한 손으로는 허리춤의 칼을 잡은 채 정면을 응시하고 있다. 뒤로는 부분적으로 파괴된 고전주의풍의 대리석 기둥과 건축물 배경이 묘사되어 있다. 투구와 칼 등의 소품과 어우러져 무인의 용맹함, 혹은 세월의 무상함과 역사의 흔적 등을 암시하는 시각적 장치로 기능하고 있다.
신원이 밝혀지지 않은 이 남성은 한 손을 투구에 얹고 다른 손으로는 레이피어(찌르기용 검)를 잡은 채 정면을 응시하고 있습니다. 이 작품은 특이하게도 오른쪽에서 빛이 들어오도록 묘사되어 있는데, 이는 특정 장소에 걸기 위해 제작되었음을 시사합니다. 모로니는 조각 초상화의 배경을 연상시키는 고대 로마 건축물의 폐허를 초상화의 배경으로 자주 활용했습니다. 이 작품에 등장하는 훼손된 기둥이 어떤 의미를 지니는지는 분명하지 않습니다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
파올로 베로네세(Paolo Veronese)의 <소란초 가문 신사의 초상(Portrait of a Gentleman of the Soranzo Family, 1585)>이다. 의자에 앉아 있는 인물의 침착하고 당당한 태도는 당시 베네치아 지배 계층의 정체성과 권위를 직관적으로 전달하고 있다. 베로네세는 직물의 질감과 빛의 반사, 모피의 부드러운 촉감을 정교한 붓터치로 구현하여 인물의 높은 사회적 신분과 부를 실감 나게 포착했다.
이 인물은 베네치아의 유력 귀족 가문 중 하나인 소란초(Soranzo) 가문의 일원으로 추정됩니다. 담비털로 장식한 화려한 검은색 새틴 의상은 그의 높은 사회적 지위를 드러냅니다. 베로네세는 실물 크기의 전신 초상화 형식을 일찍부터 받아들인 화가 중 한 명으로, 이 형식은 특히 브레시아의 화가 모레토와 모로니가 즐겨 사용했습니다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
존 싱어 사전트(John Singer Sargent)의 <리블스데일 경(Lord Ribblesdale, 1902)>이다. 실크 실크햇을 쓰고, 길고 검은 롱코트 안에 승마용 조끼와 바지, 그리고 부츠를 착용하고 있다. 허리에 손을 얹은 채 관람객을 내려다보는 듯한 포즈는 당시 영국 상류층의 당당함과 기품을 여과 없이 보여주고 있다. 긴 대형 캔버스를 활용하여 인물의 기품 있는 키와 당당한 스탠스를 강조했다. 이 초상화는 당대에도 엄청난 찬사를 받았으며, “영국 신사의 전형(the ancestor)”이라 불리기도 했다, .
미국 화가 사전트는 1884년부터 런던에 거주하며 사교계 인사들의 초상화로 명성을 얻었습니다. 그의 작품은 영국의 전통적인 격식 있는 전신 초상화 양식을 계승한 것이었습니다. 토머스 리스터(1854~1925)는 제4대 리블스데일 남작으로, 자유당 소속 귀족이자 왕실 시종관을 지냈습니다. 1909년에는 내셔널 갤러리의 이사가 되었습니다. 이 초상화는 의뢰를 받아 제작한 것이 아니라 사전트가 직접 그리기로 선택한 작품입니다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
외젠 들라크루아(Eugène Delacroix)의 <루이 오귀스트 슈비테르 남작의 초상 (Portrait of Louis-Auguste Schwiter, 1826~30)>이다. 야외를 배경으로 전신을 드러낸 슈비테르는 우수에 찬 눈빛과 세련되고 댄디한 복장으로 서 있다. 인물 뒤로 펼쳐진 흐린 하늘과 난간 등의 요소는 화면에 깊이감과 극적인 분위기를 더해준다. 이 작품은 인상주의의 거장 에드가 드가(Edgar Degas)가 소유했던 것으로 유명하다.
우아한 풍모의 슈비테 남작(Baron Schwiter, 1805~1889)은 초상화와 풍경화를 그린 화가로, 들라크루아의 친구였다. 두 사람은 이 초상화가 제작되기 시작한 해의 전년도에 함께 영국을 여행했을 가능성이 있다. 슈비테는 당시 유행하던 영국식 검은색 프록코트를 입고 있으며, 크림색 장갑과 안감이 붉은색인 실크 모자를 들고 있다. 이 작품은 들라크루아가 처음으로 그린 전신 초상화로, 그 양식에는 토머스 로렌스 경(Sir Thomas Lawrence)의 회화가 영향을 미쳤다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
토머스 로렌스 경(Sir Thomas Lawrence)의 <찰스 윌리엄 램턴의 초상 (Portrait of Charles William Lambton, 1825)>이다. ‘더 레드 보이(The Red Boy)’라는 별칭으로 널리 알려진 영국 낭만주의 초상화의 거장적 걸작이다. 달빛이 비치는 바다와 자연을 바라보며 깊은 생각에 잠긴 소년의 모습을 그려내어, 바이런이나 워즈워스의 낭만주의 시적 감성을 담아냈다.
이 초상화는 찰스 윌리엄 램턴(Charles William Lambton, 1818~1831)의 아버지의 의뢰로 제작되었으며, 당시 찰스의 나이는 여섯 살 또는 일곱 살이었다. 로렌스는 그를 달빛이 비치는 밤에 자연의 위대한 힘을 생각하며 사색에 잠긴 어린 방랑자로 묘사했다. 찰스는 붉은색 벨벳 소재의 ‘스켈레톤 수트(skeleton suit)’를 입고 있는데, 이는 어린이들이 야외 활동을 할 때 적합하다고 여겨졌던 헐렁한 형태의 의복이다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
피에르 미냐르(Pierre Mignard)의 <세녜레 후작 부인과 두 아들 (The Marquise de Seignelay and Two of her Sons, 1691)>이다. 프랑스 바로크 시대의 궁정 초상화로, 신화적 모티프를 빌려 인물의 지위와 가족적 서사를 화려하게 연출했다. 부인은 해양 신화의 여신 테티스(Thetis)로, 장남은 아킬레우스로, 막내아드른 큐피드로 묘사되어 있다. 배경에는 화산과 바다가 배치되어 테티스와 관련된 신화적 공간감을 형성함과 동시에 고전적인 웅장함을 더해주고 있다.
최근 남편을 잃은 카트린 테레즈 드 마티뇽 토리니(Catherine-Thérèse de Matignon-Thorigny, 1662~1699)는 바다의 여신 테티스로 묘사되어 있다. 그녀의 아들 중 한 명은 화려한 갑옷과 투구, 방패를 갖춘 아킬레스로 분장했고, 또 다른 아들은 날개 달린 사랑의 신 큐피드로 표현되었다. 그녀의 남편인 세뉴레 후작(Marquis de Seignelay, 1651~1690)은 프랑스 해군의 수장이었다. 이 초상화가 제작되기 얼마 전 세상을 떠난 남편은 화면에 펼쳐진 바다와 조개껍데기, 산호를 통해 상징적으로 언급되고 있다. 멀리에는 연기를 내뿜는 화산이 보이는데, 베수비오산일 가능성이 있다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
에두아르 마네(Édouard Manet)의 <에바 곤잘레스의 초상 (Eva Gonzalès, 1870)>이다. 마네가 그린 유일한 정식 제자이자 여성 화가였던 에바 곤잘레스(Eva Gonzalès)를 모델로 한 대형 전신 초상화이다. 그녀를 연주자나 단순한 사교계 여성으로 그리지 않고, 이젤 앞에 앉아 붓과 팔레트를 든 ‘화가’의 모습으로 묘사하여 제자의 예술적 정체성을 드러내고 있다.
성공적인 화가로 활동한 에바 곤살레스(Eva Gonzalès, 1847~1883)는 화가의 작업 도구들과 함께 우아한 흰색 드레스를 입은 모습으로 그려져 있다. 실제 그림을 그리기에는 적합하지 않은 복장이지만, 이는 18세기 여성 화가들이 자신의 가장 좋은 옷을 입고 초상화를 남기던 자화상 전통을 반영한다. 곤살레스는 1869년 2월부터 마네에게 그림을 배웠다. 마네는 바닥에 놓인 반쯤 말린 판화에 자신의 서명을 남겼는데, 이는 그가 곤살레스의 스승이자 이 초상화의 화가이기도 하다는 사실을 상기시킨다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
프랑수아위베르 드루에(François-Hubert Drouais)의 <자수 틀 앞의 퐁파두르 부인 (Madame de Pompadour at her Tambour Frame, 1763~4)>이다. 루이 15세의 정부이자 예술 후원자였던 퐁파두르 부인의 마지막 모습을 담은 작품이다. 레이스와 화려한 꽃무늬 자수가 놓인 드레스, 부드러운 드레이프 등 로코코 특유의 섬세하고 화려한 질감 묘사가 돋보인다. 화려한 궁정 라이프스타일을 시각적으로 구현함과 동시에, 한 시대를 풍미한 인물의 미학적 취향과 자의식을 보여주는 로코코 초상 예술의 걸작으로 평가받고 있다.
잔 앙투아네트 푸아송(Jeanne-Antoinette Poisson)으로 태어난 퐁파두르 부인(Madame de Pompadour, 1721~1764)은 1745년 루이 15세의 정부가 된 후 후작 부인의 작위를 받았다. 이 작품은 그녀를 가장 자연스럽고 품위 있게 묘사한 초상화로 평가된다. 그녀는 베르사유 궁전 내 자신의 아파트 응접실에서 자수틀(tambour)을 이용해 태피스트리를 수놓는 모습으로 그려져 있다. 그녀의 머리와 어깨, 오른쪽 팔뚝 부분은 1763년 4월에 별도로 그려졌으며, 이후 오늘날 우리가 보는 대형 캔버스에 합쳐졌다. 작품은 그녀가 세상을 떠난 지 한 달 뒤인 1764년 5월에 완성되었다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
헤리트 반 혼토르스트(Gerrit van Honthorst)의 <보헤미아의 여왕, 엘리자베스 스튜어트 (Elizabeth Stuart, Queen of Bohemia, 1642)>이다. 엘리자베스 스튜어트는 잉글랜드의 국왕 제임스 1세의 장녀이자 찰스 1세의 누이이다. 엘리자베스를 실내 공간이 아닌 ‘야외’를 배경으로 묘사한 최초의 초상화이다. 남편을 잃은 슬픔을 증명하듯 그녀는 온통 검은색 상복을 입고 있으며, 오른쪽 팔에는 검은색 리본을 두르고 있다. 비운의 여왕이 겪은 깊은 상실감과 고독을 우아하면서도 품격 있는 바로크 양식의 전신 초상화로 담아내고 있다.
검은 비단옷과 흰 레이스를 착용한 엘리자베스 스튜어트(Elizabeth Stuart, 1596~1662)는 화려한 장신구와 귀중한 보석을 통해 자신의 높은 신분을 드러내고 있다. 그녀는 잉글랜드의 제임스 1세이자 스코틀랜드의 제임스 6세(1566~1625)의 딸이며, 팔츠 선제후 프리드리히 5세(1596~1632)의 미망인이었다. 남편은 이 초상화가 제작되기 10년 전에 세상을 떠났다. 오른팔에 두른 검은 리본은 사랑하는 사람의 죽음을 애도하고 있음을 나타낸다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
에스테반 무리요(Bartolomé Esteban Murillo)의 <돈 후스티노 데 네베의 초상 (Portrait of Don Justino de Neve, 1665)>이다. 붉은 벨벳과 금빛 장식이 달린 명예로운 의자에 앉은 자세로, 관람객을 인자하면서도 또렷하게 바라보고 있다. 탁자 위에는 두꺼운 책과 정교한 금속 탁상시계가 놓여 있다. 책은 학문과 신학적 지식을 상징하고, 시계는 ‘시간의 흐름과 절제’를 나타낸다. 기둥 벽면에는 후스티노 데 네베 가문의 돋음새김 문장이 새겨져 있어 인물의 입지와 신분을 밝히고 있다.
독서 도중 잠시 멈춘 후스토 데 네베(Justino de Neve, 1625~1685)는 책장을 손가락으로 짚은 채 우리 쪽으로 몸을 돌리고 있다. 그는 세비야 대성당의 참사회원이었으며, 무리요의 친구이자 그의 작품을 중요한 비중으로 수집한 미술품 수집가였다. 무리요는 아마도 데 네베가 자신에게 의뢰받을 수 있도록 주선해 준 작품 제작에 대한 감사의 표시로 이 초상화를 선물한 것으로 보인다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
이미지와 정체성, 전신 초상화 1550–1900
이 방에는 16세기부터 20세기 초 사이에 그려진 일련의 전신 초상화가 전시되어 있습니다. 전신 초상화라는 형식에 대한 다양한 접근 방식은 시간에 따라 초상화가 어떻게 발전해 왔는지 보여줍니다. 화가와 모델 사이의 역학 관계는 화가의 스타일만큼이나 다채롭게 나타납니다. 이 초상화 대부분은 모델 본인이나 그 가족의 의뢰로 제작되었습니다. 일부는 당대 최고의 화가들이 제작한 격식 있고 비용이 많이 든 작품으로, 모델의 신분과 특권을 전달하기 위한 목적을 가졌습니다. 다른 작품들은 우정을 기념하는 보다 개인적인 기록이기도 합니다. 각 초상화에서는 모든 세부 요소가 신중하게 선택되었으며 잠재적인 의미를 담고 있습니다. 예를 들어, 의상은 모델의 사회적 지위를 반영하거나 성격을 드러낼 수 있습니다. 태피스트리 자수 틀이나 붓과 같은 물건은 그들의 열정이나 직업을 암시할 수 있으며, 개는 충성심의 상징이거나 단순히 가까운 동반자의 모습을 기록한 것일 수 있습니다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
11번째 방은 10번, 12번, 5번, 14번째 방이 교차하는 지점에 위치하고 있다. 리노베이션과 기획전 등에 따라 주기적으로 재배치되는 경우가 많은데 지금은 근대 초상화 및 인상주의 전후 작품 등이 전시되어 있다.
한스 홀바인(Hans Holbein the Younger)의 <덴마크의 크리스티나, 밀라노 공작부인의 초상 (Christina of Denmark, Duchess of Milan, 1538)>이다. 크리스티나는 과도한 왕실 장신구 대신 검은색 모피를 댄 가운과 애도용 사제복 형태의 검은 옷을 입고 있다. 질감(벨벳과 모피)의 차이를 극명하게 살려낸 홀바인의 사실주의 기법이 돋보인다. 손에는 두 개의 반지가 끼워져 있으며, 손가락의 미세한 움직임과 피부 표현은 실제 살아있는 인물을 대면하는 듯한 느낌을 주고 있다.
덴마크의 크리스티나(Christina of Denmark, 1521~1590)는 이 초상화가 제작될 당시 16세였다. 그녀의 남편이었던 밀라노 공작 프란체스코 2세 스포르차(Francesco II Sforza, 1495~1535)는 3년 전에 사망했다. 이 초상화는 그녀가 상중임을 나타내는 모습으로 그려졌지만, 실제로는 장래의 신부 후보로서 크리스티나를 소개하기 위해 제작되었다. 홀바인은 네 번째 아내를 찾고 있던 잉글랜드의 헨리 8세(Henry VIII, 1491~1547)를 위해 크리스티나의 초상화를 그렸다. 당시 헨리 8세는 세 번째 왕비 제인 시모어(Jane Seymour, 약 1508~1537)가 사망한 후 새로운 결혼 상대를 물색하고 있었다. 두 사람의 결혼 협상은 성사되지 않았지만, 이 초상화는 헨리 8세가 사망할 때까지 왕실에 보관되었다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
구스타프 클림트(Gustav Klimt)의 <에르미네 갈리아의 초상 (Portrait of Hermine Gallia, 1904)>이다. 내셔널갤러리이 소유한 유일한 클림트의 유화 작품이다. 빈(Vienna)의 상류층 상인이자 예술 후원자였던 유대계 여성 에르미네 갈리아(Hermine Gallia)를 그린 초상화이다. 아르누보(Art Nouveau) 특유의 유연하고 곡선적인 실루엣과 일본 우키요에 목판화의 영향을 받은 평면적 구도가 조화를 이룬다.
헤르미네 갈리아(Hermine Gallia, 1870~1936)와 남편 모리츠 갈리아(Moriz Gallia, 1858~1918)는 빈에 거주하며, 당대의 현대 미술과 디자인을 후원한 부유한 후원자였다. 이들은 자신들의 사회적 지위를 확인하고 최신 유행을 과시하기 위해 이 초상화를 의뢰했다. 클림트는 헤르미네가 입고 있는 드레스를 직접 선택했으며, 얇고 길게 이어지는 붓질을 사용해 반투명한 옷감의 질감을 표현했다. 이 초상화를 위해 클림트가 제작한 것으로 확인된 밑그림은 약 40점에 이른다. 그는 헤르미네가 화실 안을 움직이는 동안 빠른 속도로 스케치를 그렸다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
일레르 제르맹 에드가 드가(Hilaire-Germain-Edgar Degas)의 <아버지 서재에서의 엘렌 루아르(Hélène Rouart in her Father’s Study, 1886)>이다. 우아하면서도 무거운 푸른색 드레스를 입은 엘렌은 거대한 예술 수집품 사이에 둘러싸여 다소 정적이고 묵직하며, 고독한 분위기를 자아내고 있다. 인물의 외형뿐만 아니라 내면적 심리와 환경적 압박감을 함께 담아내려 했던 드가 특유의 초상화 스타일을 잘 보여준다.
엘렌 루아르(Hélène Rouart, 1863~1929)는 드가의 친구이자 부유한 산업가이며 미술품 수집가였던 앙리 루아르(Henri Rouart, 1833~1912)의 딸이다. 이 작품은 엘렌을 그린 초상화이지만, 그녀의 주변에는 아버지의 존재가 상상적으로 드리워져 있다. 엘렌은 아버지의 미술품 컬렉션으로 가득한 서재에 서서, 커다란 빈 의자 등받이에 두 손을 얹고 있다. 그녀는 결혼한 상태였지만, 드가는 아마도 앙리의 딸이라는 신분을 강조하기 위해 엘렌의 결혼반지를 그림에서 지워버렸다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
막스 페히슈타인(Max Pechstein)의 <샬롯 쿠르트의 초상 (Portrait of Charlotte Cuhrt, 1910)>이다. 인물의 뺨이나 피부 톤에 초록빛과 푸른빛을 대담하게 사용하고, 의상의 붉은 오렌지 톤을 강렬하게 대비시켜 독일 표현주의 특유의 생동감과 긴장감을 자아내고 있다. 독특한 형태의 프레임과 화면 구성 덕분에 중세 교회의 제단화같은 느낌을 주고 있다.
샤를로테 쿠르트(Charlotte Cuhrt, 1895~1989)에 대해서는 알려진 바가 많지 않지만, 표현주의 화가 막스 페히슈타인(Max Pechstein)이 이 인상적인 전신 초상화를 그렸을 당시 그녀는 15세였다. 그녀의 아버지 막스 쿠르트는 성공한 변호사이자 아방가르드 예술의 후원자였다. 그는 베를린에 있는 자신의 호화로운 아파트를 장식하기 위한 전체 장식 계획의 일부로 딸의 초상화를 의뢰했다. 당당한 자세와 의상, 자신감 넘치는 시선에서부터 페히슈타인의 대담하고 현대적인 화풍에 이르기까지, 작품의 모든 요소가 샤를로테의 강렬한 존재감을 부각한다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
<출처>
- 현장안내문, The National Gallery, 2026년
- The National Gallery, London 공식 홈페이지 (https://www.nationalgallery.org.uk/), 2026.11.02. 검색
- ‘National Gallery’, wikipedia, 2026년
- 구글 Gemini 3 Flash 응답 내용 (2026.11.02 확인)
- OpenAI, <ChatGPT (GPT-5.3)>의 답변, 2026년 11월 02일 작성
- Anthropic. (2026). Claude Sonnet 5.5 [대규모 언어 모델]. https://claude.ai, 11월02일 확인