44번째 전시실은 <후기 인상주의(Post-Impressionism)> 주제로 19세기 후반 프랑스 후기 인상주의 미술작품을 전시하고 있다. 인상주의를 넘어 입체파와 현대 미술의 문을 연 폴 세잔(Paul Cézanne)의 작품을 비롯하여 카미유 피사로(Camille Pissarro), 조르주 쇠라(Georges Seurat) 등을 볼 수 있다.
조르주쇠라(Georges Seurat)의 <아스니에르에서의 물놀이(Bathers at Asnières, 1884)>이다. 신인상주의(Neo-Impressionism)의 출현을 알린 역사적인 작품이다. 완전한 점묘 기법(Pointillism) 이전 단계로, 교차 붓터치와 색채 분할 기법을 시험하며 과학적 색채 이론을 회화에 도입한 거점 작품이다.
쇠라는 불과 25세 무렵, 파리 교외의 젊은이들을 그린 이 기념비적인 대작을 완성했다. 이처럼 큰 규모의 캔버스는 보통 역사화를 위해 사용되었지만, 쇠라는 이 작품에서 노동계급의 여가 풍경을 묘사했다. 일을 마친 남자들과 소년들이 센강가에서 휴식을 취하고 있으며, 멀리서는 공장 굴뚝에서 연기가 피어오른다. 인물들은 고전적인 부조 조각처럼 옆모습으로 조화롭게 배치되어 있으며, 몸의 단순하고 움직임이 없는 형태는 1400년대의 회화(15세기 회화)를 연상시킨다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
핀란드 국민 화가 악셀리 갈렌칼렐라(Akseli Gallen-Kallela)의 <케이텔레 호수(Lake Keitele, 1905)>이다. 물결의 독특한 지그재그 선은 바람에 의해 수면이 일렁이는 현상을 표현한 것이다. 동시에 핀란드 서사시 칼레발라(Kalevala) 속 정령이 노를 저어 지나간 자리를 상징하기도 한다. 차가우면서도 선명한 빛, 거울처럼 숲과 하늘을 비추는 호수 표면이 자아내는 특유의 명상적이고 고요한 분위기가 특징이다.
이 작품은 핀란드 민족주의를 표현한 작품이다. 핀란드는 800년이 넘는 기간 동안 외세의 지배를 받아왔으며, 이 작품은 핀란드가 독립을 되찾아가던 시기에 그려졌다. 호수의 물결 위로 부는 바람을 표현한 지그재그 무늬는 핀란드의 서사시 《칼레발라(Kalevala)》에 등장하는 민속 영웅 배이내뫼이넨(Väinämöinen)을 암시한다. 배이내뫼이넨은 물 위를 노를 저어 건너간 인물이다. 또한 은빛 색조와 사람의 모습이 전혀 등장하지 않는 구성은 고요함과 깊은 사색의 분위기를 만들어낸다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
스위스 상징주의 화가 페르디난트 호들러(Ferdinand Hodler)의 <블륌리스알프 산맥이 보이는 킨 계곡(The Kien Valley with the Bluemlisalp Massif, 1902)>이다. 가파른 초원 계곡에서 시작해 시선이 눈 덮인 블륌리스알프 산맥에 다다르도록 화면을 세로로 길게 구성하여 알프스 스케일의 입체감과 웅장함을 극대화했다. 영원하고 고요한 자연 앞에 선 인간의 거룩함과 서정성을 상징주의적 시각으로 담아냈다.
호들러는 자신의 고향인 스위스에서 활동한 주요 모더니즘 화가였다. 그는 산의 ‘본질적인 구조’를 포착하고자 많은 산악 풍경을 그렸다. 강렬해진 색채와 두드러지는 수직성이 특징인 이 작품은 관광객을 대상으로 그렸던 그의 초기 풍경화와 대조를 이룬다. 또한 기하학적인 형태에서는 19세기 후반 유럽에서 큰 관심을 받았던 일본 목판화의 영향을 엿볼 수 있다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
카미유 피사로(Camille Pissarro)의 <밤의 몽마르트르 대로(The Boulevard Montmartre at Night, 1897)>이다. 파리에 막 도입되기 시작한 가스등과 전기 상점 불빛, 마차의 등불이 젖은 노면에 반사되어 번지는 모습을 짧고 빠른 붓터치로 생생하게 담아내고 있다.
19세기 중·후반, 파리의 도시 공간은 넓은 대로와 여가·상업을 위한 공간을 조성하기 위해 재개발되었다. 평소 밝은 풍경을 즐겨 그렸던 피사로(Pissarro)는 새롭게 근대화된 파리의 거리를 활기와 생동감이 넘치는 모습으로 묘사했다. 그는 계절에 따라 변화하는 빛을 기록하기 위해 이 풍경을 모두 14차례 그렸다. 또한 이전의 점묘법(Pointillism)에서 벗어나, 자유롭고 거침없는 붓질을 사용했다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
폴 세잔(Paul Cézanne)의 <프로방스의 언덕(Hillside in Provence, 1890~2)>이다. 고향인 남프랑스 엑상프로방스 근교의 풍경을 고유의 조형적 질서로 재구성한 풍경화이다. 프로방스의 암석, 언덕, 나무들을 단순한 기하학적 형태로 해체하고 조화롭게 배치했다. 사물의 영구적이고 견고한 구조를 화폭에 담아냄으로써 피카소와 브라크 등 20세기 입체파 화가들에게 영향을 주었다.
세잔은 불쑥 솟아오른 바위들이 있는 이 풍경을 색채의 덩어리로 표현하여, 캔버스 위에 서로 다른 깊이감을 만들어냈다. 강한 윤곽선과 각진 붓질은 전경의 거친 표면을 조각적인 형태처럼 보이게 하는 반면, 보다 넓게 칠한 물감의 면들은 그 너머로 펼쳐지는 언덕의 탁 트인 파노라마 공간을 만들어낸다. 이곳은 채석장이었을 가능성이 있지만, 정확한 장소는 아직 밝혀지지 않았다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
폴 세잔(Paul Cézanne)의 <샤토 누아르의 정원(The Grounds of the Château Noir, 1900~4)>이다. 고딕풍의 기이한 저택 ‘샤토 누아르’ 주변의 울창하고 원시적인 숲을 그린 작품이다. 나무 줄기와 바위의 각진 면들이 일정한 대각선 방향의 붓터치로 엮이면서, 정돈된 자연을 넘어 추상화에 가까운 단단한 조형미를 보여준다.
세잔은 말년에 엑상프로방스(Aix-en-Provence) 근처에 있는 샤토 누아르(Château Noir)에 방을 빌려 지냈다. 폐허처럼 보이도록 지어진 이 건물은 여러 건물이 복잡하게 이어진 형태였다. 이 작품은 건물 위쪽 능선을 바라본 극적인 풍경을 보여준다. 어두운 분위기의 나뭇잎과 가지, 바위가 뒤엉켜 하늘을 거의 가리고 있으며, 어두운 색채와 울창한 식생을 화면 안에 빽빽하게 배치한 구도는 답답하고 억압적인 분위기를 만들어낸다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
폴 세잔(Paul Cézanne)의 <비베무스 채석장에서(In the Bibémus Quarry, 1900~4)>이다. 암석의 불규칙한 단면을 일정한 대각선 붓터치와 면으로 해체 및 재구성하여, 단순한 풍경 묘사를 넘어 추상적인 조형미에 가까운 구도를 완성했다. 화면 중앙 하단에 작은 인물 형상이 그려져 있어 거대한 자연의 규모감을 더욱 강조하고 있다.
엑상프로방스(Aix-en-Provence) 근처에 위치한 이 암석들은 800만 년이 넘은 것이다. 세잔은 불타는 듯한 주황색 계열의 색채를 사용하여 울퉁불퉁한 암석 표면을 표현했으며, 약간 더 느슨하게 변형한 사선 방향의 붓질을 사용하여 이 선사시대의 장소에 현대적인 느낌을 부여했다. 그는 이 채석장의 모습을 여러 차례 그렸지만, 사람이 등장하는 작품은 이것이 유일하다. 화면 속 인물은 거대한 암벽 앞에서 왜소해 보이는 모습으로 표현되어 있다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
폴 세잔(Paul Cézanne)의 <화실의 난로(The Stove in the Studio, 1865)>이다. 세잔의 초기 작품군은 어둡고 강렬한 색조와 두꺼운 붓터치가 특징이다. 화실 내부의 음산하면서도 야생적인 분위기가 화면을 지배하고 있다.
세잔은 아마도 젊은 시절 파리에서 이 정물화를 그렸을 것이다. 화면에 놓인 소박한 물건들은 파리에서 무명 화가로 살아가며 떠돌이 생활과 아방가르드적인 삶을 이어가야 했던 당시의 어려운 처지를 암시한다. 어두운 색조와 두껍게 쌓인 물감의 표면은 이 시기 세잔 작품의 전형적인 특징이다. 당시 그는 물감을 팔레트 나이프(palette knife)로 바르는 경우가 많았다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
폴 세잔(Paul Cézanne)의 <묵주를 든 노부인(An Old Woman with a Rosary, 1895~6)>이다. 노부인의 모자, 어깨, 무릎으로 이어지는 선은 단단한 삼각형 구도를 형성하여 시각적인 안정감과 중량감을 주고 있다. 짙은 푸른색과 어두운 톤의 색조 위에 차곡차곡 쌓아 올린 세잔 특유의 대각선 붓터치는 모델의 고단했던 삶의 궤적과 인물의 내면적 깊이를 극대화하고 있다.
이 그림은 아마도 세잔의 집에서 일하던 하녀를 그린 것으로, 그녀는 과거에 수녀였던 것으로 보인다. 노년의 모습을 묘사한 초상화로서 표현은 가차 없을 정도로 사실적이다. 여인은 침울한 표정으로 아래를 내려다보며, 기독교 기도에 사용되는 묵주(rosary)를 꼭 움켜쥐고 있다. 세잔의 한 친구는 이 그림을 그의 작업실 바닥에서 발견했는데, 그 위에 담배 파이프에서 새어 나온 담배가루가 떨어져 있었다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
폴 세잔(Paul Cézanne)의 <자화상(Self Portrait, 1880–1)>이다. 인상주의의 색채 실험을 넘어 자신만의 독자적인 ‘기하학적 성숙기’로 접어들었음을 보여주는 작품이다. 의도적인 미화나 감정 과장 없이, 관람객을 정면으로 쏘아보는 듯한 무뚝뚝하고 내향적인 눈빛을 보여주고 있다.
세잔은 40세 무렵의 자신의 모습을 그렸으며, 당시 그는 파리의 인상주의 화가들과 어울리던 모임에서 점차 멀어지고 있었다. 그는 풍경화에서 사용했던 것과 같은 기법으로 얼굴의 미묘하게 변화하는 색조를 짧고 평행한 붓질로 표현했다. 이 붓질의 비스듬한 방향은 벽지의 기하학적인 선들과 호응하면서, 세잔의 모습과 주변 환경을 하나로 통합한다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
카미유 피사로(Camille Pissarro)의 <세잔의 초상(Portrait of Cezanne, 1874)>이다. 인상주의 미술 운동의 두 거장이 나누었던 깊은 유대감과 예술적 우정을 상징하는 작품이다. 피사로 특유의 짧고 두터운 붓터치와 흙빛 톤, 푸른빛이 어우러져 세잔이라는 인물의 질감과 내면의 무게감을 완성도 있게 표현했다.
1870년대는 피사로와 세잔 사이에 예술적 교류가 활발하게 이루어진 시기였다. 이 다정한 분위기의 초상화에서 피사로는 자신의 친구 세잔을 여러 장의 판화로 둘러싸인 모습으로 그렸다. 판화에는 전 프랑스 대통령 아돌프 티에르(Adolphe Thiers, 1797–1877)와 사실주의 화가 귀스타브 쿠르베(Gustave Courbet, 1819–1877)의 풍자화가 등장하며, 두 인물 모두 세잔에게 경의를 표하는 듯한 모습이다. 피사로는 이 작품을 죽을 때까지 자신의 작업실에 간직했다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
독일 인상주의 화가 막스 리버만(Max Liebermann)의 <쾨센에서의 프리드리히 황제 추모식(Memorial Service for Kaiser Friedrich at Kösen, 1888~9)>이다. 1888년 서거한 독일 프리드리히 3세 황제를 추모하기 위해 모인 사람들의 모습을 다루었다. 울창한 나뭇가지 사이로 쏟아지는 햇살이 사람들의 옷과 땅표면에 스며드는 순간을 짧고 두터운 붓터치로 포착했다. 정밀한 인물 묘사 대신 군중의 덩어리와 빛의 어우러짐에 집중하여 현대적인 시각 효과를 연출했다.
리버만(Liebermann)은 1888년 2월 독일의 쾨젠(Kösen)을 방문한 뒤 이 허구적인 장면을 그렸다. 그는 이 작품을 프리드리히 빌헬름 3세 황제(Kaiser Friedrich Wilhelm III)에게 헌정했는데, 황제는 독일 제국의 수반으로 취임한 지 불과 3개월 만인 그해 6월에 사망했다. 초상화로 잘 알려진 리버만은 프랑스 인상주의의 영향을 받았으며, 독일에서 인상주의를 적극적으로 옹호한 주요 인물 가운데 한 사람이었다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
카미유 피사로(Camille Pissarro)의 <레르미타주의 뵈 언덕(The Côte des Bœufs at L’Hermitage, 1877)>이다. 얇고 수직으로 뻗은 나뭇가지들을 창살이나 격자처럼 배치하여, 나무 사이를 통해 건너편 마을의 집들을 들여다보는 듯한 독특한 시각적 효과를 연출했다. 시골 마을의 풍경이지만 수직의 나무들과 수평의 집 지붕선이 균형을 이루어 단단한 조형적 구조를 보여준다.
피사로는 이 야심찬 풍경화의 대부분을 작업실에서 그렸으며, 퐁투아즈(Pontoise)에 있는 자신의 집 근처의 언덕을 바탕으로 했다. 나무 사이로 두 명의 작은 인물이 보인다. 화면의 뚜렷한 수직선과 두껍게 겹겹이 칠한 붓질에서는 형태에 대한 피사로의 체계적인 관심이 드러난다. 일부 부분에는 물감을 너무 두껍게 칠해서, 그 무게를 지탱하기 위해 캔버스 뒷면에 안감을 덧대야 할 정도였다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
폴 세잔(Paul Cézanne)의 <미라보의 포플러가 있는 풍경(Landscape with Poplars, 1885~7)>이다. 화면을 수직으로 가로지르는 포플러 나무들과 배경의 지평선 및 나지막한 언덕이 이루는 수평 구도가 완벽한 조화를 이루고 있다. 대각선 방향으로 일정하고 정교하게 쌓아 올린 붓터치를 사용하여 통일감을 부여했다. 자연을 단순한 복사가 아닌 면과 선의 배치로 재구성한 이 작품은 20세기 입체파 예술가들에게 중요한 영감을 주었다.
세잔은 신중하게 조절한 일련의 청색과 녹색 붓질을 통해 이 포플러 나무들의 형태를 구축했다. 끊어지듯 이어지는 이러한 붓질은 인상주의의 영향을 보여주지만, 화면 전체에 질서정연하고 각진 형태가 반복되는 방식에서는 풍경을 순간적인 인상으로 포착했던 인상주의의 방식에서 벗어나려는 변화를 엿볼 수 있다. 화가는 이러한 나무들의 표현을 화면 중앙에 있는 집의 선명하고 단순한 선과 대조시켰다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
폴 세잔(Paul Cézanne)의 <레스타크의 바다(The Sea at L me-Estaque, 1876)>이다. 화면은 전경의 붉은 기와지붕과 바위, 중경의 깊고 푸른 레스타크 만의 바다, 그리고 배경의 지평선과 아득한 언덕 및 하늘로 명확하게 분할되어 있다. 이러한 구도는 화면 전체에 강한 질서감과 안정감을 부여합니다. 남프랑스 해안 마을 특유의 주황·붉은빛 기와지붕과 바다의 깊은 진파랑이 대담한 보색을 이루고 있다.
프랑스 북부에서 피사로와 함께 그림을 그린 뒤, 세잔은 1876년 봄 남부로 돌아와 어촌 마을 에스타크(L’Estaque)에 머물렀다. 이 작품에서는 이 지역의 강렬한 빛에 반응하여 더욱 선명하고 강렬해진 그의 색채를 볼 수 있다. 화면 한쪽에는 울창한 식물이 빽빽하게 들어차 있는 반면, 다른 한쪽에는 바다와 하늘이 펼쳐지는 탁 트인 풍경이 열린다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
폴 세잔(Paul Cézanne)의 <자 드 부팡의 가로수길(The Avenue at the Jas de Bouffan, 1868~70)>이다. 매우 두껍게 물감을 짓이겨 바르는 임파스토 기법과 팔레트 나이프 사용이 특징입니다. 나무 줄기와 길의 질감을 거칠면서도 묵직하게 표현하여 물질감을 극대화했다. 길 양옆으로 가로수들이 화면 깊숙이 시선을 이끄는 유선형 구도를 형성하며, 수직으로 길게 뻗은 나뭇가지들이 공간에 개성 있는 구조적 조화를 부여하고 있다.
세잔은 자신이 성장한 17세기 저택의 정원에 자리한 이 밤나무들이 오후의 햇빛을 받는 모습을 그렸다. 화면을 일부 잘라낸 듯한 구도와 어두운 색조는 세잔 초기 작품의 짙고 강렬한 분위기를 떠올리게 한다. 반면, 대각선으로 이어지는 녹색 물감의 띠는 이후 세잔이 더욱 밝고 색채가 분절된 풍경화로 나아가게 될 변화를 예고한다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
폴 세잔(Paul Cézanne)의 <샹티이의 가로수길(Avenue at Chantilly, 1888)>이다. 길 양옆으로 길게 솟은 나무들이 형성하는 수직선과, 길 중앙으로 시선을 모아주는 깊이 있는 사선 원근법이 어우러져 단단하면서도 개방된 공간감을 만들고 있다. 세잔 특유의 일정하고 정제된 대각선 방향의 붓터치가 화면 전체를 채우고 있다. 자연 형태를 단순화하고 면과 선의 체계로 재구성하는 작업 방식을 보여주고 있다.
세잔은 프랑스 북부의 샹티이(Chantilly)에서 5개월간 머무는 동안, 이 마을의 유명한 성보다는 주로 공원에 펼쳐진 이 풍경을 그리는 데 집중했다. 그는 서로 겹쳐지는 색채의 작은 면들을 능숙하게 엮어, 공원의 대칭적인 가로수길을 느슨하고 분위기 있게 표현했다. 이처럼 보다 유동적인 표현 방식에는 1880년대 세잔이 수채화로 실험했던 작업이 영향을 주었을 가능성이 있다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
19세기 후반, 프랑스 화가들은 인상주의의 순간적이고 스케치 같은 표현 방식을 넘어 새로운 길을 모색하고자 했습니다. 후기 인상주의 화가들은 빛나는 색채와 구조적인 형태를 사용하여 작품에 더욱 강한 감정적 표현을 담아냈습니다. 1870년대 초, 폴 세잔(Paul Cézanne)은 친구이자 스승인 카미유 피사로(Camille Pissarro)와 함께 그림을 그렸습니다. 피사로의 농촌 풍경화에서 영감을 받은 세잔은 야외 관찰을 바탕으로 한 더욱 밝은 작품을 제작하기 시작했습니다. 그는 1877년 마지막으로 인상주의 화가들과 함께 전시에 참여한 뒤, 프랑스 남부의 고향인 엑상프로방스(Aix-en-Provence)로 돌아갔습니다. 그곳의 눈부신 빛과 독특한 암석 지형은 그에게 영감을 주었고, 세잔은 리드미컬한 붓질과 작은 색채의 조각들을 사용해 풍경을 표현했습니다. 그다음 10년 동안 피사로는 파리에서 활동하던 젊은 전위 예술가 집단을 만나게 되었는데, 이들은 조르주 쇠라(Georges Seurat)를 중심으로 활동했습니다. 과학적인 색채 이론의 영향을 받은 쇠라는 색채와 빛에 관한 인상주의자들의 자유로운 실험에 보다 합리적인 질서를 부여하고자 했습니다. 그는 캔버스 위에 작은 색점들을 나란히 찍어 표현하는 점묘법(Pointillism)이라는 기법을 고안했습니다. 이러한 색점들은 일정한 거리에서 바라볼 때 서로 어우러져 빛나는 형태를 만들어냅니다. 한편 페르디난트 호들러(Ferdinand Hodler)와 악셀리 갈렌칼렐라(Akseli Gallen-Kallela)는 각각 스위스와 핀란드 출신의 화가였습니다. 이들은 상징적인 풍경화를 통해 근대 세계 속에서 각자의 국가적 정체성을 형성하는 데 기여했습니다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
<출처>
- 안내문, The National Gallery, 2026년
- The National Gallery, London 공식 홈페이지 (https://www.nationalgallery.org.uk/), 2026.9.19. 검색
- ‘National Gallery’, wikipedia, 2026년
- 구글 Gemini 3 Flash 응답 내용 (2026.09.19 확인)
- OpenAI, <ChatGPT (GPT-5.3)>의 답변, 2026년 9월 19일 작성