45번째 전시실은 <새로운 에너지(New Energies)> 주제로 20세기 초 파격을 이끈 아방가르드 미술 및 초기 현대 미술(Modern Art) 작품을 전시하고 있다. 입체감과 구도를 깨뜨리고, 형태를 해체하거나 색채를 자유롭게 사용하던 20세기 아방가르드의 흐름을 보여준다. 파블로 피카소가 주도한 입체파 작품부터 초기 추상 표현 등 다양한 시도들을 볼 수 있다.
폴 세잔(Paul Cézanne)의 <수욕도/대수욕도(Bathers / Les Grandes Baigneuses, 1895–1906)>이다. 세잔이 평생에 걸쳐 탐구한 ‘자연 속 인간의 형태’ 연작의 최종 완성이자 현대 미술사의 판도를 바꾼 걸작이다. 인물과 자연이 개별적인 존재가 아니라 하나의 거대한 건축적 구조물처럼 결합해 있다.
세잔은 생애 마지막 10년 동안 간헐적으로 나체의 목욕하는 여인들을 주제로 한 대형 회화 세 점을 작업했다. 이 작품들은 40년이 넘도록 그를 사로잡았던 주제에 대한 장대한 최종적 표현을 이룬다. 자료에 따르면 세잔은 런던에 있는 이 작품을 가장 먼저 작업하기 시작한 것으로 보인다. 이후 필라델피아의 반스 재단(Barnes Foundation) 소장 작품에 집중했으며, 이 작품은 복잡한 구성을 완성하기 위해 작가가 가장 오랫동안 고투한 작품이 되었다. 세잔은 현재의 작품으로는 1905년경이 되어서야 다시 작업에 착수했을 가능성이 있다. 마지막 작품인 필라델피아 미술관 소장작은 앞의 두 작품보다 훨씬 크며, 마치 힘들이지 않은 듯한 확신에 찬 필치로 완성되었다. 우리 미술관의 작품은 1964년에 소장품으로 들어왔다. 민간 기부금이 상당 부분을 충당한 이 작품은 세잔의 작품으로서는 국가 소장품에 들어온 여섯 번째 작품이었다. 그러나 이 작품의 구입은 일부에서 거센 반발을 불러일으켰다. ‘스윙잉 런던(Swinging London)’이 한창이던 시기에도 이 작품은 지나치게 각지고, 부자연스럽고, 기이하다고 여겨졌으며, 현대미술의 지나친 일탈을 보여주는 노골적인 증거로 받아들여졌다. 실제로 이 작품은 오늘날까지도 도발적인 작품으로 남아 있으며, 내셔널갤러리에서 20세기 미술을 대표하는 핵심 작품 가운데 하나이다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
에드가 드가(Hilaire-Germain-Edgar Degas)의 <머리 빗질(Combing the Hair, ‘La Coiffure’, 1896)>이다. 하녀가 앉아 있는 여인의 머리카락을 잡아당겨 빗질하는 지극히 일상적인 포즈를 포착했다. 벽면, 여인의 의상, 길게 늘어뜨린 붉은 머리카락까지 화면 전체를 뜨거운 강렬한 붉은색과 오렌지색으로 채워넣어 비현실적이면서도 압도적인 몰입감을 만들어 내고 있다. 일본 우키요에의 영향을 받은 과감한 잘라내기와 독특한 시점이 적용되어 있다.
이 작품의 미완성된 듯한 외관과 강렬한 색채는 두 인물을 그들이 있는 방의 공간과 서로 융합시키며, 일상적인 장면에 긴장감과 친밀감을 더한다. 젊은 여인은 하녀가 자신의 긴 머리를 빗겨 주면서 생기는 불편함을 덜기 위해 몸을 뒤로 젖히고 있다. 드가가 시도한 불타오르는 듯한 색채와 역동적인 붓질은 앙리 마티스와 같은 젊은 화가들에게 영향을 주었다. 마티스는 한때 이 작품을 소장하기도 했다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
프랑시스 피카비아(Francis Picabia)의 <살로메(Salomé, 1930)>이다. 피카비아의 가장 독창적이고 매혹적인 시기로 꼽히는 ‘투명화(Transparencies)’ 연작의 대표적인 명작이다.
이 작품은 피카비아의 이른바 ‘투명화(Transparency paintings)’ 연작 가운데 하나로, 그는 미술·종교·신화에서 가져온 이미지들을 서로 겹쳐 표현했다. 여기에서는 살로메가 세례자 요한의 목을 대가로 헤롯 왕 앞에서 춤을 추는 장면을 보여준다. 작가는 살로메의 모습을 1925년에 촬영된 한 발레 무용수의 사진을 바탕으로 했으며, 화면에 크게 자리한 수수께끼 같은 얼굴은 보티첼리(약 1445~1510)의 그리스도 그림에서 가져와 변형했을 가능성이 있다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
앙리 루소(Henri Rousseau)의 <조셉 브루머의 초상(Portrait of Joseph Brummer, 1909)>이다. 정장 차림의 인물과 그 뒤를 감싸는 밀림 형태의 나뭇잎들이 대비를 이루며 꿈속가은 묘한 분위기를 연출한다. 브루머의 몸과 의자의 비례, 과장되게 그려진 손과 발, 짙은 윤곽선 등은 당시 아방가르드 화가들에게 큰 영감을 주었다.
앙리 루소(Henri Rousseau)의 <놀람!(Surprised!, 1891)>이다. 원시적이고 몽환적인 화풍으로 독자적인 회화 세계를 구축한 루소의 대표적인 정글 연작(Jungle Series) 중 첫 번째 작품이다.
웅크리고 있던 호랑이가 번개가 번쩍이는 순간 깜짝 놀라 뛰어오른다. 아니면 먹잇감을 노리며 몸을 낮추고 있는 것일까? 루소가 그린 상상의 정글 장면들 가운데 가장 이른 시기의 작품이자 가장 정교한 작품인 이 그림은 파리의 식물원에서 관찰한 열대 식물에 대한 습작을 바탕으로 제작되었다. 정식 미술 교육을 받지 않았던 루소의 작품에서는 원근법이 결여된 순진주의적 화풍이 두드러진다. 일부 사람들은 이러한 특징을 천진난만한 단순함으로 받아들이기도 했다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
앙리 마티스(Henri Matisse)의 <그레타 몰의 초상(Portrait of Greta Moll, 1908)>이다. 야수파 운동 직후, 마티스가 선과 색채의 단순화를 통해 대담하고 조형적인 화풍으로 이행하던 시기의 작품이다.
독일의 조각가이자 화가이며 마티스의 제자였던 마르가레테 몰(Margarethe Moll)은 이 장엄한 초상화를 위해 열흘 동안 모델로 앉았다. 마티스의 활기찬 야수파(Fauvism) 시기 말엽에 그려진 이 작품은 순수한 색채를 사용한 거칠고 격렬한 붓질로 구성되어 있다. 마티스는 파리 루브르에서 베네치아 화가 베로네세(1528~1588)의 작품을 본 뒤 이 그림을 수정했으며, 몰의 모습에 베로네세의 인물화에서 느껴지는 것과 같은 장엄함과 기념비적인 성격을 부여하고자 했다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
호아킨 소로야(Joaquín Sorolla)의 <사라우츠의 술꾼(The Drunkard, Zarauz, 1910)>이다. 오른쪽 인물의 붉어진 얼굴과 흐트러진 자세는 술에 취한 상태를 생생하게 전달하고 있다. 소로야는 지역 어부들과 노동자들의 일상을 어떠한 미화도 없이 있는 그대로 포착했다. 거친 옷감, 테이블 위의 술병, 인물들의 지친 표정 등을 빠른 붓터치로 구현하여 당시 민중의 고단한 삶과 현실을 사실적으로 담아냈다.
한여름 휴가 중에 이 장면을 그렸음에도 불구하고, 소롤라는 스페인 바스크 지방의 자라우스(Zarautz) 마을에 있는 어두운 선술집 안에서 술을 마시는 현지 노동자들을 묘사했습니다. 그는 빠른 속도로 작업했으며, 신속하고 거침없는 붓질은 술에 취한 남자의 흐릿하고 물기 어린 눈빛을 더욱 강조합니다. 그의 친구들은 그 앞에 사과주(시드르) 한 잔을 더 밀어놓고 있습니다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
미국 리얼리즘 미술의 거장 조지 벨로스(George Bellows)의 <부두의 사람들(Men of the Docks, 1912)>이다. 거대한 상선의 선체가 인간의 규모를 압도한다. 건너편으로는 연기와 안개 속에 아른거리는 맨해튼의 빌딩과 브루클린 브리지의 모습이 보인다. 현대 산업 사회의 스케일 속에서 작은 존재로 묘사된 노동자들의 배치가 돋보인다. 얼어붙은 강물, 흰 눈, 그리고 노동자들의 어두운 옷감이 대비를 이루며, 짐을 끄는 말들과 부두 인근의 번잡한 소음이 피부로 느껴지듯 생생하게 전해진다.
1904년 벨로스는 뉴욕에 도착한 뒤, 대도시에서의 삶이 지닌 가혹한 현실을 화폭에 담았습니다. 이 작품은 벨로스가 그린 겨울 풍경 가운데 가장 야심찬 작품입니다. 멀리 맨해튼의 마천루가 솟아 있는 가운데, 브루클린 해안가에서 일자리를 기다리는 부두 노동자들을 묘사하고 있습니다. 노동자들의 모습을 가감 없이 묘사한 벨로스는 밀레(1814~1875)를 비롯한 프랑스 화가들에게서 영감을 받았습니다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
아돌프 몽티셀리(Adolphe Monticelli)의 <들꽃 화병, (A Vase of Wild Flowers, 1870~1880)>이다. 몽티셀리는 나이프나 붓 끝으로 물감을 두껍게 얹어 올리는 임파스토(Impasto) 기법의 거장이었다. 화병에 꽂힌 들꽃들은 마치 물감 자체가 보석이나 3차원 조각처럼 도드라져 보인다. 정교하고 섬세한 꽃 그림이 아니라, 물감의 질감과 촉감을 극대화한 독창적인 방식이다. 몽티셀리는 고흐에게 큰 영향을 주었다. 고흐가 아를(Arles)에서 그린 그 유명한 <해바라기>와 여러 정물화가 대표적이다.
몽티첼리는 장식된 식탁보 위에 놓인 화려한 야생화 꽃병을 그렸습니다. 섬세한 꽃잎은 두터운 물감을 겹쳐 바르는 붓질로 표현했습니다. 몽티첼리는 독특한 붓질로 반 고흐에게 깊은 영향을 주었습니다. 몽티첼리는 프로방스 출신으로, 반 고흐가 1888년 프랑스 남부로 이주하기로 결심하는 데에도 영감을 주었습니다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
폴 세잔(Paul Cézanne)의 <물항아리가 있는 정물, (Still Life with Water Jug, 1892~3)>이다. 화면 속 테이블 표면, 접시, 물항아리, 과일들은 마치 서로 다른 각도에서 바라본 것처럼 약간씩 비틀려 배치되어 있다. 이러한 시각적 뒤틀림은 사물의 실재감과 단단한 구조를 화면 위에 재구성하려는 시도로, 훗날 피카소와 브라크의 입체주의에 직결적인 영향을 주었다.
세잔은 같은 사물들을 반복해서 관찰하고 그리는 데 집중하면서, 엑상프로방스에서 이 미완성 작품을 그렸습니다. 그는 하나의 시점만으로는 사람이 세상을 지각하는 방식을 정확하게 표현할 수 없다고 생각했습니다. 식탁 상판은 거의 수직에 가까울 정도로 앞으로 기울어져 있으며, 과일과 접시, 그리고 화가가 즐겨 그렸던 파란색 물병은 한 화면에 여러 가지 시점을 동시에 결합하고 있습니다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
에두아르 뷔야르(Édouard Vuillard)의 <벽난로 선반(The Mantelpiece, 1905)>이다. 뷔야르는 친구인 피에르 보나르(Pierre Bonnard)와 함께 ‘나비파(Les Nabis)’를 이끌었으며, 특히 중산층의 가정 실내 풍경을 친밀하고 정감 있게 담아내어 ‘앙티미스트(Intimiste, 친밀주의자)’로 불렸다. 그가 머물던 집이나 후원자의 실내 일부분인 벽난로 선반을 주제로 삼아, 지극히 개인적이고 포근한 공간의 정조를 풍부하게 표현하고 있다.
뷔야르는 노르망디에서 친구들이 빌린 별장의 벽난로 선반을 바탕으로 이 작품을 그렸습니다. 화려하게 장식된 벽지 옆에 어지럽게 놓인 꽃, 병, 미술 작품들을 묘사하여 실내 공간과 정물화를 하나로 융합했습니다. 1890년대의 평면적이고 압축된 화면과 달리, 이 작품에서 화가는 더욱 깊이감 있고 자연광이 느껴지는 공간을 표현했습니다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
파블로 피카소(Pablo Picasso)의 <모성(Motherhood / La Maternité, 1901)>이다. 피카소가 20세에 제작한 작품으로, 본격적인 청색 시대(Blue Period)로 넘어가는 결정적 길목에 서 있는 명작이다.
이 작품은 친구의 죽음에서 영감을 받아 제작된 피카소의 엄숙한 청색시대(1901~1904)를 잘 보여주는 감동적인 작품입니다. 이 시기 피카소는 여기에서처럼 다양한 청록색 계열의 색조를 사용해 우울하고 애수 어린 주제를 다루었습니다. 어머니는 아들을 품에 안고 있으며, 길게 뻗은 두 팔로 아들을 감싸 안은 모습에서 다정하고 애틋한 포옹이 느껴집니다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
폴 고갱(Paul Gauguin)의 <수확: 르 풀두(Harvest: Le Pouldu, 1890)>이다. 고갱은 자연의 형태를 단순화하고 강렬한 색면으로 구성하는 종합주의 양식을 전개했다. 화면은 황금빛 곡식 밭, 녹색 언덕과 붉은 바위, 그리고 푸른 바다와 하늘이라는 몇 가지 거대한 색채 띠)로 수평 분할되어 있다. 대담하게 높인 지평선과 평면적인 구성은 관람객의 시선을 색채와 형태 자체의 조화로 끌어들인다.
고갱은 1886년부터 1891년까지 브르타뉴에 머물며, 퐁타방(Pont-Aven)의 예술가촌에 정착했습니다. 더 한적한 곳을 찾아 그는 1889년 외딴 마을 르 풀뒤(Le Pouldu)로 이주했습니다. 그는 점차 이 작품의 수확 장면처럼 단순화된 형태와 명확하게 구분된 색면으로 이루어진 그림을 집중적으로 그렸습니다. 이러한 표현 방식은 2차원적인 패턴을 강조하는 ‘종합주의(Synthetism)’라고 합니다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
덴마크의 상징주의·상랑주의 화가 빌헬름 함메르스회(Vilhelm Hammershøi)의 <실내: 물항아리가 있는 정경(Interior: Interior with Water Jug , 1899)>이다. 뒷모습을 한 인물 배치는 19세기 낭만주의 전통에서 유래했으나, 함메르스회는 이를 통해 서사적 일화나 감정 표현을 배제했다. 화려한 색채를 배제하고 기하학적인 문틀, 선반, 그리고 빛이 반사되는 물항아리 등 최소한의 오브제만을 배치함으로써 명암과 질감 자체에 집중하게 만들고 있다.
아이다 일스테드(Ida Ilsted, 1869~1949)는 함메르쇠이의 아내로, 코펜하겐에 있는 두 사람의 집에서 등을 보인 채 서 있습니다. 함메르쇠이는 시적인 실내 풍경으로 잘 알려져 있으며, 작품 속에 이야기를 암시할 수 있는 사물이나 인물의 표정을 의도적으로 배제하곤 했습니다. 이 작품에서는 보이지 않는 창을 통해 들어오는 부드러운 자연광에 초점이 맞춰져 있으며, 그 빛이 광택이 나는 탁자, 난로와 소박한 방의 건축적 요소들을 은은하게 비추고 있습니다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
20세기로 접어들면서 회화는 극적인 변화의 시기를 맞이했습니다. 실험과 혁신, 그리고 세계를 새롭게 표현하는 방식은 점점 더 흥미롭고 예측할 수 없는 모습으로 발전해 갔습니다. 여전히 파리는 예술의 중심지였습니다. 예술가와 비평가, 수집가들이 이곳에 모여들었습니다. 에드가 드가(Edgar Degas)는 노년에 이르러서도 대담한 실험을 계속했으며, 그의 색채 사용은 더욱 과감해졌습니다. 앙리 루소(Henri Rousseau), 앙리 마티스(Henri Matisse), 파블로 피카소(Pablo Picasso)는 아프리카 조각, 대담한 무늬의 직물, 분절된 형태 등 서로 다른 새로운 원천에서 예술적 영감을 얻었습니다. 폴 세잔(Paul Cézanne)은 멀리 떨어진 프로방스에서 홀로 작업했지만, 자신의 작품을 파리로 보내면서 당시 가장 영향력 있는 화가로 자리 잡았습니다. 한편 다른 도시들도 예술의 주도권을 주장하기 시작했으며, 특히 조지 벨로스(George Bellows)가 활동한 뉴욕이 그 대표적인 사례였습니다. 1914년 세계대전이 발발하기 전까지 예술계는 점점 더 국제적이고 다채로우며, 흥분과 활력이 넘치는 세계로 변화해 갔습니다. 호아킨 소로야(Joaquín Sorolla)는 고향인 마드리드에서 유명했을 뿐만 아니라 파리, 런던, 뉴욕, 그리고 라틴아메리카에서도 이에 못지않은 명성을 누렸습니다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
<출처>
- 안내문, The National Gallery, 2026년
- The National Gallery, London 공식 홈페이지 (https://www.nationalgallery.org.uk/), 2026.9.20. 검색
- ‘National Gallery’, wikipedia, 2026년
- 구글 Gemini 3 Flash 응답 내용 (2026.09.20 확인)
- OpenAI, <ChatGPT (GPT-5.3)>의 답변, 2026년 9월 20일 작성