10번째 전시실는 <디자인을 통한 헌신(Devotion by Design)>라는 제목으로 1500년 무렵의 이탈리아 제단화를 전시하고 있다. 1500년경을 기점으로 다수의 패널로 나뉘어 있던 제단화가 하나의 통일된 화면에 인물들을 배치하는 ‘팔라(pala)’ 양식으로 발전했다. 종교개혁, 미술품 매매, 성당 개축 등의 과정에서 원래 위치에서 떼어져 분해되거나 판매되었다. 전시된 작품들은 원래 형태 일부가 손실되었거나, 훗날 교체된 프레임에 들어가 있거나, 일부 파편 상태로 남아 있다.
카를로 크리벨리(Carlo Crivelli)의 <제비의 성모(La Madonna della Rondine / The Madonna of the Swallow, 1490~)>이다. 상단의 작은 제비 한 마리는 예수 그리스도의 부활과 영원한 생명을 한다. 손에 있는 사과는 인류의 원죄와 그리스도의 수난을 암시한다. 과일과 채소는 풍요로움과 함께 기독교적 구원 및 도상적 상징(무화과=원죄, 구원 등)을 표현하고 있다. 선명한 윤곽선, 금박의 화려한 사용, 눈앞에 실재하는 듯한 입체감으로 장식적인 미학을 보여준다.
이 제단화는 오토니(Ottoni) 가문 예배당을 위해 제작되었으며, 후원자는 군인과 성직자였다. 성 세바스티아노와 성 예로니모는 각각 이 두 직업을 수호하는 성인이다. 제단화의 하단부인 프레델라(predella)에는 이 두 성인과 알렉산드리아의 성 카타리나, 성 게오르기우스의 생애를 담은 장면들이 그려져 있다. 제비는 부활을 상징한다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
카를로 크리벨리의 <드미도프 제단화 (The Demidoff Altarpiece, 1476)>이다. 이탈리아 마르케(Marche) 지역 아스콜리 피체노(Ascoli Piceno)의 산 도메니코 성당에 설치되었으나, 훗날 분해된 후 러시아의 부호 아나톨리 드미도프(Anatole Demidoff) 백작이 수집·재조립하면서 ‘드미도프 제단화’라고 불린다.
이 대형 다폭 제단화(polyptych)는 원래 이탈리아 중부 마르케주 아스콜리 피체노(Ascoli Piceno)에 있는 도미니코회 성당의 주제단에 설치되어 있었다. 크리벨리는 화가로 활동하는 동안 경력의 상당 부분을 이 지역에서 보냈다. 화면 맨 오른쪽에는 책과 백합을 든 성 도미니코가 그려져 있다. 그 위쪽에는 위대한 도미니코회 신학자인 성 토마스 아퀴나스가 배치되어 있어 두 인물의 위치가 서로 호응한다. 크리벨리는 성인들이 더욱 실재감 있게 보이도록 다양한 시각적 기법을 활용했다. 인물들의 발은 계단 앞으로 튀어나온 듯 표현했으며, 옷에는 석고 혼합물인 제소(gesso)를 사용해 입체적인 부조 장식을 더함으로써 생동감을 부여했다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
카를로 크리벨리의 <성 프란치스코, 성 세바스티아노와 함께 있는 성모자(The Virgin and Child with Saints Francis and Sebastian, 1491)>이다. 성모 마리아는 대리석 왕좌에 앉아 기도하는 자세를 취하고 있으며, 그녀의 무릎 위에는 아기 예수가 앉아 있다. 왼쪽에는 아시시의 성 프란치스코 (St. Francis of Assisi), 오른쪽에는 성 세바스티아노 (St. Sebastian)가 배치되어 있다. 당시 흑사병을 막아주는 수호성인으로 숭배받았기에, 질병 예방 및 치유 기원의 의도가 담겨 있다. 크리벨리 특유의 날카롭고 명확한 윤곽선과 고딕적인 우아함, 르네상스 원근법이 독창적으로 집약되어 있다.
이 제단화는 이탈리아 마르케주에 있는 도시 파브리아노(Fabriano)의 프란치스코회 성당 내 한 가문 예배당을 위해 제작되었다. 성 프란치스코는 후원자인 오라데아 베케티(Oradea Becchetti)를 성모 마리아와 아기 예수에게 소개하고 있다. 성 세바스티아노는 당시 이 지역에 흔히 발생했던 흑사병을 비롯한 전염병으로부터 사람들을 보호하는 수호성인으로 여겨졌다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
카를로 크리벨리의 <성 루치아(Saint Lucy, 1476)>이다. 금박 배경 바탕 위에 회반죽/석고(Pastiglia)를 도드라지게 얹어 후광과 의복의 디테일을 입체적으로 구현했다. 날카로우면서도 정교한 필치로 인물의 옷주름, 장신구, 샌들을 신은 발가락과 머리카락 말림 하나하나까지 극사실적으로 묘사했다. 성녀를 고급 르네상스 의복과 목걸이를 착용한 고귀한 여성으로 연출하여 고딕 양식의 우아함과 르네상스 원근법적 질감을 조화롭게 보여준다.
순교하기 전, 성 루치아는 고문을 당하며 두 눈을 뽑히는 형벌을 받았다. 이 작품에서 그녀는 금쟁반 위에 자신의 두 눈을 올려 들고 있다. 크리벨리는 천상의 완전한 성인의 모습으로 그녀를 묘사했으며, 눈이 다시 회복된 루치아는 하늘을 바라보고 있다. 그녀가 입은 황금빛 드레스에는 제소(gesso, 석고 혼합물)를 덧발라 입체적인 장식을 만들었다. 이를 통해 옷의 여밈 장식과 허리띠의 버클에 서로 다른 시각적 효과를 부여했다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
카를로 크리벨리의 <대천사 미카엘(Saint Michael, 1476)>이다. 갑옷의 돋을새김 문양, 후광, 날개깃과 무기 표면에 석고 반죽을 입힌 뒤 금박을 입혀, 실제 금속 공예품을 보는 듯한 3차원적 촉각성을 부여했다. 미소년 얼굴과 날카로운 갑옷·칼의 대비, 크리벨리 특유의 또렷한 윤곽선과 금빛 바탕의 극적인 정교함이 조화를 이루고 있다ㅏ.
성 미카엘은 엄지와 검지 사이에 저울을 들고 한 남자와 여자의 영혼을 저울질하고 있다. 발아래에는 비늘이 덮인 악마를 짓밟고 있지만, 그의 동작은 섬세하고 절제되어 있다. 이 패널은 한때 크리벨리가 이탈리아 아스콜리 피체노(Ascoli Piceno)의 산 도메니코 성당에 있는 측면 예배당을 위해 제작한 다폭 제단화(polyptych)의 일부였다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
카를로 크리벨리의 <프레임 또는 프레델라의 패널화(Panels from a Frame or a Predella, 1491–1494)>이다. 대형 제단화(Altarpiece)의 테두리 프레임 측면이나 하단 프레델라(Predella, 제단 받침대)에 분할 배치되었던 소형 성인 인물 패널들이다.
알렉산드리아의 성 카타리나 (Saint Catherine of Alexandria)는 바퀴 형태의 고문 도구와 순교를 상징하는 종려나무 가지를 들고 있다. 학식 높은 공주였던 그녀의 기품을 드러내기 위해 화려한 왕관과 금실로 장식된 로브를 입은 귀족적 여인의 모습으로 묘사되어 있다.
성 막달라 마리아 (Saint Mary Magdalene) 는 그리스도의 발에 부었던 향유 항아리를 손에 들고 있다. 붉은 겉옷과 흩날리는 긴 머리카락은 르네상스 당시 세속적 미의 기준과 회개한 순교자의 도상적 상징을 반영하고 있다.
이 작은 패널들은 제단화 하단부인 프레델라(predella)의 일부이다. 건축적 벽감 안에 서 있는 성 카타리나는 자신이 고문을 당할 때 사용된 바퀴에 손을 얹고 있으며, 마리아 막달레나는 그리스도의 몸에 향유를 바를 때 사용했던 향유 단지를 들고 있다. 크리벨리는 눈속임 기법을 활용해 사실적인 효과를 연출했다. 두 성인의 발은 돌계단 앞으로 튀어나온 듯 표현되어 그림자까지 드리우고 있으며, 성 카타리나 패널에는 파리 한 마리가 실제로 그림 표면에 내려앉은 것처럼 묘사되어 있다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
암브로조 베르보뇨네(Ambrogio Bergognone)의 <겟세마네 동산의 고통(The Agony in the Garden, 1501)>이다. 예수 그리스도가 십자가형을 앞두고 겟세마네 동산에서 기도하며 인류의 죄를 위한 수난을 맞이하는 순간을 다루고 있다. 롬바르디아 화파 특유의 은은하고 부드러운 빛의 처리와 정교한 의복의 금빛 자수 장식이 르네상스 정교함의 정수를 보여준다.
겟세마네 동산에서 기도하던 그리스도는 눈물을 흘리며 자신이 곧 겪게 될 고난을 상징하는 물건들이 담긴 성배를 건네는 천사를 바라보고 있다. 잠든 제자들은 유다가 병사들을 이끌고 성문을 통과해 예수를 체포하러 오는 것을 막지 못한다. 이 패널은 인근에 전시된 <십자가를 지고 가는 그리스도>와 함께 원래 하나의 다폭 제단화(폴립티크, polyptych)를 구성했던 작품이다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
암브로조 베르보뇨네의 <십자가를 지신 그리스도(Christ carrying the Cross, 1501)>이다. 예수의 표정은 육체적 통증보다는 묵묵히 신의 뜻을 따르는 내면의 순종과 차분함에 초점이 맞추어져 있다. 배경에는 기도하며 동행하는 카르투시오회 수도사들이 배치되어 있다. 배경으로 보이는 수도원처럼 보이는 건축물과 아득한 풍경이 정숙하고 서정적인 분위기를 더해주고 있다.
무거운 십자가를 짊어지고 힘겹게 걸어가던 그리스도는 우리를 향해 몸을 돌리고 있다. 배경에 묘사된 건축물은 베르고뇨네가 활동했던 북이탈리아 도시들의 건축 양식을 떠올리게 한다. 화가는 당시 현지의 친숙한 장소를 연상시키는 배경을 통해 그리스도의 고난을 신자들이 더욱 생생하고 직접적으로 느끼도록 했다. 이 패널은 인근에 전시된 화가의 작품 「겟세마네 동산에서의 고뇌」를 포함한 다폭 제단화의 일부였다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
암브로조 베르보뇨네의 <성모자와 성녀들(The Virgin and Child with Saint Catherine of Alexandria and Saint Catherine of Siena, 1490~5)>이다. 파비아 수도원(Certosa di Pavia)의 성 알렉산드리아의 카타리나 제단을 위해 제작된 작품이다. 성모 마리아 옆으로 알렉산드리아의 성 카타리나와 시에나의 성 카타리나가 자리하고 있다. 롬바르디아 특유의 부드러운 빛과 차분하고 정적인 표정 연출이 시적이고 영적인 명상 분위기를 자아내고 있다.
이 제단화는 두 성인이 그리스도와 신비로운 영적 혼인 관계를 맺는 장면을 묘사하고 있다. 아기 예수는 가시 달린 수레바퀴로 고문을 당한 뒤 참수형을 당한 순교자이자 공주인 알렉산드리아의 성녀 카타리나에게 반지를 건네고 있다. 예수는 순결을 상징하는 흰 백합을 들고 기다리는 도미니코회 신비주의 성녀 시에나의 카타리나에게도 또 하나의 반지를 건네려 한다. 이 제단화는 베르고뇨네가 파비아의 카르투시오회 수도원(체르토사 디 파비아)을 위해 제작한 열 점의 제단화 가운데 하나였다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
루카 시뇨렐리(Luca Signorelli)의 <그리스도의 할례 (The Circumcision, 1490~1)>이다. 1500년 무렵 피렌체 주변에서 발전하던 ‘팔라(pala)’ 양식의 대표작이다. 인물의 근육감과 옷주름의 선이 매우 탄탄하고 조각처럼 명확하게 표현되어 있다. 인물들이 중앙의 아기 예수를 중심으로 균형감 있게 무리지어 있다. 기존의 다채색 제단화처럼 여러 칸으로 나누지 않고, 모든 인물과 배경을 하나의 화면에 통합한 필라양식의 작품이다.
예수 성명 형제회(Confraternity of the Holy Name of Jesus)는 토스카나의 볼테라에 있는 자신들의 예배당을 위해 이 제단화를 의뢰했다. 이 작품은 마치 교회 내부 공간이 그림 속으로 연장된 것처럼 보이도록 그려졌다. 그림은 누가복음에 기록된 장면으로, 예수가 유대교 율법에 따라 할례를 받는 순간을 묘사하고 있다. 기독교 전통에 따르면, 이때 예수에게 ‘예수’라는 이름이 주어졌다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
루카 시뇨렐리의 <목자들의 경배(The Adoration of the Shepherds, 1496)>이다. 무릎을 꿇거나 고개를 숙인 목자들의 기품 있고 근육질적인 신체 묘사는 미켈란젤로적인 인체 미학을 보여주고 있다. 인물들 뒤로 거친 바위 절벽과 고전주의 스타일의 신전 아치가 배치되어 있다. 바위 굴과 인물들의 의복 색채가 대비를 이루며, 아기 예수를 향해 쏟아지는 영적인 경건함과 인물들의 진지한 표정이 극적인 분위기를 만들고 있다.
갓 태어난 아기 그리스도가 맨땅에 누워 있고, 성모 마리아와 성 요셉, 천사들, 목자들이 경건하고 조용한 분위기 속에서 그 주위를 둘러싸고 있다. 이 제단화가 원래 성스러운 예배 공간에 놓여 있었을 당시, 신자들은 그림 속 그리스도를 제단 위에 세워진 십자가와 함께 바라보았을 것이다. 또한 미사 중 그림 앞에서 높이 들어 올려지는 성체(그리스도의 몸으로 변한다고 믿는 빵)도 함께 볼 수 있었다. 십자가와 성체는 모두 그리스도가 앞으로 겪게 될 희생을 신자들에게 상기시키는 역할을 했을 것이다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
루카 시뇨렐리의 <사다리 위의 남자(Man on a Ladder, 1504~5)>이다. 원래 예수의 시신을 십자가에서 내리는 거대한 십자가 하강 도상의 일부분이 잘려나와 보존된 작품이다. 사다리를 타고 올라가 망치나 집게 등의 도구를 들고 작업하는 인물의 신체 연출에서 인체 근육 묘사 및 해부학적 단축법(Foreshortening)이 돋보인다. 사다리 너머로 바위 산과 고전주의 건물 풍경이 은은하게 펼쳐지며, 인물의 붉은 옷감과 짚신 등의 세밀한 질감이 사실감을 끌어올린다.
손에 펜치를 꼭 쥔 채 사다리를 타고 내려오는 이 남자는 방금 십자가에서 그리스도의 시신을 내린 인물이다. 아래쪽에서 올려다보는 시점으로 묘사되어 있어, 그의 자세에는 역동적인 단축법(원근법에 따라 인체의 길이를 짧게 표현하는 기법)이 적용되어 있다. 이 패널은 그리스도의 죽음을 애도하는 장면인 <애도>를 묘사한 대형 제단화의 일부이다. 화면 아래쪽에는 복음사가 성 요한의 머리 윗부분이 살짝 보인다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
디자인을 통한 헌신, 1500년 무렵의 이탈리아 제단화
이 방에는 동시대에 활동했으나 이탈리아의 각기 다른 지역에서 서로 다른 양식적 접근 방식을 취했던 화가들의 제단화가 전시되어 있습니다. 이 작품들은 모두 특정한 성스러운 맥락을 위해 제작되었으며, 교회와 예배당의 제단 위에서 기독교적 헌신과 의식의 중심을 이루었습니다. 어떤 작품은 그리스도의 삶 중 특정 순간을 묘사하며, 어떤 작품은 성인들과 함께 있는 성모자를 표현합니다. 이 거룩한 남녀 성인들의 존재는 한때 해당 그림이 장식했던 제단의 바쳐진 대상, 후원자의 이름, 또는 특정 지역의 헌신적 관심사를 알려주기도 합니다. 1500년 무렵에 이르러 대부분의 이탈리아 제단화는 인물들을 하나의 주요 그림 공간 속에 통합하는 방식을 취했는데, 이를 ‘팔라(pala)’라고 합니다. 아래쪽 받침대 부분인 ‘프레델라(predella)’에는 추가적인 도상이 포함되기도 했습니다. 동시에 마르케나 롬바르디아 시골 같은 오지에서는 보다 전통적인 형태의 제단화 디자인이 계속해서 제작되었습니다. 훗날 제단화들은 원래 놓여 있던 맥락에서 제거되어 사방으로 흩어지는 경우가 많았습니다. 각기 다른 구성 요소들이 분리되어 매각되기도 했습니다. 이 방에 있는 제단화 대부분은 원래 디자인의 일부를 잃어버렸거나, 후대에 제작된 프레임에 넣어 전시 중이거나, 혹은 더 큰 제단화 구성물의 일부 조각들입니다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
<출처>
- 현장안내문, The National Gallery, 2026년
- The National Gallery, London 공식 홈페이지 (https://www.nationalgallery.org.uk/), 2026.11.04. 검색
- ‘National Gallery’, wikipedia, 2026년
- 구글 Gemini 3 Flash 응답 내용 (2026.11.04 확인)
- OpenAI, <ChatGPT (GPT-5.3)>의 답변, 2026년 11월 04일 작성
- Anthropic. (2026). Claude Sonnet 5.5 [대규모 언어 모델]. https://claude.ai, 11월04일 확인