38번째 전시실은 <아카데미(The Academy)>란 주제로 19세기 아카데미즘 회화 작품을 전시하고 있다. 대체로 매우 정교하게 마무리되고 매끄럽게 다듬어진 화풍으로 제작되었다. 극적인 역사적 사건, 인간의 깊은 감정과 심리, 고전적 미학에서 탈피한 낭만주의적 예술관이 돋보인다. 폴 들라로슈의 <레이디 제인 그레이의 처형>이 유명하다.
프랑스 화가 폴 들라로슈(Paul Delaroche)의 <레이디 제인 그레이의 처형(The Execution of Lady Jane Grey, 1833)>이다. 1553년 17세의 젊은 나이에 원치 않는 영국의 여왕으로 추대되었다가 단 9일 만에 폐위된 ‘제인 그레이(Lady Jane Grey)’의 비극적인 처형 순간을 다루고 있다. 이 미술관에서 관람객의 시선을 많이 받는 작품 중 하나이다.
에드워드 6세가 1553년 사망한 뒤, 레이디 제인 그레이(Lady Jane Grey, 1536/7~1554)는 불과 9일 동안 왕위에 올랐으나, 메리 튜더(Mary Tudor, 1515~1558)를 지지하는 세력에 의해 폐위되었습니다. 그녀는 반역죄로 재판을 받고 타워 힐(Tower Hill)에서 참수되었습니다. 들라로슈는 처형 장소를 런던탑 내부로 옮겨 묘사하면서, 제인이 처형대가 놓인 단두대 쪽으로 안내되는 순간을 포착했습니다. 그는 어둑한 건축 공간을 배경으로 인물들을 배치하여 연극적인 효과를 만들어냅니다. 화면에서 가장 밝게 표현된 인물은 제인 자신으로, 그녀는 크림색 새틴 속옷 차림으로 연약하고 무방비한 모습으로 묘사되어 있습니다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
프랑스 고전주의의 거장 장오귀스트도미니크 앙그르(Jean-Auguste-Dominique Ingres)의 <루지에로에 의해 구출되는 안젤리카(Angelica saved by Ruggiero, 1819-39)>이다. 고전 조각처럼 매끄럽고 완벽하게 표현되어 있지만, 목이 기묘하게 뒤로 꺾인 각도나 과장된 곡선은 사실적 해부학보다 시각적 우아함과 극적 감정을 우선시하고 있다.
아리오스토의 16세기 서사시 《광란의 오를란도(Orlando Furioso)》에서 루지에로(Ruggiero)는 바다 괴물에게 위협받고 있는 안젤리카(Angelica)를 발견합니다. 루지에로는 말과 그리핀을 반씩 닮은 신화 속 괴수를 타고 괴물에게 돌진하여, 창을 괴물의 입속에 찔러 넣습니다. 안젤리카의 모습은 고전적인 비너스(Venus)의 형상을 바탕으로 하고 있습니다. 그녀는 고개를 뒤로 젖히고 두 손을 늘어뜨린 채 수동적으로 보이며, 단호하고 결연한 루지에로와 대조를 이룹니다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
프란시스코 데 고야(Francisco de Goya)가 그린 <웰링턴 공작 초상(The Duke of Wellington, 1812-14)>이다. 프랑스군을 마드리드에서 몰아낸 영국 군사 영웅 아서 웨즐리(Arthur Wellesley, 웰링턴 공작)를 그린 작품이다.
아서 웰즐리(Arthur Wellesley, 1769~1852)는 제1대 웰링턴 공작으로, 오랜 기간 군인과 정치가로 활동했습니다. 고야는 웰링턴이 1812년 살라망카 전투에서 프랑스군을 물리친 후, 마드리드에서 이 초상화를 그렸습니다. 공작은 여러 개의 훈장과 군사 작위 휘장을 착용하고 있는데, 그중에는 황금양털 기사단(Order of the Golden Fleece)의 훈장(붉은색 리본)과 군사 황금십자훈장(Military Gold Cross)(분홍색과 파란색 리본)이 포함되어 있습니다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
장-오귀스트-도미니크 앵그르(Jean-Auguste-Dominique Ingres)의 <무아테시에 부인의 초상(Madame Moitessier, 1856)>이다. 화려한 꽃무늬 실크 드레스, 레이스, 보석 장식의 질감을 놀라울 정도로 정교하게 표현하여 상류층의 부와 격조를 직관적으로 전달하고 있다.
1844년 금융가 폴 시지스베르 모아테시에(Paul-Sigisbert Moitessier, 1799~1870)는 1842년에 결혼한 아내 마리 클로틸드 이네스 드 푸코(Marie Clotilde-Inès de Foucauld, 1821~1897)의 초상화를 의뢰했습니다. 이 작품은 여러 차례 수정 과정을 거쳐 1856년에야 완성되었습니다. 앵그르는 처음에는 모델에게 노란색 드레스를 입혀 그렸지만, 이후 당시 새롭게 유행하던 리옹산 꽃무늬 실크 로브를 입은 모습으로 수정했습니다. 손의 자세는 고대 로마의 벽화에서 가져온 것입니다. 앵그르는 1851년에 모아테시에 부인의 두 번째 초상화를 그리기 시작해 완성했는데, 이 작품에서는 그녀를 전신상으로 묘사했습니다. 이 두 번째 작품은 현재 워싱턴 국립미술관(National Gallery of Art, Washington)에 소장되어 있습니다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
자크루이 다비드(Jacques-Louis David)의 <빌랭 14세 백작부인과 그녀의 딸(Portrait of the Comtesse Vilain XIIII and her Daughter, 1816)>이다. 엄격하고 웅장한 역사화를 주로 그렸던 다비드의 이전 작품들과 달리, 이 초상화는 어머니와 딸 사이의 정서적 교감과 따뜻한 모성애를 강조하고있다. 완벽하게 다듬어진 인물의 윤곽선, 선명한 빛의 대비, 절제된 배경을 통해 신고전주의 특유의 정갈하고 명확한 조형미를 보여준다.
빌랭 백작부인(Comtesse Vilain, 1756~1842)은 나폴레옹의 아내인 마리 루이즈 황후(Empress Marie-Louise)의 시녀로 일했습니다. 그녀의 어린 딸은 초상화 작업이 진행된 후 뒤늦게 그림에 추가되었으며, 황후의 이름을 따서 마리 루이즈라는 이름을 붙였습니다. 나폴레옹의 측근이기도 했던 다비드(David)는 1815년 워털루 전투에서 황제가 항복한 후 브뤼셀로 추방되었으며, 망명 생활 중에 이 초상화를 그렸습니다. 초상화를 위한 모델 작업은 한 번에 4시간 이상 지속되기도 했으며, 백작부인은 이를 “고통스러울 만큼 지루한 일”이라고 여겼습니다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
프란시스코 드 고야(Francisco de Goya)의 <돈 안드레스 델 페랄의 초상(Don Andrés del Peral, 1798년 이전)>이다. 관람객을 정면으로 직시하는 강렬한 눈빛과 비대칭적인 입꼬리, 다소 딱딱하게 경직된 듯한 얼굴 표정에서 모델의 자신감과 성격을 잘 보여주고 있다. 배경을 매우 어둡게 처리하여 인물에만 빛이 집중되도록 연출했다.
고야의 아버지와 마찬가지로 안드레스 델 페랄(Andrés del Peral, 약 1750~1830)은 도금공(gilder)이었으며, 마드리드 왕실에서 일했습니다. 그는 미술품 수집가이기도 하여 고야의 그림 여러 점을 소장하고 있었습니다. 이 감동적이고 솔직한 초상화에서 고야는 페랄의 얼굴 왼쪽이 약간 처진 모습을 숨기지 않고 그대로 묘사했습니다. 이는 아마도 뇌졸중이나 안면마비의 후유증이었을 것으로 보입니다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
크리스텐 콥케(Christen Købke)의 <P. 리더의 초상화(Portrait of P. Ryder, Son of the Artist’s Cousin, 1848)>이다. 화려한 차림 대신 제빵사 옷을 입고 모자를 쓴 채 담배를 들고 있는 일상적이고 솔직한 모습을 담고 있다. 덴마크 황금기 미술 특유의 투명하고 차분한 빛 묘사와 함께 인물의 피부, 의복, 빵의 질감을 섬세하게 다룬 정교함이 돋보인다.
숙련된 제빵 장인이 작업복 차림으로 하루 일과를 마친 뒤 궐련을 피우며 편안하게 쉬고 있습니다. 그의 뒤쪽에는 프레첼을 담은 바구니가 보입니다. 자연스럽게 포즈를 취한 이 초상화는 화가와 모델 사이의 친밀한 관계를 보여줍니다. 코펜하겐을 기반으로 활동한 덴마크 화가 쾨브케(Købke)는 주로 풍경화와 초상화를 그렸습니다. 특히 가족을 모델로 한 작품에서는 당시 사회적 인사들의 초상화에 요구되던 격식과 형식에서 벗어나 보다 자연스러운 모습을 표현할 수 있었습니다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
장 오귀스트 도미니크 앵그르(Jean-Auguste-Dominique Ingres)의 <드 노르뱅 남작의 초상(Portrait of Monsieur de Norvins, 1811~1812년작)>이다. 앵그르는 색채보다 선과 윤곽의 완벽함을 중시했던 신고전주의의 거장이다. 인물의 체형, 옷의 주름, 깃의 곡선이 매우 명확하고 깔끔하게 마감되어 있다. 검은색 단정한 코트와 대비되는 배경의 화려한 붉은 다마스크 패턴 벽지와 커튼은 인물의 권위와 고급스러운 분위기를 극대화하고 있다.
1810년부터 1814년까지 노르뱅(Norvins)은 당시 프랑스의 지배를 받고 있던 로마에서 경찰청장을 지냈다. 재킷 안에 넣은 왼손은 그가 나폴레옹 황제에게 충성을 맹세하고 있음을 나타낸다. 왼쪽의 휘장 아래에는 희미하게 어린아이의 흉상이 보이는데, 이는 아마도 나폴레옹의 어린 아들을 표현한 것으로 보인다. 나폴레옹 황제가 실각한 후 앵그르는 이 부분을 붉은색 물감으로 덧칠해 가렸는데, 시간이 지나면서 그 덧칠이 투명해져 원래의 흉상이 다시 드러나게 되었다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
로렌스 알마 타데마(Lawrence Alma-Tadema)의 <접견이 끝난 후(After the Audience, 1879)>이다. 빛을 받아 반짝이는 백색 대리석 계단과 기둥, 바닥의 질감을 치밀하고 사실적으로 표현했다. 실물 크기 동상(황제 아우구스투스의 모습 형상화)이 계단 입구에 우뚝 서 있어 고대 로마 건축의 위엄을 더해준다.
마르쿠스 빕사니우스 아그리파(Marcus Vipsanius Agrippa, 기원전 63?~12)는 장군이자 정치가로, 초대 로마 황제 아우구스투스 카이사르의 친구이자 측근이었다. 그는 아래에 모인 사람들의 요청을 듣고 별장의 계단을 올라가고 있다. 눈에 띄는 대리석 아우구스투스 조각상은 황제의 권위를 상징한다. 알마 타데마는 1863년에 재발견된 고대 조각상을 바탕으로 이 작품을 그렸으며, 이를 통해 작품의 역사적 정확성을 강조했다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
장 루이 앙드레 테오도르 제리코(Jean-Louis-André-Théodore Géricault)의 <번개에 놀란 말(A Horse Frightened by Lightning, 1813~1814년경)>이다. 어두운 먹구름이 뒤덮인 야외 배경 속에서 번개가 내리치는 순간, 말이 느끼는 찰나의 공포와 긴장감을 극적으로 포착했다. 말의 쫑긋 세운 귀, 경계심 가득한 눈동자, 팽팽하게 긴장된 목과 다리 근육의 섬세한 표현에서 작가의 치밀한 관찰력이 드러난다.
말 한 마리가 두려움에 질려 몸을 꼿꼿이 세운 채 서 있고, 입에서는 침이 흘러내리고 있다. 말은 번개가 번쩍이는 어두운 하늘을 배경으로 하고 있다. 이 작품은 제리코가 1813년에 베르사유의 황실 마구간에 있던 말들을 대상으로 그린 일련의 습작 가운데 하나로 보인다. 말 전체가 밝게 비추어져 있는데, 이는 화가가 극적인 효과를 내기 위해 배경을 덧붙였음을 시사한다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
아돌프 멘첼(Adolph Menzel)의 <눈바꼭질(Blind Man’s Buff, 1867)>이다. 멘첼 특유의 세밀하고 정교한 필치가 돋보인다. 투구와 갑옷 금속에 반사되는 차가운 광택, 칼자루의 섬세한 조각, 여인의 머리에 얹힌 화관과 옷감의 질감이 매우 사실적으로 표현되어 있다. 둔중하고 단단한 기사의 갑옷과 여인의 가볍고 활기찬 행동이 대비를 이루고 있다.
1860년대에 아돌프 멘첼은 베를린 왕궁에 있던 갑옷을 연구하며, 이를 작은 풍속화에 활용했다. 여기서는 한 기사가 젊은 여성이 들어 올려 보여주는 꽃다발을 투구의 바이저 너머로 바라보기 위해 고개를 돌리고 있다. 두 사람의 장난스러운 모습을 지켜보는 것은 음울한 표정의 경비병 같은 인물인데, 이 인물은 아마도 시간을 상징하며 인생이 흘러간다는 사실을 일깨우는 존재로 그려진 것으로 보인다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
율리우스 슈노르 폰 카롤스펠트(Julius Schnorr von Carolsfeld)의 <보아스의 밭에 선 룻(Ruth in Boaz’s Field, 1828)>이다. 구약성경 룻기(Book of Ruth)에 등장하는 장면을 다루고 있다. 화려한 감정 발산보다는 명확한 외곽선, 입체적이고 단정한 인물 묘사, 그리고 조화롭고 차분한 색조를 통해 종교적 숭고함과 순수함을 전달하고 있다.
구약성서에는 남편을 잃은 룻이 시어머니 나오미를 부양하기 위해 추수한 뒤 밭에 남겨진 곡식을 주워 모았다는 이야기가 전해진다. 그 땅의 주인 보아스는 룻의 헌신과 충성심을 높이 평가했다. 두 사람은 훗날 결혼했으며, 그들의 후손 가운데 다윗 왕이 태어났다. 슈노르 폰 카롤스펠트는 뮌헨에서 이 작품을 그렸으며, 풍경은 이탈리아 체류 중에 그린 습작을 바탕으로 했다. 그는 로마에서 활동하던 화가들의 형제단에 속했는데, 이들은 훗날 나사렛파(Nazarenes)로 알려졌다. 나사렛파는 회화를 초기 르네상스 미술이 지녔던 순수한 형태와 정신적 가치를 되찾는 것을 추구했다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
윌리엄 홀먼 헌트(William Holman Hunt)의 <동생의 죽음에 대한 정의를 실현하겠다고 맹세하는 리엔치(Rienzi vowing to obtain Justice for his Brother’s Death, 1949)>이다. 라파엘 전파의 비밀 결사 서명인 ‘PRB’를 캔버스 하단에 처음으로 기입하여 발표한 역사적 작품 중 하나이다. 야외에서 직접 풍경을 관찰하며 풀잎과 하늘, 빛의 디테일을 치밀하게 사생했다.
콜라 디 리엔치(Cola di Rienzi, 1313~1354)의 형제는 로마에서 콜론나 가문과 오르시니 가문 사이에 벌어진 전투에서 목숨을 잃었다. 리엔치는 형제의 시신을 부축하며, 부패한 지배자들로부터 도시를 해방시키겠다고 맹세한다. 리엔치의 모습은 화가이자 시인인 단테 가브리엘 로세티(Dante Gabriel Rossetti, 1828~1882)를 모델로 했다. 장면의 배경은 자연주의적으로 묘사된 풍경으로, 헌트가 주로 햄스테드 히스에서 야외 작업을 통해 그린 것이다. 영국 화가 헌트와 로세티는 라파엘 전파 형제단(Pre-Raphaelite Brotherhood)의 창립 회원으로, 15세기 이탈리아 미술의 미학으로 돌아갈 것을 주장했다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
요한 하인리히 페르디난트 올리비에(Johann Heinrich Ferdinand Olivier)의 <아브라함과 이삭(Abraham and Isaac, 1817)>이다. 배경에 우뚝 솟은 중세풍 성채와 암벽, 맑고 투명한 하늘은 단순한 배경을 넘어 인물들의 숭고한 결단과 조화를 이루며 경건하고 평화로운 분위기를 자아내고 있다. 작가는 르네상스 초기 미술로의 회귀를 주장했던 나자레파(Nazarenes) 정신에 영향을 받아 명확하고 차분한 윤곽선과 고전적인 구도를 적극 활용했다.
구약성서에서 하나님은 아브라함에게 그의 신앙을 시험하기 위해 외아들 이삭을 제물로 바치라고 명령하신다. 그러나 결국 이삭 대신 숫양이 제물로 바쳐져 불태워졌다. 험준한 산악 풍경은 올리비에가 잘츠부르크 주변 지역에 머무는 동안 그린 습작을 바탕으로 했다. 올리비에는 훗날 나사렛파(Nazarenes)로 알려진 예술가 형제단의 일원으로, 이들은 중세와 르네상스 시대의 종교 미술에서 영감을 얻었다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
외젠 들라크루아(Eugène Delacroix) <십자가상의 그리스도(Christ on the Cross, 1853)>이다. 예수 그리스도의 신체에 감도는 창백한 녹회색 빛이 먹구름이 뒤덮인 어둡고 요동치는 하늘의 색조와 조화를 이루며 화면 전체에 스산하고 숭고한 분위기를 조성하고 있다. 거칠고 즉흥적인 붓터치는초벌 스케치처럼 강렬한 에너지를 전달한다.
요한복음에 따르면, 그리스도는 죽음을 앞두고 어머니 마리아와 제자 요한에게 말씀을 건넨다. 여기서 마리아는 요한과 클레오파스의 아내 마리아의 품에 쓰러지는 모습으로 묘사되어 있다. 막달라 마리아는 십자가 아래에서 기도하고 있다. 십자가에 못 박히신 그리스도의 장면에서는 이례적으로 등장하는 유다는 절망에 사로잡혀 있다. 강렬한 명암 대비는 장면의 극적인 분위기를 한층 고조시킨다. 들라크루아는 프랑스 회화에서 낭만주의를 대표하는 화가였으며, 특히 루벤스(1577~1640)의 힘차고 표현적인 붓질에서 큰 영향을 받았다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
카를 구스타프 카루스(Carl Gustav Carus)의 <감옥 창문에서 바라본 하늘(A View of the Sky from a Prison Window, 1823)>이다. 육중하고 어두운 감옥 창살과 벽체는 육신의 구속과 한계를 의미하며, 그 너머로 보이는 맑고 구름 낀 하늘은 영혼의 자유와 신비로운 자연을 상징한다. 카루스는 단순한 감정 발산에 그치지 않고, 기상학과 자연과학적 관찰을 바탕으로 구름과 하늘의 질감을 매우 세밀하게 포착했다.
쇠창살이 있는 창을 통해 보이는 것은 오직 푸른 하늘뿐이다. 돌로 된 창턱에 흩어져 있는 짚과 벽에 박힌 쇠사슬의 고리는 감옥을 연상시킨다. 창살 너머에 가느다랗게 걸린 거미줄은 갇혀 있다는 느낌을 더욱 강조한다. 어두운 실내와 밝은 외부의 대비는 육체적·정신적 차원에서의 구속과 자유 사이의 긴장감을 상징한다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
19세기 전반 유럽 회화는 공식 미술학교에서 이루어지는 교육이 큰 영향을 미쳤습니다. 예술가 교육에서 가장 중요한 과정은 인체 소묘였습니다. 학생들은 먼저 조각상의 석고 모형을 보고 그리는 연습을 한 뒤, 실제 인체 모델을 대상으로 작업했습니다. 대규모의 역사화, 신화화, 종교화를 제작하기 위해서는 인체에 대한 집중적인 연구가 필수적이었습니다. 이러한 주제들은 도덕적 이념을 전달할 수 있다는 점에서 회화의 가장 높은 형식으로 여겨졌습니다. 이러한 작품들은 파리의 살롱(Salon)이나 런던의 왕립미술원(Royal Academy)과 같은 공식 전시회에서 높은 평가를 받았습니다. 아카데미즘 회화는 대체로 매우 정교하게 마무리되고 매끄럽게 다듬어진 화풍으로 제작되었으며, 장 오귀스트 도미니크 앵그르(Jean-Auguste-Dominique Ingres)와 폴 들라로슈(Paul Delaroche)의 작품에서 이러한 특징을 잘 볼 수 있습니다. 반면 외젠 들라크루아(Eugène Delacroix)와 테오도르 제리코(Théodore Géricault)의 회화는 보다 자유로운 붓질과 극적인 색채가 특징입니다. 이러한 표현 방식은 감정과 정서를 강하게 전달하며, 낭만주의(Romanticism)로 알려진 화풍을 보여줍니다. 초상화는 18세기와 19세기에 걸쳐 인기가 높아졌으며 그 위상도 크게 향상되었습니다. 귀족뿐만 아니라 전문직 계층에 속한 사람들도 점차 초상화를 주문하기 시작했습니다. 초상화 제작은 많은 화가들에게 안정적인 수입을 보장해 주었을 뿐 아니라, 화가의 명성을 높이는 데에도 도움이 되었습니다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
<출처>
- 안내문, The National Gallery, 2026년
- The National Gallery, London 공식 홈페이지 (https://www.nationalgallery.org.uk/), 2026.9.27. 검색
- ‘National Gallery’, wikipedia, 2027년
- 구글 Gemini 3 Flash 응답 내용 (2026.09.27 확인)
- OpenAI, <ChatGPT (GPT-5.3)>의 답변, 2026년 9월 27일 작성