35번째 전시실은 <로코코에서 혁명까지(Rococo to Revolution)>란 주제로 18세기 프랑스 회화 작품을 전시하고 있다. 8세기 파리는 유럽 미술의 중심지로, 전반기에는 밝은 색채와 곡선적 형태의 로코코 양식이 유행했습니다. 와토, 부셰, 프라고나르, 샤르댕 등이 사랑·신화·풍경·일상을 다채롭게 표현했다. 절제된 선과 엄격한 디자인의 신고전주의가 부상했으며, 1789년 프랑스 혁명은 정치와 예술 모두에 큰 전환점이 되었다.
프랑수아 부셰(François Boucher)의 <판과 시링크스 (Pan and Syrinx, 1759)>이다. 화면 전면의 뽀얗고 밝은 피부를 가진 님프들과, 갈대 숲 뒤에서 훔쳐보듯 다가오는 어둡고 야성적인 판의 인상적인 대조가 극적 긴장감을 더하고 있다. 로코코 미술 특유의 은밀한 에로티시즘과 화려한 색채 감각을 잘 보여주고 있다.
이 작고 관능적인 그림은 수집가의 집에서 개인적으로 감상하기 위해 제작되었습니다. 오비디우스의 시 《변신 이야기(Metamorphoses)》에 나오는 이야기를 그린 작품입니다. 숲의 님프 시링크스(Syrinx)는 신 판(Pan)을 피해 달아나다가, 자신의 모습을 다른 형태로 바꾸어 달라고 강의 님프에게 간청합니다. 부셰는 분홍빛 피부와 차가운 녹색 계열의 색조를 대비시켜 표현했습니다. 고전적인 이야기를 소재로 삼음으로써 에로틱한 주제에 지적인 분위기를 더했습니다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
18세기 프랑스 로코코 회화의 대가 장 앙투안 와토(Jean-Antoine Watteau)의 <사랑의 음계(La Gamme d’Amour)>이다. ‘페트 갈랑트(Fête galante, 우아한 축제)’라는 회화 장르의 완벽한 예시이다. 귀족이나 연극 배우들이 이상화된 야외 풍경에서 음악을 연주하거나 담소를 나누며 데이트를 즐기는 모습을 그리는 장르이다.
음악과 사랑은 오랫동안 회화에서 서로 연관되어 표현되어 왔습니다. 이 작품의 제목은 와토가 사망한 지 몇 년 후에 제작된 판화에서 유래했습니다. 제목은 음악의 음계나, 연애와 유혹이 진행되는 여러 단계를 가리키는 것일 수도 있습니다. 와토는 이처럼 친밀한 분위기의 작품으로 동시대 사람들에게 높은 평가를 받았습니다. 사람들은 그의 풍요로운 풍경과 화려한 색채, 빛을 발하는 듯한 직물 표현을 높이 평가했습니다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
피에르 쉬블레이라(Pierre Subleyras)의 <디아나와 엔디미온(Diana and Endymion, 1745)>이다. 그리스 신화 속 달의 여신과 영원한 잠에 빠진 목동의 서정적인 사랑을 담은 작품이다. 로마 신고전주의의 전조가 느껴지는 절제된 명암 대조와 묵직한 질감이 특징이다.
1728년 수블레라스(Subleyras)는 공부를 위해 로마에 도착했고, 이후 평생 로마에 머물렀습니다. 이 그림에서 인물의 누운 자세와 드러난 상체는 수블레라스가 로마에서 접한 고대 조각과 이탈리아 르네상스 회화에 대한 지식을 잘 보여줍니다. 이 작품은 오비디우스의 시 《사랑의 기술(The Art of Love)》에 나오는 장면을 묘사한 것으로, 여신 다이아나가 잠든 목동 엔디미온을 찾아가는 모습을 그리고 있습니다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
장오노레 프라고나르(Jean-Honoré Fragonard)의 <자매들에게 큐피드의 선물을 보여주는 프시케 (Psyche showing her Sisters her Gifts from Cupid, 1753)>이다. 프시케가 언니들을 궁전에 초대해 큐피드에게 받은 보석, 비단, 향로 등 호화로운 선물들을 자랑하는 순간을 표현하고 있다. 연분홍, 파스텔톤, 금색이 어우러진 화려한 색채와 함께 구름과 옷자락이 휘날리는 연극적이고 역동적인 화면 배치가 인상적이다.
프라고나르는 아직 학생이던 시절, 베르사유에서 루이 15세(1710~1774)에게 선물하기 위해 이 그림을 그렸습니다. 이 작품은 여신 프시케가 연인인 쿠피도에게서 받은 선물들을 자랑스럽게 보여주는 장면을 묘사합니다. 화면에는 호화로운 물건과 꽃, 보석이 가득합니다. 여기에서 프시케의 모습은 왕의 정부였던 퐁파두르 부인(1721~1764)에게서 영감을 받았을 가능성이 있습니다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
니콜라 랑크레(Nicolas Lancret)의 <정원에서 아이들과 커피를 마시는 여인(A Lady in a Garden having Coffee with Children, 1742)>이다. 아름답게 꾸며진 정원 속에서 귀족 여인이 자녀들과 함께 여유로운 시간을 보내고 있는 풍경을 그렸다. 커피는 프랑스 귀족층 사이에서 매우 사치스럽고 신선한 유행이었다. 테이블 위에 놓인 은제 커피포트와 도자기 잔 등 은은하게 빛나는 집기류의 질감 묘사가 매우 정교하다.
18세기 동안 커피와 설탕은 주로 영국과 프랑스의 식민지에서 생산되던 사치품이었습니다. 우아한 정원에서 커피를 즐기고 있는 이 가족은 좋은 옷을 입고 하인까지 거느리고 있어 분명 부유한 계층에 속했음을 알 수 있습니다. 아이들에게 커피를 즐기는 법을 가르치는 것도 중요하게 여겨졌으며, 커피는 아침이나 점심 식사 후에 마시는 음료로 권장되었습니다. 이 그림에서는 아침 또는 오전임을 빛이 들어오는 방향을 통해 암시하고 있습니다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
프랑수아 부셰(François Boucher)의 <물레방아가 있는 풍경(Landscape with a Watermill, 1755)>이다. 상류층이 열광하던 이상화된 가상의 시골 풍경을 극적으로 연출한 그림이다. 당시 프랑스 파리의 상류사회에서는 도심의 복잡함에서 벗어나 순수한 시골 삶을 동경하는 트렌드가 유행했으며, 이 작품은 그 시대적 유행을 잘 보여주고 있다.
이 이상화된 전원생활의 모습은 부셰의 회화에서 전형적으로 나타나는 장면입니다. 그림 같은 물레방아 옆에서 농민들이 물고기를 잡고, 물을 길으며, 빨래를 하고 있습니다. 이 장면은 고된 노동보다는 평온하고 한가로운 분위기를 보여줍니다. 이 작품은 부셰가 실제로 소묘를 남겼던 파리 서쪽의 한 물레방아를 바탕으로 했을 가능성이 있습니다. 그러나 은빛을 띠는 색조와 깃털처럼 섬세한 식물의 표현, 분홍빛으로 물든 빛은 실제 풍경을 그대로 옮긴 것이 아니라 부셰가 자신의 상상력을 더해 만들어낸 것임을 보여줍니다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
장시메옹 샤르댕(Jean-Siméon Chardin)의 <물통(The Water Cistern, 1733년 이후)>이다. 어둡고 고요한 주방 공간에서 하녀가 커다란 구리 물통(Cistern)에서 주전자나 물통으로 물을 받는 소박한 일상의 순간을 다루고 있다. 육중하고 반짝이는 구리 물통, 옆에 놓인 나무 바구니와 빗자루, 바닥의 냄비와 주머니 등 일상 용품들이 정물화처럼 세밀하게 배치되어 있다.
현대적인 상하수도 시설이 등장하기 전에는 하인들이 이와 같은 구리 물통(copper cistern)에서 물을 길어 사용했습니다. 이러한 가정생활의 장면은 17세기 네덜란드와 플랑드르 화가들이 자주 그렸으며, 샤르댕과 그의 동시대 화가들도 이들의 작품을 높이 평가했습니다. 그러나 샤르댕은 여기에서 한 걸음 더 나아가, 이 그림을 가정생활의 장면이면서 동시에 정물화로 만들었습니다. 냄비와 프라이팬, 한쪽에 놓인 고깃덩어리까지도 화면의 중심인물만큼 세심하게 묘사되어 있습니다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
클로드조제프 베르네(Claude-Joseph Vernet)의 <일몰 무렵의 풍경(A Landscape at Sunset, 1773)>이다. 베르네가 이탈리아 유학 시절 경험했던 나폴리만이나 지중해 해안의 요소들을 조화롭게 재구성한 이상화된 가상의 해안 풍경이다. 화면 왼쪽에는 고대 로마 신전을 연상시키는건물이, 오른편 정박지에는 웅장한 대형 범선이 배치되어 있어 대칭적이고 안정적인 구도를 형성하고 있다.
폴란드의 국왕 스타니스와프 2세 아우구스트(1732~1798)는 1772년 이 작품과 옆에 전시된 《폭풍우 치는 바다의 난파선(A Shipwreck in Stormy Seas)》, 즉 《폭풍(Tempête)》을 주문했습니다. 그러나 왕이 대금 지급을 늦추자, 베르네는 이 두 작품을 논란의 중심에 있었던 동인도회사 관리이자 초대 벵골 총독이었던 클라이브 경(1725~1774)에게 대신 판매했습니다. 원래 《고요(Calm)》라는 제목으로 불렸던 이 작품은 두 그림 가운데 먼저 제작되었습니다. 그림에는 상상으로 만들어낸 항구가 묘사되어 있으며, 고요한 여름 저녁, 어부들이 잡은 물고기를 싣고 돌아오고 있습니다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
클로드 조셉 베르네(Claude-Joseph Vernet)의 <폭풍우 치는 바다의 난파선(A Shipwreck in Stormy Seas, 1773)>이다. 먹구름 사이로 비치는 노을빛, 먹구름을 가르는 번개, 그리고 번뜩이는 파도 거품의 명암 대비가 긴장감을 더해주고 있다. 바위에 부딪혀 난파되는 선박뿐만 아니라, 해안가로 밀려온 생존자들과 생사를 다투는 이들의 절박한 모습이 섬세하게 묘사되어 있다.
짝을 이루는 작품으로 가까이에 전시된 〈평온(Calme)〉의 고요한 분위기와 대조적으로, 이 그림은 격렬한 폭풍을 묘사하고 있다. 거대한 파도에 두 척의 배가 심하게 흔들리고 있으며, 세 번째 배는 바위에 부딪혀 산산이 부서져 있다. 일부 생존자들은 배에서 건진 물품을 해안으로 옮기고 있다. 또 다른 사람들은 한 여성의 시신을 붙잡고 절망에 빠져 있다. 이처럼 서로 대조되는 두 작품을 한 쌍으로 구성하는 방식은 18세기에 유행했으며, 이는 자연계의 아름다움과 위력에 대한 당시의 인식을 반영한 것이다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
프랑스 신고전주의 미술의 거장 자크루이 다비드(Jacques-Louis David)의 <야코부스 블라우의 초상 (Portrait of Jacobus Blauw)>이다. 혁명기 유럽의 정치적 연대와 새로운 공화국 시민의 인물상을 담아낸 대표적인 초상화이다. 책상에 앉아 깃펜을 들고 외교 문서를 작성하다가 잠시 고개를 돌려 관객을 바라보는 듯한 찰나의 순간을 매우 자연스럽고 인밀하게 담아냈다.
1795년 네덜란드의 애국파 인사 야코뷔스 블라우(Jacobus Blauw, 1756~1829)는 평화 협상인 헤이그 조약(Treaty of The Hague)을 체결하기 위해 파리로 갔다. 그곳에서 그는 프랑스 혁명의 이상에 대한 강한 신념을 공유했던 다비드(David)에게 이 초상화를 의뢰했다. 그의 정치적 신념에 걸맞게, 이 그림에서 블라우는 수수한 정장과 가발을 쓰지 않은 모습으로 표현되어 있다. 이는 우아하면서도 화려함을 과시하지 않는 그의 모습을 보여준다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
장 시메옹 샤르댕(Jean-Siméon Chardin)의 <카드탑(The House of Cards, 1740~1)>이다. 소년이 카드를 세우며 집을 짓는 한순간을 포착했다. 소년의 진지한 표정과 조용한 몰입의 순간을 단정하고 온화하게 표현했다. 테이블의 직각 구조와 소년의 상체가 이루는 삼각형 구도는 관객에게 깊은 시각적 안정감을 주고 있다.
장-알렉상드르 르 누아르(Jean-Alexandre Le Noir)가 테이블 앞에 서서 집중하여 카드로 집을 쌓고 있다. 그의 아버지는 가구상이자 가구 제작자였으며, 샤르댕(Chardin)의 절친한 친구였다. 카드로 집을 쌓는 아이라는 소재는 18세기에 유행했다. 카드는 인간의 노력이 얼마나 덧없고 불안정한지를 상징한다. 소년이 조용히 놀이에 몰두하는 모습은 온화하고 사랑스러운 느낌을 자아낸다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
프랑수아위베르 드루에(François-Hubert Drouais)의 <보드뢰이 백작의 초상(The Comte de Vaudreuil, 1758)>이다. 18세기 프랑스 루이 15세 치하 왕실과 귀족층의 화려하고 우아한 일상을 담아낸 로코코 양식의 대표적인 초상화이다. 지도와 건축 도면, 측량 도구 등은 인물의 부와 권력, 그리고 계몽주의 시대 귀족들이 가졌던 학문적·실용적 관심사를 잘 보여주고 있다.
18세의 보드뢰유 백작(Comte de Vaudreuil, 1740~1817)이 지도에 표시된 생도맹그(Saint-Domingue, 오늘날의 아이티)를 가리키고 있다. 그의 아버지는 당시 프랑스의 식민지였던 이 섬의 총독이었다. 백작의 상당한 수입은 플랜테이션에서 노예 노동력을 착취하여 얻은 것이었다. 그는 이 돈으로 군사 관직을 매입하고, 당시 가장 열성적인 미술품 수집가 가운데 한 사람이 되었다. 그는 니콜라 푸생(Nicolas Poussin, 1594~1665)과 엘리자베트 비제 르 브룅(Élisabeth Vigée-Lebrun, 1755~1842)의 작품을 소장했으며, 프랑스 혁명 때 프랑스를 떠났다. 이후 아이티는 1804년 세계 최초의 흑인 자유 공화국이 되었다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
장 시메옹 샤르댕(Jean-Siméon Chardin)의 <어린 여교사(The Young Schoolmistress, 1735)>이다. 조금 더 나이가 많은 소녀가 어린아이에게 글자를 가르치는 모습을 그리고 있다. 소녀의 상체에서 시작하여 어린아이와 서랍장 책상으로 이어지는 구도는 관객의 시선을 두 인물의 교감 현장으로 자연스럽게 모아주고 있다.
여기서 샤르댕(Chardin)은 두 아이가 함께하는 평온한 순간을 묘사하고 있다. 어린아이가 나이가 더 많은 소녀에게 배우고 있는데, 아마도 언니일 가능성이 있다. 그림의 제목과는 달리, 이것은 학교에서 이루어지는 수업이 아니라 아마 집에서 진행되는 개인적인 공부를 보여준다. 18세기에는 교육이 더 이상 귀족 계층에만 국한되지 않았다. 이러한 다정하고 온화한 가르침의 모습은 파리의 중산층 사람들에게 호소력 있게 다가갔을 것이다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
장바티스트 페로노(Jean-Baptiste Perronneau)의 <자크 카조트의 초상(Jacques Cazotte, 1753)>이다. 카조트가 입고 있는 장미빛 벨벳 코트의 부드러운 광택과 가슴 및 소매 부분의 섬세한 흰 레이스가 인물의 우아함을 극대화하고 있다. 정면을 직접 바라보기보다 약간 비스듬히 시선을 두고 미소를 띠고 있는 모습은 인물의 지적인 매력과 친근함을 동시에 전하고 있다.
자크 카조트(Jacques Cazotte, 1719~1792)는 작가이자 식민지 행정관, 고급 포도주 제조자, 아마추어 화가이며 옛 거장들의 회화를 수집한 미술품 수집가였다. 여기에서 그는 모자를 팔 아래에 끼고 눈에 장난기 어린 빛을 띤 채, 편안하고 즐거운 모습으로 묘사되어 있다. 그러나 그의 삶은 프랑스 혁명으로 인해 비극적으로 끝났다. 그는 1792년 반혁명 혐의로 체포되었으며, 이후 단두대에서 처형되었다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
엘리자베스 루이즈 비제 르 브룅(Élisabeth Louise Vigée Le Brun)의 <알렉상드린 에밀리 브롱니아르의 초상(Alexandrine-Émilie Brongniart, 1788 or 1789)>이다. 스카프를 머리에 두르고 녹색 스커트 수놓기에 열중하는 듯한 소박하고 찰나적인 일상의 순간을 담아냈다. 소녀의 곱슬머리와 장미빛 뺨, 부드러운 피부 톤, 그리고 빛이 반사되는 천의 질감을 완벽하게 구현한 비제 르 브룅의 기술적 완성도를 볼 수 있다.
비제 르 브룅(Vigée Le Brun)은 브롱니아르(Brongniart) 가문과 매우 가까운 사이였다. 그녀의 딸 줄리(Julie)는 에밀리(Emilie)보다 7개월 많았으며, 두 아이는 자주 함께 놀았다. 18세기에는 아이들을 감상적이고 사랑스럽게 묘사한 초상화가 매우 유행했다. 그러나 비제 르 브룅은 여기에서 밝은 눈빛과 활기찬 자세를 지닌 생동감 있고 독립적인 소녀의 모습을 표현하고 있다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
로코코에서 혁명으로: 1700~1800년의 프랑스 회화
18세기 파리는 유럽 미술 시장의 중심지이자 화가들이 활발하게 활동하던 도시였습니다. 1700년대 전반기는 밝고 화사한 색채와 곡선적 형태가 특징인 기발하고 장식적인 ‘로코코(Rococo)’ 양식이 지배했습니다. 장앙투안 와토(Jean-Antoine Watteau)는 안타깝게 요절하기 전, 사랑과 휴식을 주제로 한 아름다운 풍경화인 ‘페트 갈랑트(fêtes galantes, 우아한 연회)’로 관람객들을 사로잡았습니다. 프랑수아 부셰(François Boucher)는 목가적 풍경과 신화 속 장면의 거장이었으며, 시골 목녀와 빛나는 여신을 모두 능숙하게 그려냈습니다. 초기에는 웅장하고 진지한 역사화의 라이징 스타로 여겨졌던 장오노레 프라고나르(Jean-Honoré Fragonard)는 대신 개인 후원자들을 위해 친밀하고 때로는 에로틱한 장면들을 그리기로 결정하여 미술계에 충격을 주었습니다. 한 비평가로부터 ‘위대한 마술사’라 불린 장시메옹 샤르댕(Jean-Siméon Chardin)은 빛나는 정물화와 조용하면서도 오묘한 일상의 모습으로 당대 사람들을 놀라게 했습니다. 1770년대에 이르자 취향은 보다 엄격한 ‘신고전주의(Neoclassical)’ 양식으로 바뀌었습니다. 의복과 회화 모두 경박함에서 벗어나 더 명확한 선과 절제된 디자인으로 이동했습니다. 1789년에 시작되어 프랑스 왕정의 몰락을 가져온 프랑스 혁명은 정치뿐만 아니라 예술에서도 명확한 전환점이 되었습니다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
<출처>
- 안내문, The National Gallery, 2026년
- The National Gallery, London 공식 홈페이지 (https://www.nationalgallery.org.uk/), 2026.9.28. 검색
- ‘National Gallery’, wikipedia, 2027년
- 구글 Gemini 3 Flash 응답 내용 (2026.09.28 확인)
- OpenAI, <ChatGPT (GPT-5.3)>의 답변, 2026년 9월 28일 작성