34번째 전시실은 <독자적인 양식(A Distinct Style)>란 주제로 18세기 영국 회화 작품을 전시하고 있다. 미술관 내에서도 가장 길고 웅장한 갤러리로 영국 미술 황금기 작품의 경향을 살펴볼 수 있다. 19세기 영국 낭만주의 풍경화를 이끈 J.M.W. 터너(J.M.W. Turner)와 존 콘스터블(John Constable)의 작품들과 18세기 영국 상류층을 사로잡았던 초상화 등이 대표적이다. 조슈아 레이놀즈 경(Sir Joshua Reynolds), 토머스 게인즈버러(Thomas Gainsborough), 토머스 로렌스 경(Sir Thomas Lawrence)은 역사화의 웅장함을 영국초상화에 접목했다.
토머스 게인즈버러(Thomas Gainsborough)의 <랄프 숌버그 박사 (Dr Ralph Schomberg, 1770)>는 전신 초상화의 거침없는 필치와 풍경 묘사가 잘 드러난 작품이다. 인물 배경으로 어두워지는 하늘과 숲이 우거진 언덕을 극적으로 연출하고있다.
1759년 게인즈버러는 당시 유행하던 온천 휴양도시 바스로 이주하여 매우 성공적인 초상화 화가로서 활동 기반을 다졌다. 그곳에서 그는 의사 랠프 솜버그 박사(1714~1792)의 초상화를 그렸는데, 이는 아마도 의료 치료비 대신 받은 대가였을 것으로 추정된다. 솜버그 박사는 귀족이라기보다 전문직 종사자로 묘사되어 있다. 배경에 보이는 거칠면서도 인공적인 풍경은 이 시기 게인즈버러의 전신 초상화에서 전형적으로 나타나는 특징이다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
토머스 게인즈버러(Thomas Gainsborough)의 <화가와 그의 아내, 딸의 초상(Portrait of the Artist with his Wife and Daughter, 1748)>이다. 게인즈버러가 남긴 유일한 가족 자화상이다. 18세기 영국에서 유행하던 ‘대화화(가족이나 친구들이 야외/실내에서 자연스럽게 어우러진 소형 그림)’ 양식을 잘 보여주고 있다.
이 작품은 화가가 아내와 첫째 딸 메리와 함께 그린 유일한 자화상이다. 메리는 1748년에 세상을 떠났다. 화가는 다리를 꼬고 앉아 있으며, 조끼의 단추 하나를 풀어놓아 자신의 외모에 대한 허영심이 없음을 나타내는 듯하다. 그는 한 장의 종이를 들고 있는데, 아마도 원래는 그림을 그리는 모습을 표현하기 위한 것이었을 것이다. 아내 마거릿의 손 부분은 미완성으로 남아 있다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
토머스 게인즈버러의 <에드워드 리처드 가디너의 초상(Portrait of Edward Richard Gardiner, 1760~1768)>이다. 상업적 의뢰작이 아닌 친척을 위해 개인적으로 그린 초상화였기 때문에, 격식에서 벗어난 한층 자연스럽고 친밀한 시선이 느껴진다. 푸른빛이 도는 의상과 흰 칼라의 주름은 세밀하게 정돈되기보다 신속한 필치로 과감하게 표현되었다.
에드워드 가디너는 게인즈버러의 조카로, 화가의 화실에서 시간을 보냈던 것으로 기록되어 있다. 그는 게인즈버러의 작품 《블루 보이(The Blue Boy)》(캘리포니아 헌팅턴 컬렉션)의 모델이 입은 것과 같은 연한 청색 의상을 입고 있는 것으로 보인다. 이러한 역사적 의상의 사용은 게인즈버러가 존경했던 플랑드르 초상화가 안토니 반 다이크(1599~1641)의 영향을 보여준다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
토머스 게인즈버러의 <피트민스터의 소년(The Pitminster Boy, 1768~1769)>이다. 공식적인 주문 초상화가 아닌 개인적인 습작으로, 특정 인물의 정형화된 신분 묘사보다는 인물의 생생한 표정과 캐릭터를 탐구하는 네덜란드 전통의 ‘트로니(Tronie)’ 기법을 따르고 있다. 순간의 빛과 표정을 포착하는 데 집중한 이 유채 스케치는, 게인즈버러 특유의 자유롭고 경쾌한 붓놀림을 가장 솔직하게 관찰할 수 있는 작품이다.
이 초상화는 게인즈버러가 시골에서 스케치를 할 때 미술 재료를 운반해 주었던 화실 조수를 그린 것이다. 작품이 미완성으로 남아 있다는 점은 화가가 인물의 자세와 표정을 자유롭게 실험하고 있었음을 보여준다. 이 그림은 네덜란드의 ‘트로니(tronie)’ 전통을 따르고 있다. 트로니는 특정 인물의 초상화를 그리기보다는 인물의 성격이나 특징을 탐구하기 위해 한 인물을 묘사하는 회화 형식이다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
토머스 게인즈버러의 <나비를 잡으려는 화가의 딸들(The Painter’s Daughters chasing a Butterfly, 1756)>이다. 딸들을 관찰하며 자유롭게 그린 개인적 습작이었기 때문에, 화가의 독창적인 붓놀림을 온전히 느낄 수 있다. 두 아이의 얼굴과 표정은 정교하게 표현된 반면, 아이들의 옷자락이나 발치, 주변 어두운 배경 나무 등은 거칠고 속도감 있는 붓터치로 남겨져 있다. 18세기 아동 초상화의 딱딱함에서 벗어나 어린이 고유의 순수함과 즉흥적인 움직임을 포착해 낸 화풍의 전환점이 된 명작이다.
이 작품은 화가가 자신의 자녀들을 그린 초상화 가운데 가장 잘 알려진 작품이다. 다섯 살의 마거릿과 여섯 살의 메리, 두 어린 자매가 손을 잡고 배추흰나비를 쫓아가는 모습을 묘사하고 있다. 게인즈버러는 1756년부터 1770년 사이에 두 딸을 함께 그린 이중 초상화를 적어도 여섯 점 제작했다. 이 작품은 그의 경력 초기, 가족이 입스위치에 살고 있던 시기에 그려진 것으로 여겨진다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
토머스 게인즈버러의 <고양이와 함께 있는 화가의 딸들(The Painter’s Daughters with a Cat, 1760~1761)>이다. 게인즈버러가 딸들의 성장을 기록하기 위해 개인적으로 그린 미완성작이다. 두 아이의 생동감 넘치는 표정과 얼굴 윤곽은 세밀하게 묘사된 반면, 드레스와 배경은 거친 유채 붓터치와 바탕 캔버스 결이 그대로 드러나 있다.
이 작품은 화가가 두 딸을 함께 그린 이중 초상화 가운데 적어도 여섯 점 중 하나이다. 이 그림에서 마거릿은 언니 메리의 어깨에 머리를 기대고 있으며, 메리는 다시 동생의 머리에 뺨을 살며시 기대고 있다. 서로 다정하게 기대고 있는 자매의 모습은 두 사람의 품에서 몸부림치는 고양이의 윤곽으로 인해 한층 생동감 있게 표현된다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
토머스 게인즈버러의 <테오르보를 들고 있는 마거릿 게인즈버러(Margaret Gainsborough holding a Theorbo, 1777)>이다. 화가는 가족이나 친한 지인을 그릴 때 훨씬 더 자유롭고 친밀한 감정을 표현했다. 이 작품은 그의 큰 열정이었던 음악과 가족에 대한 사랑을 잘 보여주고 있다. 얼굴과 스카프 등은 섬세하게 표현된 반면, 테오르보의 몸통과 의상은 빠른 붓질로 거칠게 마감되었다.
이 미완성 초상화는 화가의 막내딸 마거릿(Margaret)을 그린 것으로, 근처에 걸려 있는 언니 메리(Mary)의 초상화와 거의 같은 시기에 제작되었습니다. 마거릿은 류트 계열의 악기인 테오르보(theorbo)를 연주하고 있으며, 느슨하고 자유로운 붓질은 그녀의 손이 움직이고 있는 듯한 인상을 줍니다. 게인즈버러 가족은 음악 연주를 매우 좋아했던 것으로 알려져 있습니다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
토머스 게인즈버러의 <화가의 딸 메리 게인즈버러(The Artist’s Daughter, Mary, 1777)>이다. 자신의 첫째 딸 메리(Mary Gainsborough)를 그린 초상화이다. 드레스의 투명한 레이스, 모자의 깃털, 질감이 살아있는 의상은 짧고 경쾌한 붓질로 생동감 있게 처리되었다. 반면 얼굴 부분은 피부의 미세한 홍조와 또렷한 눈망울을 드러내도록 섬세하게 완성했다.
이 초상화는 게인즈버러의 큰딸 메리(Mary)를 그린 것으로, 근처에 걸려 있는 막내딸 마거릿(Margaret)의 초상화와 거의 같은 시기에 제작되었습니다. 이 두 작품은 19세기 내내 게인즈버러 가문에서 소장되었습니다. 게인즈버러는 위대한 화가들의 작품을 연구하고 이를 본받아 자신의 작품에 적용하는 데 관심이 많았습니다. 이 그림은 페터 파울 루벤스(Peter Paul Rubens, 1577~1640)가 자신의 아내를 그린 초상화와 관련이 있습니다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
토머스 게인즈버러(Thomas Gainsborough, 1727~1788)는 서퍽주 서드베리(Sudbury)에서 성장했습니다. 그는 18세기 후반의 대표적인 초상화가이자 왕립미술원(Royal Academy)의 창립 회원이었습니다. 게인즈버러가 가장 열정을 쏟은 분야는 풍경화였지만, 주요 수입원은 초상화였습니다. 그는 평생 동안 아내 마거릿(Margaret)을 비롯한 가족들을 그렸으며, 특히 두 딸의 모습을 많이 남겼습니다. 이러한 친밀한 성격의 작품들 가운데 상당수는 미완성으로 남아 있는데, 게인즈버러가 주로 크기와 구도, 화풍 및 기법을 실험하기 위해 그렸기 때문입니다. 게인즈버러는 다양한 예술적 영향에 관심을 보였습니다. 특히 초상화가 앤서니 반 다이크(Anthony Van Dyck, 1599~1641)를 크게 존경했으며, 그의 작품에는 반 다이크의 의상 표현, 자유로운 붓질, 마무리 방식이 자주 반영되어 있습니다. 내셔널 갤러리 소장품에는 다른 어떤 영국 화가보다도 많은 게인즈버러의 작품이 소장되어 있습니다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
토머스 게인즈버러의 <시던스 부인의 초상(Mrs Siddons, 1785)>이다. 18세기 영국 연극계를 지배했던 배우 사라 시던스(Sarah Siddons, 1755–1831)를 그린 작품이다. 얼굴을 완벽한 측면으로 배치하여 그녀의 특징적인 이목구비와 품격을 극대화했다. 드레스의 실크 질감, 모자의 타조 깃털, 숄의 드레이프, 모피의 부드러움 등 서로 다른 재질감들이 빠르게 스치듯 그려진 게인즈버러 특유의 경쾌한 붓터치를 통해 생생하게 살아나고 있다.
모델이 된 세라 시던스(Sarah Siddons, 1755~1831)는 당대 최고의 비극 배우였습니다. 이 작품에서는 그녀가 1784~1785년 겨울, 큰 호평을 받으며 맥베스 부인(Lady Macbeth) 역을 연기하던 시기의 모습을 보여줍니다. 시던스는 흔히 무대 의상을 입은 모습으로 묘사되었지만, 이 초상화에서는 당시 유행하던 현대적인 복장을 입고 있습니다. 그녀는 푸른색 줄무늬 ‘랩핑 가운(wrapping-gown)’, 노란색 망토, 그리고 여우털 머프를 착용하고 있습니다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
안토니 반 다이크(Anthony van Dyck)의 <덴비 백작 1세 윌리엄 필딩(William Feilding, 1st Earl of Denbigh, 1633~4)>이다. 영국 국왕 찰스 1세의 궁정 화가였던 반 다이크가 그린 매우 독특하고 이국적인 분위기의 전신 초상화이다. 동양의 의복 문화와 유럽 귀족의 사냥 문화가 결합된 드문 조합으로, 당시 17세기 영국 귀족층에서 부상하던 ‘이국적 탐험가’로서의 정체성을 보여주고 있다.
이 그림이 제작될 당시 윌리엄 필딩(William Feilding, 약 1582~1643)은 덴비 백작(Earl of Denbigh)이자 제임스 1세(1566~1625)의 왕실 의상 관리관(Master of the Great Wardrobe)이었습니다. 최근 인도 항해를 마치고 돌아온 백작은 당시 인도와 유럽의 유행이 혼합된 복장을 하고 있는 모습으로 그려졌습니다. 오른쪽에 있는 인도인 소년은 필딩의 저택에 속해 있던 하인으로, 잭(Jack)이라는 이름으로 알려져 있었습니다. 그림 속 배경은 실제 장소가 아니라 화가가 상상하여 만들어낸 장면일 가능성이 높습니다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
반 다이크가 영국 초상화에 미친 영향
플랑드르 출신 화가 앤서니 반 다이크(Anthony van Dyck, 1599~1641)는 1632년 영국 궁정에 정착하면서 영국 초상화에 혁신을 가져왔습니다. 그의 유려하고 자유로운 화풍은 튜더 시대와 제임스 1세 시대 초상화의 경직되고 형식적인 표현을 대신했으며, 이후 18세기와 19세기 초의 초상화가들에게 계승되었습니다. 조슈아 레이놀즈(Joshua Reynolds, 1723~1792), 토머스 게인즈버러(Thomas Gainsborough, 1727~1788), 토머스 로렌스(Thomas Lawrence, 1769~1830)와 같은 영국의 대표적인 화가들은 초상화를 하나의 장르로서 그 위상을 높이고자 했습니다. 초상화의 주인공들은 종종 실물 크기의 전신상으로 묘사되어 신분과 위엄을 드러냈습니다. 한편 어떤 인물들은 풍부한 표정과 감정 표현을 통해 관람자와 강한 유대감을 형성하도록 그려졌습니다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
토머스 게인즈버러의 <마켓 카트(The Market Cart, 1786)>이다. 작가의 생애 마지막 시기에 그려진 대표적인 대형 풍경화이다. 수레에 농산물과 아이들을 태우고 시장으로 향하는 시골 가족의 모습을 담고 있다. 스튜디오 안에서 기억과 상상력을 더해 이상적인 전원 유토피아 형태로 구성한 화면이다.
이 전원 풍경은 한 소녀와 세 명의 어린아이들이 시장으로 가는 모습을 묘사하고 있습니다. 이들이 끄는 수레에는 팔기 위한 채소가 가득 실려 있습니다. 오른쪽에서는 한 소년이 땔감으로 쓸 나뭇가지를 모으고 있습니다. 왼쪽 아래에는 지친 두 여행객과 그들의 개가 길가에 쉬고 있습니다. 게인즈버러가 세상을 떠나기 약 18개월 전에 그려진 작품으로, 화가는 이 그림을 통해 자신이 어린 시절을 보냈던 서퍽의 풍경과 추억을 애정 어린 마음으로 떠올리고 있는 것인지도 모릅니다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
헨리 레이번 경(Sir Henry Raeburn)의 <궁수들 (The Archers, 1789-90)>이다. 18세기 말 스코틀랜드 계몽주의 시대의 미학을 극적으로 보여주는 2인 초상화이다. 넓고 단호한 붓터치(Broad handling of paint)와 어두운 배경 처리가 두 인물 사이의 고요하면서도 신비로운 분위기를 극대화하고 있다.
이 인상적인 구도의 작품은 18세기에 귀족들 사이에서 양궁이 유행하는 스포츠로 다시 부활한 것에서 영감을 받아 제작되었습니다. 왼쪽의 레이스의 로버트 퍼거슨(Robert Ferguson of Raith, 1770~1840)과 오른쪽의 로널드 퍼거슨 중장(Sir Ronald Ferguson, 1773~1841)은 형제로, 스코틀랜드 화가 레이번(Raeburn)이 이들이 10대 후반이었을 때 그렸습니다. 화가의 화풍은 빛과 어둠의 강렬한 대비가 특징이며, 이를 통해 친밀하고 사적인 분위기를 만들어내고 있습니다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
조슈아 레이놀즈 경(Sir Joshua Reynolds)의 <알버말 백작부인 앤(Anne, 2nd Countess Albemarle, 1760)>이다. 노년기에 접어든 귀족 여성의 모습을 과장되게 미화하기보다 지적이고 위엄 있는 실제 모습을 사실감 있게 표현하고 있다. 인물의 내면적 인품과 나이 듦의 존엄함을 뛰어난 기술로 포착해낸 작품으로 평가받고 있다.
백작부인은 실을 매듭지어 장식물을 만드는 ‘노팅(knotting)’이라는 취미에 몰두하고 있다. 이렇게 만든 매듭 장식은 다른 물건에 꿰매어 장식으로 사용했다. 그녀는 캐롤라인 왕비(1705~1737)의 침실 시녀(Lady of the Bedchamber)였으며, 조지 2세(1683~1760)의 총애를 받던 인물이었다. 건장한 체격의 여성이었던 그녀는 1786년까지 자신의 자녀들을 모두 먼저 떠나보냈으며, 1789년 86세의 나이로 세상을 떠났다. 그녀의 얼굴이 유난히 창백하게 보이는 것은 레이놀즈가 사용한 붉은 안료가 퇴색했기 때문이다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
조셉 말로드 윌리엄 터너(Joseph Mallord William Turner)의 <칼레 부두(Calais Pier, (1803)>이다. 거센 풍랑 속에서 위험하게 흔들리며 입항하려는 영국 정기 여객선과 프랑스 어선들이 표현되어 있다. 먹구름 사이로 뚫고 나오는 푸른 하늘과 빛은 조화로운 대비를 이루고 있다. 터너 특유의 대각선 구도는 거친 파도의 격동적인 움직임을 시각적으로 증폭시킨다.
사람들로 붐비는 페리선, 즉 ‘패킷(packet)’이 영국 해협을 건너 프랑스 칼레 항구로 접근하고 있다. 배는 거의 프랑스 어선과 충돌할 듯 아슬아슬하게 지나가고 있다. 터너는 1802년에 처음으로 해외여행을 떠났으며, 이 작품은 그가 칼레 부두에 폭풍우 속에서 상륙했던 경험을 바탕으로 그린 것이다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
조슈아 레이놀즈 경(Sir Joshua Reynolds)의 <로버트 오름 대위(Captain Robert Orme, 1756)>이다. 레이놀즈는 이탈리아 유학 시기에 접한 고전 조각과 미켈란젤로, 라파엘로 등 거장들의 구도를 초상화에 접목했다. 전투 상황과 말의 불안해하는 움직임과 달리, 대위의 표정은 매우 냉정하고 단호하다. 위기 속에서도 생존하고 임무를 완수한 영국 군인의 침착함과 용기를 부각하고 있다. 레이놀즈가 영국 왕립미술원(Royal Academy)의 초대 원장으로 추대되는 기틀을 마련해 준 작품이다.
레이놀즈는 오름 대위(Captain Orme, 1725~1790)가 31세였던 시기에 이 초상화를 그렸다. 당시 그는 북아메리카의 식민지 지배권을 둘러싸고 프랑스와 전쟁을 벌이던 시기에 있었다. 오름은 1650년에 창설된 영국 보병연대인 콜드스트림 근위대(Coldstream Guards)의 군복을 입고 있다. 그는 손에 편지를 들고 자신의 말 곁에 서 있는데, 마치 전투 소식을 전하는 보고서를 가지고 곧 말에 올라타 달려갈 듯한 모습으로 묘사되어 있다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
리차드 윌슨(Richard Wilson)의 <디강 위 홀트 다리(Holt Bridge on the River Dee, before 1762)>이다. 17세기 이탈리아 고전 풍경화가들의 영향을 받아 화면 전체에 황금빛의 따뜻하고 부드러운 빛을 채워 넣었다. 다리 위의 행인들, 강가에서 한가롭게 시간을 보내거나 일을 하는 주민들의 모습이 잔잔하게 묘사되어 시골의 평화로운 일상 감성을 전해주고 있다.
이 작품과 《디 강의 계곡(The Valley of the Dee)》은 윌슨이 1756~1757년에 이탈리아에서 돌아온 후 몇 년이 지나 제작되었다. 두 작품에는 이탈리아풍 풍경화(Italianate landscape painting)의 영향이 잘 나타나 있다. 이 그림은 디 강(River Dee)의 풍경을 보여준다. 디 강은 웨일스와 잉글랜드의 경계를 이룬다. 화면 앞쪽에 모여 있는 사람들은 한가롭게 휴식을 취하고 있다. 젊은 남자는 플루트를 연주하고 있으며, 한 여인은 햇빛을 가리기 위해 손으로 눈을 가리고 있다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
토머스 게인즈버러의 <코너드 숲, 서퍽주 서드베리 근처(Cornard Wood, near Sudbury, Suffolk, 1748)>이다. 작가가 어릴 적부터 익숙하게 보고 자란 실제 풍경을 바탕으로 하여 지역 풍경화에 대한 깊은 애착과 사실적인 관찰력이 돋보인다. 17세기 네덜란드 풍경화가들의 영향을 깊게 받았다. 이 작품은 훗날 존 콘스터블(John Constable)로 이어지는 영국 독자적 풍경화 전통의 출발점으로 평가받고 있다.
이 작품은 내셔널 갤러리 소장품 가운데 게인즈버러가 그린 가장 이른 시기의 풍경화이다. 코나드 숲(Cornard Wood)은 화가가 태어난 곳인 서퍽주 서드베리(Sudbury) 인근에 있다. 게인즈버러는 17세기 네덜란드 화가들의 풍경화를 연구하고 모사하면서 독학으로 소묘와 회화를 익혔다. 그가 네덜란드 화풍으로 그린 서퍽의 풍경화는 실제로 알아볼 수 있는 특정 장소를 묘사한 그림을 선호했던 구매자들에게 좋은 반응을 얻었다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
조지 스터브스(George Stubbs)의 <휘슬재킷 (Whistlejacket, 1762)>이다. 말을 주인공으로 그린 초상화 중 가장 유명한 작품으로 손꼽힌다. 뒷다리로 서서 앞다리를 들고 있는 마장마술 자세를 취하고 있으며, 피부 밑으로 솟구친 근육과 힘줄, 혈관 하나하나까지 정교하게 묘사되어 있다.
이 작품은 18세기 영국에서 가장 중요하고 잘 알려진 회화 가운데 하나로, 일반적으로 스텁스의 걸작으로 평가된다. 은퇴한 경주마인 휘슬재킷(Whistlejacket)은 제2대 록킹엄 후작의 종마로, 번식을 위해 길러졌다. 스텁스는 이 말을 군상 초상화나 역사화에 더 일반적으로 사용되는 큰 규모로 그렸다. 휘슬재킷은 마장마술의 동작인 ‘레바드(levade)’ 자세, 즉 뒷다리로 몸을 지탱하며 앞다리를 들어 올린 자세를 취하고 있다. 이러한 자세는 영웅적인 기마 초상화에서도 자주 등장한다. 록킹엄 후작의 요청에 따라 휘슬재킷을 아무것도 없는 배경에 홀로 그려, 말이 지닌 타고난 위엄과 힘에 시선이 집중되도록 했다는 견해가 있다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
리차드 윌슨(Richard Wilson)의 <멀리 체스터가 보이는 디 계곡(The Valley of the Dee, with Chester in the Distance, about 1761)>이다. 어두운 전경으로 화면의 양끝 프레임을 잡고 중앙으로 시선이 깊숙이 빠져들게 하는 파노라마적 구도를 사용했다. 황금빛을 띠는 대기 표현을 디 계곡의 시골 풍경에 접목했다. 부드러운 햇살과 잔잔하게 퍼지는 안개가 계곡 전체를 감싸며 서정적이고 한가로운 분위기를 연출하고 있다.
이 풍경화와 짝을 이루는 작품 《디 강의 홀트 다리(Holt Bridge on the River Dee)》는 잉글랜드(오른쪽)와 웨일스(왼쪽) 사이에 펼쳐진 계곡을 묘사하고 있다. 멀리 보이는 곳은 체스터(Chester)의 모습으로, 세인트 존 교회(St John’s Church)와 체스터 대성당(Chester Cathedral)의 두 탑이 보인다. 그 너머에 펼쳐진 언덕들은 아마도 랭커셔(Lancashire) 지역에 있는 것으로 보인다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
데이비드 윌키 경(Sir David Wilkie)이 그린 <워털루 승전보를 읽는 첼시 연금병들(Chelsea Pensioners reading the Waterloo Dispatch, 1822)>이다. 런던 첼시의 주점 앞 거리에서 퇴역 군인들과 주민들이 승전 공문을 전해 듣고 환호하는 순간을 포착하고 있다. 대중적으로 폭발적인 인기를 끌었던 작품이다.
이 걸작은 윌키가 전성기에 제작한 작품이다. 그는 17세기 네덜란드와 플랑드르 회화의 영향을 당시 유행하던 풍속화에 대한 수요와 결합하여, 워털루 전투(1815)의 승리를 기념하는 그림을 완성했다. 이 작품은 1822년 왕립미술원(Royal Academy)에서 공개되었을 때 큰 반향을 일으켰으며, 무엇이 ‘역사화(history painting)’를 구성하는지에 대한 기존의 개념을 새롭게 정의하는 데 기여했다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
토마스 게인즈버러의 <윌리엄 핼릿 부부의 초상(Mr and Mrs William Hallett ), 아침 산책(‘The Morning Walk’, 1785)>이다. 인물을 정형화된 실내 스튜디오에 배치하는 대신, 시원하게 트인 자연 풍경 속에 자연스럽게 우려내었다. 부드럽고 차분한 흑백, 은색, 녹색, 패브릭의 회색조가 주를 이루어 로코코풍의 도회적이면서도 기품 있는 분위기를 자아내고 있다. 1987년 한 관람객이 정신 이상 증세로 칼로 찢는 훼손 사건(Vandalism)을 겪었던 작품이다.
게인즈버러는 윌리엄 핼릿(William Hallett)과 엘리자베스 스티븐(Elizabeth Stephen)이 결혼하기 직전에 이 낭만적인 초상화를 그렸다. 엘리자베스의 비단 드레스, 포메라니안의 흰 털, 그리고 나뭇잎은 화가가 생애 말년에 사용했던 가볍고 깃털처럼 섬세한 붓질로 표현되어 있다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
조슈아 레이놀즈 경의 <콕번 부인과 그녀의 세 큰아들들(Lady Cockburn and her Three Eldest Sons, 1773)>이다. 17세기 이탈리아 및 플랑드르 거장(디에고 벨라스케스, 안토니 반 다이크 등)이 자주 그린 ‘자애(Charity)’의 알레고리와 미켈란젤로의 스케치 기법에서 영감을 받았다. 어린 아이들의 역동적인 움직임과 어머니의 따뜻한 미소가 어우러져 격식 있는 귀족 초상화임에도 불구하고 매우 친근하고 생생한 분위기를 자아내고 있다.
오거스타 앤 코번 부인(Augusta Anne, Lady Cockburn)이 어린 세 아들 제임스, 조지, 윌리엄과 함께 묘사되어 있다. 레이놀즈의 이 구도는 기독교의 덕목인 ‘자비(Charity)’를 표현한 이미지에서 영감을 받았다. 자비는 전통적으로 어머니가 자녀를 헌신적으로 돌보는 모습으로 표현되었다. 화면에 등장하는 큰 마코앵무새(macaw)는 화가가 기르던 애완 새로, 아마도 화면의 구도상 균형을 맞추기 위해 추가된 것으로 보인다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
윌리엄 호가스(William Hogarth)의 <그레이엄가의 아이들(The Graham Children, 1742)>이다. 아이들 특유의 천진난만한 표정과 찰나의 움직임을 격동적으로 포착했다. 동시에 섬세한 레이스, 실크의 질감 표현과 깊이 있는 상징주의를 결합하여 호가스가 남긴 가장 뛰어난 대형 초상화 걸작 중 하나로 평가받고 있다.
이들은 왕실과 첼시 병원(Chelsea Hospital)의 약제사(apothecary)였던 대니얼 그레이엄(Daniel Graham)의 자녀들이다. 그레이엄의 아이들은 즐거운 표정을 짓고 있지만, 호가스의 이 그림에는 죽음과 시간의 흐름을 암시하는 요소들이 담겨 있다. 이 작품은 아마도 아기 토머스의 죽음에 대한 응답으로 주문 제작되었을 가능성이 있다. 장례식용 꽃이 아이들이 타고 있는 마차 곁에 놓여 있으며, 날개 달린 케루빔(천사)이 모래시계와 낫을 들고 시계 위에 앉아 있다. 모래시계는 흘러가는 시간을, 낫은 죽음을 상징한다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
토머스 게인즈버러의 <물가(The Watering Place, 1777년 이전)>이다. 숲속 연못에서 여유롭게 물을 마시는 가축들과 이를 둘러싼 사람들의 평화로운 일상을 담고 있다. 게인즈버러는 서서히 어두워지는 저녁 빛을 활용해 한층 차분하고 묵상적인 위기를 연출했다. 스튜디오에서 기억과 상상력을 더해 재구성한 이상화된 전원 풍경이다.
게인즈버러는 페터르 파울 루벤스의 동명 작품에서 영감을 받았다. 그는 1768년 런던의 몬터규 하우스에서 초상화 주문을 받아 작업하던 중 이 작품을 보았을 가능성이 높다. 게인즈버러의 《물 마시는 곳(The Watering Place)》은 1777년 왕립미술원에서 처음 전시되었을 때 큰 찬사를 받았다. 루벤스의 원작 역시 현재 내셔널 갤러리 소장품이다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
요한 조파니(Johann Zoffany)의 <샤프 가문(The Sharp Family, 1779–1781)>이다. 정형화되고 딱딱한 초상화에서 벗어나, 가족 간의 친밀한 교감과 일상의 즐거움을 하나의 완성된 서사 장면처럼 구성했다. 인물들의 화려한 의상 재질, 금속 악기 표면의 반사광, 그리고 템스강의 자연스러운 풍경 묘사 등 디테일하고 실감 나는 화풍이 돋보인다.
이 활기찬 무리의 중앙에 앉아 있는 그랜빌 샤프(Granville Sharp)는 영국에서 노예무역 폐지를 주장한 초기 운동가 가운데 한 사람이었다. 샤프는 저명한 학자이자 뛰어난 음악가이기도 했다. 스위스 출신 화가 조파니는 이 작품에서 샤프와 그의 가족들이 자신들의 바지선 아폴로호(Apollo)에서 연주회를 열었던 모습을 기념하고 있다. 아폴로호는 1775년부터 1783년까지 런던 풀럼의 템스강에 정박해 있었다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
요한 조파니의 <오스월드 부인(Mrs Oswald, 약 1763–1764)>이다. 조파니 특유의 세밀하고 정교한 붓터치로 푸른 비단 드레스 표면에 반사되는 빛과 광택, 레이스의 섬세한 질감을 실감 나게 표현했다. 18세기 영국 상류층의 부가 대서양 노예무역 및 제국주의적 상업 활동과 연결되어 있었는지를 보여주는 대표적인 사례로 소개되고 있다.
메리 램지(Mary Ramsay)는 자메이카에 거주하던 글래스고 출신 상인의 외동딸로, 1750년 리처드 오스월드(Richard Oswald)와 결혼했다. 이들의 상당한 부와 재산은 아메리카의 플랜테이션에서 얻은 수익과, 군수품 공급·해운업·사람들을 노예로 삼는 일을 포함한 무역 제국을 통해 축적되었다. 조파니는 아마 자신의 작업실에서 그녀를 그렸으며, 그녀의 뒤에 펼쳐진 풍경은 화가가 상상하여 그려 넣은 것으로 보인다.(원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
조셉 라이트 오브 더비(Joseph Wright ‘of Derby’)의 <토머스 콜트먼 부부(Mr and Mrs Thomas Coltman, 약 1770–1772)>이다. 먹구름을 배경으로 인물들에게 강한 자연광을 조명처럼 투사하여 명암의 대비를 극적으로 끌어올렸다. 야외 승마 활동 직후의 비공식적이고 친밀한 순간을 기습하듯 포착했다. 친분이 두터웠던 인물들을 그린 작품으로 인물들의 표정과 제스처에 가식 없는 애정과 유대감이 생생하게 녹아있다.
토머스 콜트먼(Thomas Coltman)은 화가의 친구였다. 이 야외 컨버세이션 피스(conversation piece), 즉 비공식적인 집단 초상화 형식의 작품은 1769년 결혼한 후의 그의 첫 번째 부인 메리 발로(Mary Barlow)와 함께 있는 모습을 보여준다. 배경의 풍경은 실제 자연을 관찰하여 그린 것이다. 라이트는 이와 거의 같은 시기에 자신의 첫 번째 순수 풍경화를 그렸다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
토머스 로런스 경(Sir Thomas Lawrence)의 <샬럿 왕비(Queen Charlotte, 1789)>이다. 은빛이 도는 연한 푸른색 실크 드레스와 은은한 레이스 피치(Fichu) 스카프를 두르고 있다. 신분적 위엄보다는 품격 있고 침착한 여인의 모습을 연출했다. 왕비의 얼굴에 근심과 걱정이 서려 있으면서도, 일국의 왕비로서 품위와 존엄을 잃지 않으려는 복합적인 감정을 섬세하게 담아냈다.
로렌스는 이 장엄한 샬럿 왕비(Queen Charlotte)의 초상화를 그렸을 때 겨우 20세였다. 이 초상화를 그리기 위해 모델로 앉았을 당시, 왕비는 남편 조지 3세(George III)의 장기간에 걸친 정신질환으로 힘든 시간을 보내고 있었다. 왕비가 착용한 팔찌에는 남편에 대한 그녀의 충성심이 표현되어 있는데, 남편의 초상화 미니어처와 왕실 모노그램이 장식되어 있다. 이 초상화는 왕비의 마음에 들지 않았지만, 왕립미술원에 전시되었을 때에는 비평가들로부터 큰 호평을 받았다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
토머스 게인즈버러의 <존 플램핀(John Plampin, 약 1752년)>이다. 세련된 푸른색 코트와 흰색 조끼, 모자를 착용하여 전형적인 18세기 영국 지주 계층의 품격을 보여주며, 발치에는 충실한 사냥개가 주인을 바라보고 있다. 인물의 정체성을 드러내는 동시에 영국 시골 자연의 호젓한 아름다움을 함께 담아냈다.
존 플램핀(John Plampin)은 게인즈버러의 고향인 서퍽주 심플링(Shimpling)의 지주 계급(squire)이었다. 그는 이 초상화가 제작된 지 약 5년 뒤에 그림 속에 묘사된 토지를 상속받았다. 이 풍경은 그가 영국의 토지 귀족 계층인 지주 신사(gentry)의 일원임을 보여주기 위해 포함되었다. 플램핀이 편안하게 기대어 앉아 있는 자세는 자신이 소유한 땅에서 느끼는 여유와 자신감을 드러내며, 세습된 특권이 ‘자연스러운’ 사회 질서의 일부라는 당시의 인식을 암시한다. 또한 그의 벌어진 다리 자세는 뒤편 나무의 가지 형태와 서로 호응하고 있다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
옌스 유엘(Jens Jue)의 <조셉 그린웨이(Joseph Greenway, 1788)>이다. 정형화된 궁정 초상화의 딱딱함에서 벗어나 인물의 자연스러운 표정과 휴식하는 자세를 포착했다. 동시에 깔끔한 선 처리와 균형 잡힌 구도를 통해 신고전주의적인 안정감을 유지하고 있다. 덴마크 특유의 투명하고 서정적인 대기감과 빛의 반사를 정교하게 담아내고 있다.
초상화의 주인공 조지프 그린웨이(Joseph Greenway)는 데번에서 태어났지만, 덴마크 선박의 선장으로 일하며 재산을 모았다. 멀리 보이는 작은 배들은 그의 직업을 암시하는 요소이다. 덴마크 화가 옌스 유엘(Jens Juel)은 코펜하겐 북쪽의 한 풍경 속에서 편안하게 앉아 있는 그린웨이를 그렸다. 이곳은 초상화 주인공의 친구가 소유한 영지였다. 유엘은 특히 조끼의 반짝이는 단추를 비롯해 그린웨이가 입은 옷의 다양한 질감을 능숙하게 표현했다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
윌리엄 호가스(William Hogarth)의 <유행에 따른 결혼(Marriage A-la-Mode, 약 1743년)>이다. 18세기 영국 사회의 풍속과 도덕적 부패를 신랄하게 비판한 6권 시리즈의 대형 풍자 연작이다. 호가스는 당대 사회의 실제 문제(돈으로 사들인 결혼, 도덕적 타락, 성병, 방탕)를 정면으로 다루는 독창적인 ‘시각적 소설’ 장르를 구축했다. 호가스는 이 유화 연작을 바탕으로 판화를 직접 제작·판매하여 대중적인 성공을 거두었다.
몰락해가는 귀족 스쿼더필드 백작과 부유한 시티 상인이 자녀들의 의사와 상관없이 지참금과 족보를 교환하며 계약을 맺고 있다. 당사자인 자녀들은 서로를 외면하고 있다.
남편은 밤새 방탕하게 놀다 돌아와 의자에 파묻혀 있고, 개가 그의 주머니에서 다른 여성의 캡 모자를 꺼내고 있다. 아내 역시 밤새 카드를 치며 방탕한 생활을 즐겼음을 방 안의 난장판이 보여준다.
남편이 어린 애인과 함께 돌파리 의사의 진료실을 찾아가 성병 치료약이 효험이 없다며 항의하고 있다. 신사 계층의 도덕적·신체적 부패를 직접적으로 풍자한다.
백작 부인이 된 아내가 침실에서 우아하게 머리를 손질받으며 손님들을 접대하고 있다. 변호사 실버텅(Silvertongue)이 그녀에게 가질 가면무도회 티켓을 건네며 불륜을 유혹한다.
가면무도회 후 여관에서 변호사와 밀회를 즐기던 부인을 백작이 현장에서 습격한다. 백작은 변호사의 칼에 맞아 치명상을 입고 무너지며, 변호사는 창문으로 도망친다.
남편을 죽인 변호사가 교수형에 처해졌다는 신문 기사를 읽은 백작 부인은 독약을 먹고 자살한다. 그녀의 아버지는 죽어가는 딸의 손에서 반지마저 빼내며 끝까지 탐욕스러운 모습을 보인다.
첫 번째 그림은 파산한 백작의 아들과, 귀족 사회에 편입되기를 원하는 부유한 상인의 딸 사이에 성사된 결혼을 보여준다. 이어지는 장면에서는 결혼한 지 몇 달이 지난 불행한 부부의 모습을 비롯해, 자작이 자신과 성관계를 맺은 아이와 함께 돌팔이 의사를 찾아가는 장면, 자작부인이 변호사 ‘실버텅(Silvertongue)’과의 불륜 만남을 계획하는 장면, 두 사람의 연애 관계를 알게 된 백작이 칼에 찔려 죽는 장면, 그리고 실버텅이 처형된 뒤 자작부인이 독약을 마시는 장면이 이어진다. 이 그림들은 판화로 제작하기 위해 그려졌다. 1745년에 판화가 출판되자 즉각적으로 큰 인기를 얻었다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
윌리엄 호가스의 <새우 파는 소녀(The Shrimp Girl, 약 1740–1745년)>이다. 머리 위에는 새우와 조개가 담긴 커다란 바구니를 이고 있으며, 살짝 벌린 입과 반짝이는 눈동자는 길거리에서 손님을 부르는 순간을 생생하게 보여주고 있다. 거친 스케치 느낌의 빠른 붓질(Impasto)과 미완성된 듯한 배경 처리가 특징이다. 짧고 활력 넘치는 터치로 순간의 빛, 기표, 분위기를 즉흥적으로 포착했다.
이 그림은 아마도 특정 인물을 빠르게 스케치하듯 그린 초상화로 보이며, 이러한 제작 방식이 작품에 생생하고 즉각적인 느낌을 더한다. 여성은 바구니를 머리에 이고 다니며 조개류를 파는 거리의 행상인이다. 바구니 옆에는 반 파인트(약 284ml) 용량의 계량 용기도 보인다. 화가는 그녀의 미소를 포착했는데, 당시의 초상화에서는 보기 드물게 입을 크게 벌리고 치아가 드러나는 활짝 웃는 모습으로 표현했다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
윌리엄 호가스의 <화가와 그의 퍼그(Portrait of the Painter and his Pug, 1745)>이다. 화려한 가발 대신 편안한 모자를 쓰고, 실용적인 옷차림으로 그려져 위선과 허식을 배제한 진정성 있는 예술가임을 강조하고 있다. 영국 고유의 독창적이고 현실주의적인 예술을 세우겠다는 의지를 보여주고 있다.
호가스의 자화상은 자신의 직업적 포부를 드러내는 작품이다. 타원형 캔버스는 당대의 유명한 영국 작가들이 쓴 책들 위에 놓여 있다. 그의 팔레트에 그려진 곡선은 ‘미와 우아함의 선(Line of Beauty and Grace)’을 나타내는데, 호가스는 이 선이 예술과 자연에 존재하는 모든 조화의 근간을 이룬다고 믿었다. 편안하고 격식을 차리지 않은 옷차림은 소탈한 이미지를 만들어낸다. 그가 기르던 퍼그 트럼프(Trump)는 화가 자신의 고집스럽고 호전적인 성격(pugnacious character)을 암시한다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
데이비드 윌키 경의 <시골의 휴일(The Village Holiday, 1809–1811)>이다. 시골 선술집(Alehouse) 앞마당을 배경으로, 휴일을 맞아 술과 여가를 즐기는 마을 사람들의 갖가지 소동을 연극의 한 장면처럼 생동감 있게 연출했다. 화면 전반에 흐르는 따뜻한 황갈색 톤과 정교한 명암 대비가 인물들의 생생한 표정과 의상의 질감을 극적으로 부각하고 있다.
윌키는 일상생활의 모습을 그린 그림으로 유명했다. 이 작품에서는 동네 술집의 한 장면을 묘사하고 있다. 고전적인 주제인 악덕과 미덕 사이의 선택을 떠올리게 하는 이 작품에서, 한 남자는 친구들과 남아 술을 마실 것인지 아니면 가족과 함께 집으로 돌아갈 것인지 갈등하고 있다. 오른쪽 구석에 몸을 축 늘어뜨리고 있는 남자는 과음이 초래하는 결과를 보여주는 극명한 경고의 역할을 한다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
독자적인 양식: 1740~1800년의 영국 회화
18세기 영국 예술은 급격한 변화를 겪었습니다. 화가이자 판화가인 윌리엄 호가스(William Hogarth)는 런던에서 활동하던 외국 화가들에 비해 영국 작가들의 실력이 결코 뒤처지지 않는다고 주장했습니다. 1761년 영국 미술가 협회(Society of Artists of Great Britain)와 1768년 왕립 미술원(Royal Academy)의 설립은 화가들에게 전문적인 교육을 제공하고, 정기적인 전시회 개최와 새로운 아이디어 창출을 가능하게 했습니다. 이는 결과적으로 독자적인 영국 양식의 출현으로 이어졌습니다. 영국 화가들은 티치아노(Titian), 루벤스(Rubens), 반 다이크(Van Dyck)와 같이 명성 높은 르네상스 및 바록 거장들의 작품에서 영감을 얻으며 자신의 작업을 유럽의 위대한 전통과 연결 지었습니다. 조슈아 레이놀즈 경(Sir Joshua Reynolds), 토머스 게인즈버러(Thomas Gainsborough), 토머스 로렌스 경(Sir Thomas Lawrence)은 역사화의 웅장함을 영국 초상화에 접목했습니다. 식민지 지배, 노예 매매 및 소유, 관련 산업을 통해 축적된 부는 영국의 경제적 성장과 산업화를 이끌었습니다. 이 시기는 철학적 탐구, 세계 탐험, 그리고 과학적 발견의 시대이기도 했습니다. 예술 분야에서는 조지 스텁스(George Stubbs)가 해부를 통해 말의 해부학을 연구했고, 더비의 조셉 라이트(Joseph Wright of Derby)는 현대 과학이 사회에 미치는 영향에 질문을 던졌습니다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
<출처>
- 안내문, The National Gallery, 2026년
- The National Gallery, London 공식 홈페이지 (https://www.nationalgallery.org.uk/), 2026.9.30. 검색
- ‘National Gallery’, wikipedia, 2027년
- 구글 Gemini 3 Flash 응답 내용 (2026.09.30 확인)
- OpenAI, <ChatGPT (GPT-5.3)>의 답변, 2026년 9월 30일 작성