32번째 전시실은 <바로크의 화려함 (Baroque Splendour)>라는 주제로 17세기 이탈리아 바로크 회화를 대표하는 거장들의 대작들이 집중적으로 전시하고 있다. 강렬한 빛과 어둠의 명암 대비와 성인이나 신화 속 인물을 지극히 현실적이고 거친 서민의 모습으로 포착한 카라바조주의 (Caravaggism)와 고대 조각과 르네상스의 조화로운 구도를 바탕으로 우아하고 이상적인 아름다움을 구현한 고전주의 바로크 (Classicizing Baroque) 작품들을 볼 수 있다.
미켈란젤로 메리시 다 카라바조(Michelangelo Merisi da Caravaggio)의 <도마뱀에게 물린 소년 (Boy Bitten by a Lizard, 약 1594–1595년)>이다. 과일을 집으려다 풀 속에 숨어 있던 도마뱀에게 오른쪽 손가락을 물린 소년이 움찔하며 깜짝 놀라 비명을 지르는 찰나의 순간을 포착했다.
소년이 과일을 손에 넣으려는 순간 도마뱀에게 깜짝 놀라고 있습니다. 이 장면은 사랑의 위험을 경고하는 것일까요? 아니면 인생의 덧없음을 상징하는 알레고리일까요? 혹은 얼굴 표정에 대한 연구이거나, 심지어 자화상일까요? 이 그림은 수수께끼 같은 작품으로, 아마도 보는 이들에게 여러 가지 해석과 토론을 유도하기 위해 그려진 것으로 보입니다. 인물의 모습을 담은 초상화인 동시에 정물화이기도 합니다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
베르나르도 카발리노(Bernardo Cavallino)의 <성전에서 상인들을 쫓아내시는 그리스도(Christ driving the Traders from the Temple, 약 1645~1650년)>이다. 그리스도를 중심으로 대각선과 연쇄적인 움직임이 형성되어 성전 내부의 혼란과 경악이 효과적으로 전달되고 있다. 화면의 좌우 모서리에는 넘어지거나 앉아서 중앙의 혼란스러운 사건을 돌아보는 인물들이 배치되어 있다.
그리스도께서는 예루살렘 성전이 시장처럼 변해 있는 것을 보시고, 환전상들과 새를 파는 상인들을 성전에서 몰아내셨습니다. 밝은 빛이 비추는 가운데, 이 그림에서 그리스도는 의로운 분노를 표출하며 힘차게 휘두르고 있습니다. 한 마리의 비둘기는 바닥에 얼어붙은 듯 가만히 앉아, 주변의 혼란 속에서도 움직이지 않고 있습니다. 이러한 성전 정화의 장면은 16세기 가톨릭교회의 개혁이 진행되는 과정에서 중요한 의미를 갖게 되었습니다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
살바토르 로사(Salvator Rosa)의 <길을 묻는 여행자들이 있는 풍경(Landscape with Travellers asking the Way, 1641)>이다. 어스름하고 울창한 숲길을 지나가던 두 명의 마부가 길가에서 휴식을 취하던 시골 농부들에게 길을 묻고 있는 평화로운 목가적 순간을 포착했다. 서정적인 이상적 풍경화 화풍의 영향을 받았으나, 뒤틀린 나무 줄기와 거친 바위 지형 등은 역동적이고 낭만적인 필치를 잘 보여준다.
어두운 숲 사이로 햇살이 비스듬히 스며들어, 울퉁불퉁한 나무줄기와 늘어진 담쟁이덩굴을 환하게 비춥니다. 이야기를 나누고 있는 인물들은 손짓으로 방향을 가리키며, 우리의 시선을 광활하고 멀리 펼쳐진 계곡 너머로 이끕니다. 이 작품은 로사가 미술품 수집가인 조반 카를로 데 메디치 왕자(1611~1663)를 위해 그린 15점의 작품 가운데 하나입니다. 데 메디치 왕자는 1640년 로사를 피렌체로 초청했습니다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
살바토르 로사의 <철학(Philosophy, 1645)>이다. 학자, 시인, 예술가들과 교류하던 피렌체 체류 시절에 제작된 작품이다. 화가 자신의 모습을 철학자로 비유하여 그린 우의적 자화상(Allegorical Self-Portrait)이다. 우울하면서도 반항적인 눈빛은 예술가로서 지녔던 자의식과 자유로운 지적 태도를 보여준다. 흐린 하늘과 어두운 옷의 무채색조 배경은 절제된 분위기를 자아내며, 지혜와 침묵을 중시하는 금욕주의적·스토아적 철학 관념을 효과적으로 전달하고 있다.
“침묵보다 더 나은 말이 아니라면, 침묵하라.” 이 문구는 이 철학자가 들고 있는 석판에 적혀 있습니다. 학자의 모자와 가운을 착용한 모습으로, 로사는 자신의 엄격한 얼굴 모습을 그려 넣었습니다. 침묵은 로사가 관심을 가졌던 스토아 철학과 관련이 있었습니다. 이 그림은 한때 로사의 연인이 ‘시(Poetry)’를 의인화한 모습으로 포즈를 취한 초상화와 한 쌍을 이루고 있었습니다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
프란체스코 솔리메나(Francesco Solimena)의 <아이네아스와 아스카니오스로 변장한 큐피드를 맞이하는 디도(Dido receiving Aeneas and Cupid disguised as Ascanius, 1710)>이다. 솔리메나 특유의 대담하고 어두운 배경과 인물 위로 떨어지는 강렬한 조명이 인물들의 질감, 금속 갑옷, 화려한 직물의 주)를 극적으로 부각시키고 있다. 인물들의 화려하고 우아한 동세, 고전적 품격, 신화적 드라마가 결합된 걸작으로 손꼽힌다.
트로이의 영웅 아이네아스(초록색 옷)가 카르타고의 여왕 디도에게 경의를 표하고 있습니다. 디도는 날개 달린 큐피드를 내려다보고 있는데, 그녀는 큐피드가 아이네아스의 아들 아스카니우스라고 속아 믿고 있습니다. 이 만남 이후 디도는 아이네아스를 사랑하게 되고, 결국 그녀의 비극적인 사랑은 자살로 끝납니다. 솔리메나는 디도의 권력과 부를 나타내기 위해 많은 시종들을 화면에 등장시켰습니다. 그중에는 보물 접시를 바치는 아프리카계 노예 하인도 있습니다. 장면은 돌로 된 무대 위에서 펼쳐지는데, 이는 당시의 오페라와 연극 공연을 연상시킵니다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
살바토르 로사의 <파스카리엘로의 모습을 한 자화상(Self Portrait as Pascariello, 1645~1649)>이다. 자신을 이탈리아 즉흥극인 코메디아 델라르테(Commedia dell’arte)의 인기 캐릭터 ‘파스카리엘로(Pascariello)’로 분장시켜 그렸다. 단순하고 어두운 배경 속에서 인물의 날카로운 이목구비, 찢어진 장갑의 가죽 질감, 거친 필치가 돋보인다. 권위나 관습에 타협하지 않고 사회를 풍자하던 그의 반항적이고 자유분방한 개성을 표현하고 있다.
화가는 당시 연극에서 자주 등장하던 전형적인 인물인 파스카리엘로(Pascariello)라는 나폴리 출신 하인으로 분장해 자신의 모습을 그렸습니다. 로사는 나폴리 출신으로, 1640년대 피렌체에서 즉흥 공연을 할 때 이 익살스러운 역할을 자주 맡았습니다. 로사가 찢어진 장갑을 낀 파스카리엘로 차림의 자화상을 출판업자인 친구에게 선물했다는 기록이 남아 있습니다. 이 작품이 바로 그 그림일 가능성이 거의 확실합니다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
살바토르 로사의 <머큐리와 정직하지 못한 나무꾼이 있는 풍경(Landscape with Mercury and the Dishonest Woodsman, 1663)>이다. 신 머큐리가 금도끼를 손에 쥐고 돌아서며 거짓말을 한 나무꾼을 꾸짖고 떠나려 한다. 나무꾼은 당황과 후회가 섞인 자세로 머큐리를 바라보고 있으며, 주변의 물결과 어두운 숲 그림자가 극적 긴장감을 더하고 있다. 목가적이고 밝은 풍경에서 벗어나 도덕적·철학적 메시지가 짙게 배어 있는 거친 풍경을 표현하고 있다.
부러진 나무 밑동이 널려 있는 어둡고 거친 숲속 공터가 이솝 우화에 나오는 교훈적인 이야기가 펼쳐지는 배경입니다. 신 머큐리는 정직한 나무꾼에게 황금 도끼를 선물로 주었습니다. 여기에서는 또 다른 나무꾼(왼쪽)이 신을 속여 자신에게도 같은 선물을 받으려 합니다. 그러나 강물 속에 있는 머큐리는 그에게 대신 쇠로 만든 도끼를 내밉니다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
살바토르 로사의 <주술을 부리는 마녀들(Witches at their Incantations, 1646)>이다. 어두운 밤 숲속에서 마녀와 주술사들이 집단으로 모여 섬뜩한 주술 의식을 치르는 장면을 표현하고 있다. 고대 문헌과 미신, 문학적 알레고리를 결합한 내용이다. 당대 피렌체 지식인 사회에서 유행하던 마술, 흑마술, 기괴한 문학적 주제에 영감을 받아 이를 작품으로 구현했다
이 기괴하고 섬뜩한 마녀술의 집대성은 문헌과 시각 자료에서 가져온 여러 요소를 한데 모아 표현한 것입니다. 마녀들은 교수형에 처한 사람, 해골, 아기, 말뚝에 꿰인 사람의 심장, 밀랍 인형 등을 이용해 물약을 만들고 주문을 외우고 있습니다. 로사 자신은 뛰어난 시인이면서 오컬트와 신비주의에 관심을 가진 인물이었습니다. 이 그림에는 그의 시 《라 스트레가(La Strega, 마녀)》에 등장하는 여러 요소가 연상되게 표현되어 있습니다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
게르치노(Guercino)의 <다윗 왕(King David, 1651)>이다. 선명한 붉은색과 주황색 망토, 푸른색 안감의 대비가 눈길을 끌며, 옷주름의 질감 표현이 뛰어나다. 배경의 단순한 석조 기둥과 명암 처리는 다윗의 신중하고 경건한 이미지를 한층 부각하고 있다. 인물의 고결함과 절제된 감정 표현이 돋보이는 17세기 이탈리아 종교화의 걸작이다.
다윗 왕은 전사이자 왕이라는 두 가지 정체성 사이에 놓인 인물로 묘사되어 있습니다. 그는 더 이상 젊지는 않지만 아직 노년에도 이르지 않은 모습입니다. 왕의 화려한 의복 아래로는 근육질의 다리와 갑옷을 입은 발이 드러나 있지만, 그의 표정과 자세는 깊은 생각에 잠긴 순간을 보여줍니다. 체세나 출신의 조세포 로카텔리(Gioseffo Locatelli, 1627~1711)가 〈다윗 왕〉과 〈쿠마이의 시빌〉(근처에 전시됨) 두 점을 주문했습니다. 이후 다른 후원자가 〈쿠마이의 시빌〉을 구입하자, 구에르치노는 그 작품을 대신할 그림으로 〈사미아의 시빌〉(역시 근처에 전시됨)을 그렸습니다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
게르치노의 <푸토와 함께 있는 사모스의 무녀(The Samian Sibyl with a Putto, 1651)>이다. 무녀는 고전적인 터번 모자와 우아하게 늘어진 드레스를 입고 정숙한 품격을 드러내고 있다. 풍성하고 부드러운 옷주름과 따뜻하면서도 세련된 색채 대비가 특징이다. 인물의 감정은 과도하게 분출되기보다 고요하고 절제되어 있으며, 무녀의 피부 표현과 옷감의 질감이 매우 정교하게 묘사되어 있다.
시빌(Sibyl)은 그리스도의 탄생을 예언한 이교도 여성 예언자들을 가리킵니다. 이 시빌은 그리스의 사모스섬에서 활동한 아폴론의 신탁자였습니다. 그녀는 그리스도가 처녀에게서 태어날 것이라고 예언했으며, 그 내용이 두루마리에 다음과 같이 적혀 있습니다. “환영하노라, 많은 고난을 겪은 순결한 처녀 시온이여.” 이 작품의 액자는 건축가 제임스 ‘아테니안’ 스튜어트(James ‘Athenian’ Stuart, 1713~1788)가 런던의 스펜서 하우스(Spencer House)를 위해 디자인했습니다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
조아키노 아세레토(Gioacchino Assereto)의 <하갈과 이스마엘에게 나타난 천사(The Angel appears to Hagar and Ishmael, 1640)>이다. 아브라함의 아내 사라가 여종 하갈과 그녀의 아들 이스마엘을 브엘세바 광야로 쫓아낸 후의 상황이다. 어두운 배경 속에서 인물들의 손길, 절박한 표정, 피부 위로 떨어지는 강렬한 빛이 감정적 울림을 극대화하고 있다. 극적인 연극성과 대담한 붓터치, 그리고 깊은 감정적 몰입감을 잘 보여주고 있다.
이 성경 장면에서 넓은 챙의 모자를 쓴 하갈이 천사의 갑작스러운 등장에 놀라고 있습니다. 하갈과 아들 이스마엘은 광야로 쫓겨나 그곳에서 갈증으로 죽어가고 있었습니다. 천사는 그들에게 물이 있는 곳을 알려주어 목숨을 구해줍니다. 그림에서 나타나는 강렬한 빛의 효과와 어두운 색채는 카라바조와 그의 추종자들이 그린 작품을 연상시킵니다. 아세레토는 1639년 로마에 머물렀을 때 이러한 작품들을 접했을 가능성이 있습니다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
귀도 레니(Guido Reni)의 <성 예로니모(Saint Jerome, 1624~1625)>이다. 광야에서 십자가를 바라보며 묵상하는 동시에, 죄스러운 생각을 물리치기 위해 오른손에 쥔 돌로 자신의 가슴을 치고 있는 순간을 포착하고 있다. 이마와 힘이 들어간 근육질 팔 위에 표현된 분채(chalky) 느낌의 하이라이트 처리는 귀도 레니 특유의 감각적인 붓터치를 잘 보여주고 있다.
성 예로니모는 광야에서 십자가에 못 박힌 그리스도를 묵상하면서, 죄악된 생각을 물리치기 위해 돌로 자신의 몸을 치고 있는 모습으로 묘사되어 있습니다. 해골은 그리스도의 희생과 세속적인 삶의 덧없음을 상기시키는 상징입니다. 예로니모가 입고 있는 진홍빛 망토는 그가 추기경으로 서품되었다는 당시 널리 퍼져 있던 믿음을 반영합니다.예로니모의 수염은 뻣뻣한 털의 붓으로 빠르고 넓게 붓질하여 표현했으며, 이마와 근육질의 팔에 보이는 거칠고 분필가루처럼 밝은 하이라이트는 레니 특유의 붓질을 잘 보여줍니다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
루카 조르다노(Luca Giordano)의 <피네우스와 그의 추종자들을 돌로 바꾸는 페르세우스(Perseus turning Phineus and his Followers to Stone, 1660)>이다. 대형 화면 안에 수많은 인물들이 얽히고설킨 채 난투극을 벌이는 순간을 압도적인 역동성으로 표현했다. 무기를 든 채 피부가 점차 잿빛 돌로 딱딱하게 마비되어 가는 기묘한 변화 과정을 사실적으로 그렸다. 후기 바로크가 지닌 압도적인 스케일과 역동적인 신화화 표현의 진수를 보여주는 작품이다.
페르세우스와 안드로메다의 결혼 잔치에 안드로메다의 옛 약혼자 피네우스가 갑자기 들이닥쳐 자신의 경쟁자인 페르세우스를 죽이려 합니다. 페르세우스는 뱀의 머리카락을 가진 고르곤 메두사의 머리를 들어 자신을 방어합니다. 메두사의 시선을 받은 사람은 돌로 변합니다. 조르다노는 〈라오콘〉과 같은 유명한 고대 고전 조각상을 본떠 전사들을 재치 있게 표현했습니다. 전사들은 변신이 진행되는 순간, 즉 신체의 일부는 살빛을 띠고 다른 부분은 돌처럼 회색으로 변한 모습으로 그려져 있습니다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
요한 리스(Johann Liss)의 <홀로페르네스의 천막 안에 있는 유디트(Judith in the Tent of Holofernes, 1622)>이다. 유디트가 방금 막 참수한 홀로페르네스의 잘린 머리를 하녀가 들고 있는 자루에 담으려는 순간의 긴박함과 잔혹함을 포착하고 있다. 피가 솟구치는 거친 단면과 침대 위의 핏자국, 그리고 차갑게 식어가는 시신의 입체감이 시각적 충격을 주고 있다. 바로크 미술 특유의 극적 연극성과 강렬한 감정적 효과가 집약된 작품이다.
유딧은 어깨 너머로 뒤를 돌아보며, 홀로페르네스의 잘린 머리를 자루 속에 넣고 있습니다. 아시리아의 장군 홀로페르네스가 유딧의 고향 도시에 포위 공격을 가하자, 유딧은 밤에 그의 천막에 몰래 들어가 자신의 백성인 이스라엘 민족을 지키기 위해 그의 칼로 그를 죽였습니다. 독일 최북단 지역에서 태어난 리스(Liss)는 베네치아와 로마에서 활동했으며, 그곳에서 카라바조의 극적이고 강렬한 회화를 접했을 것으로 보입니다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
베르나르도 스트로치(Bernardo Strozzi)의 <명성의 의인화(A Personification of Fame, 1635~1636)>이다. ‘명성(Fame)’을 날개 달린 여성의 모습으로 형상화한 우의화(Allegory)이다. 우의적인 인물이지만 생기 있고 풍만한 현실적인 여인의 모습으로 그려졌습니다. 빛이 여인의 어깨와 가슴, 나팔의 금속 질감 위로 강렬하게 반사되어 화면 전체에 생동감과 역동성을 부여하고 있다.
명예와 악명은 두 가지 악기를 들고 있는 날개 달린 여성 인물로 의인화되어 있습니다. 황금빛 트럼펫은 명예를 상징하는 반면, 나무로 만든 숌(shawm, 초기 오보에와 비슷한 악기)은 악명을 상징합니다. 그림의 낮은 시점과 가로로 긴 화면 구성을 보면, 한때 문 위에 걸려 있었던 작품일 가능성이 있습니다. 이 작품은 아마도 베네치아에서 그려진 것으로 보이며, 화가는 1631년경 제노바에서 베네치아로 이주했습니다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
귀도 레니의 <에우로페의 납치(The Rape of Europa, 1637~1639)>이다. 납치라는 급박한 상황임에도 불구하고, 귀도 레니 특유의 고전주의적 우아함이 화면 전체를 지배하고 있다. 부드럽고 투명한 피부 표현, 은빛과 분홍빛이 어우러진 신비로운 색채감이 이 후기 양식을 완벽히 보여주고 있다. 귀도 레니 특유의 감미롭고 고귀한 인물 표현과 완숙기 고전주의 미학의 정수를 보여주는 작품이다.
공주 에우로파는 신들의 왕 유피테르(주피터)의 사랑을 받았습니다. 유피테르는 황소로 변장하여 에우로파를 납치했습니다. 여기서 레니는 이례적으로 사랑의 신 큐피드를 등장시켰는데, 큐피드의 화살은 에우로파의 두려움을 사랑의 열정으로 바꾸게 될 것입니다. 선명한 색채와 밝고 투명한 빛의 표현은 밝은 지중해의 한낮을 떠올리게 합니다. 멀리 떨어진 해안에서는 에우로파의 동료들이 그녀를 잃은 슬픔에 잠겨 있습니다. 레니는 이 작품을 폴란드 국왕 브와디스와프 4세(Władysław IV, 1595~1648)를 위해 그렸습니다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
귀도 레니의 <소돔을 떠나는 롯과 그의 딸들(Lot and his Daughters leaving Sodom, 1614~1615)>이다. 소돔이 멸망하는 순간, 롯과 그의 두 딸이 불타는 도시를 뒤로하고 서둘러 피신하는 탈출의 장면을 포착하고 있다. 각 인물마다 개성적인 색상의 의상을 두르고 있어 시각적인 리듬감을 보여주고 있다. 성경 속 비극적 탈출 장면을 고전주의 특유의 절제된 품격과 절묘한 균형감으로 표현하고 있다.
죄악에 물든 도시 소돔이 멸망하기 전에 그곳에서 도망쳐 나온 롯의 딸들은, 가문의 혈통을 이어가기 위해 아버지 롯에게 포도주를 먹여 유혹하려 합니다. 이 성경 이야기를 다룬 작품으로서는 이례적으로 절제된 표현을 보여주며, 가족이 소돔을 떠나 피신하는 순간을 포착하고 있습니다. 화면 왼쪽의 포도주 항아리는 앞으로 벌어질 일을 암시하는 것일 수 있습니다. 이 그림은 적어도 1640년부터 근처에 전시된 레니의 〈수산나와 장로들〉과 나란히 걸려 있었습니다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
피에트로 다 코르토나(Pietro da Cortona)의 <성 체칠리아(Saint Cecilia, 1620~1625)>이다. 음악가와 순교자의 수호성인인 성 체칠리아(St. Cecilia)의 신성한 순간을 담아낸 작품이다. 그녀의 목에 둘러진 섬세한 천과 붉은빛 드레이프는 순교의 피와 고난을 암시하며, 고결하면서도 정숙한 성인의 품격을 더해주고 있다. 배경은 단정하게 어둡게 처리되어 성인의 상반신과 오르간, 그리고 옷주름 위로 떨어지는 명확한 빛이 인물의 입체감과 거룩한 분위기를 부각하고 있다.
음악의 수호성인인 성 체칠리아가 이 그림에서 이동식 오르간과 하프 사이에 서 있는 모습으로 묘사되어 있습니다. 그녀는 순교를 상징하는 종려나무 가지를 들고 있으며, 지붕 위에 조각상들이 놓인 멀리 있는 고전적 건축물을 바라보고 있습니다. 이는 그녀의 순교가 초기 기독교 시대의 로마에서 일어났음을 상기시킵니다. 피에트로 다 코르토나는 토스카나에서 태어났지만, 생애 대부분을 로마에서 활동했습니다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
귀도 레니의 <목자들의 경배(The Adoration of the Shepherds, 1640)>이다. 상단에는 구름 속에서 아기 천사들이 내려와 찬양을 건네고 있으며, 하단에는 목자들이 양을 선물로 바치거나 손을 모아 기도하는 지상의 경배 모습이 조화를 이루고 있다. 웅장한 구도 속에서도 인물 배치가 매우 안정적이고 절제되어 있다. 극적인 분노나 고통 대신 거룩함, 평화, 그리고 천상적인 미학을 극대화하고 있다.
신성한 빛이 어두운 마구간 속 아기 그리스도에게서 뿜어져 나오고, 그를 경배하러 목자들이 모여 있습니다. 머리 위를 나는 아기 천사들은 아래에서는 그리스도의 빛을, 위에서는 구름 사이로 비치는 하늘의 빛을 받아 환하게 빛납니다. 멀리 보이는 언덕에서는 천사들이 목자들에게 그의 탄생을 알립니다. 이 작품은 내셔널 갤러리에서 가장 큰 그림입니다. 레니의 말년에 그려졌으며, 그가 세상을 떠난 뒤에도 작업실에 남아 있었을 가능성이 있습니다. 나폴리에 또 다른 버전이 있습니다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: Anthropic. (2026). Claude Sonnet 5.5 [대규모 언어 모델]. https://claude.ai)
귀도 레니의 <수산나와 장로들(Susannah and the Elders, 1622~1623)>이다. 어둡고 노련하며 욕망에 찬 두 장로의 모습과, 이에 대비되는 수산나의 희고 우아한 피부 및 당황하면서도 절제된 표정이 극명한 대조를 이루고 있다. 수산나의 도덕적 고결함과 내면의 순수성에 중점을 두어 격조 높게 승화시켰다. 귀도 레니 특유의 고전미와 관능성의 절묘한 균형을 잘 보여주는 작품이다.
이 그림은 루도비코 카라치(위 작품)의 그림과는 수산나와 장로들 이야기에서 조금 다른 순간을 다룹니다. 여기서 수산나는 어깨에 닿는 손길에 깜짝 놀랍니다. 그녀는 공포에 질려 돌아보고, 자신을 유혹하려는 늙은 남자들을 마주합니다. 한 명은 그녀의 옷자락을 붙잡고 조용히 하라고 다그칩니다. 이 주제는 여성 누드를 표현하면서 동시에 승리하는 미덕을 기리는 방법으로 인기가 있었습니다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: Anthropic. (2026). Claude Sonnet 5.5 [대규모 언어 모델]. https://claude.ai)
루도비코 카라치(Ludovico Carracci)의 <수산나와 장로들(Susannah and the Elders, 1619)>이다. 두 장로가 수산나의 위로 몰아치듯 다가가는 구도는 감상자에게도 상당한 압박감을 전달하고 있다. 수산나의 당황스럽고 두려운 표정과 몸짓, 그리고 욕망에 사로잡힌 장로들의 노련하고 집요한 눈빛이 강렬하게 대조되고 있다. 르네상스의 고전적 이상과 바로크 특유의 연극적 서사성이 절묘하게 어우러져 있다.
정숙한 수산나는 정원에서 목욕하던 중 두 장로에게 지켜보인 몸이 되었습니다. 그들은 자신들과 잠자리를 하지 않으면 간통죄로 고발하겠다고 협박했습니다. 한 명은 그늘 속에서 그녀의 옷자락을 잡아당겨 벗기려 합니다. 수산나는 몸을 가리려 하며 뒤로 물러섭니다. 오른쪽 위에 있는 뱀과 씨름하는 소년의 조각상은 그녀가 처한 곤경을 더욱 강조합니다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: Anthropic. (2026). Claude Sonnet 5.5 [대규모 언어 모델]. https://claude.ai)
오라치오 젠틸레스키(Orazio Gentileschi)의 <이집트 피신 중의 휴식(The Rest on the Flight into Egypt, 1620)>이다. 쓰러지듯 누워 깊은 잠에 빠진 요셉의 모습은 여정의 고단함과 피로감을 극적으로 보여주고 있다. 성모 마리아는 낡은 벽에 기대어 앉아 아기 예수에게 젖을 물리며 자애로운 눈빛으로 바라보고 있다. 성모 마리아가 두른 노란색, 붉은색 옷주름 위로 떨어지는 맑고 명확한 조명과, 실크처럼 고운 옷감의 질감 표현이 인상적이다.
성가족은 이집트로 가는 여정 중에 폐허가 된 건물에서 몸을 피하고 있습니다. 인물들은 실제 모델을 바탕으로 그려졌습니다. 마리아는 땅에 앉아 아기에게 젖을 먹이고 있는데, 이는 ‘겸손의 성모’로 알려진 옛 도상을 따른 것입니다. 요셉이 잠든 사이, 털이 복슬복슬한 당나귀가 무너져 가는 벽 너머에서 망을 보고 있으며, 이 벽은 장면에 연극 무대 같은 배경을 만들어 줍니다. 제한된 색채는 그림의 평화로운 소박함을 더욱 돋보이게 합니다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: Anthropic. (2026). Claude Sonnet 5.5 [대규모 언어 모델]. https://claude.ai)
사소페라토(Sassoferrato)의 <포옹하는 성모와 아기 예수(The Virgin and Child Embracing, 1660~1685)>이다. 성모 마리아의 순결과 고결함을 나타내는 흰 베일과 신성을 상징하는 강렬한 울트라마린 푸른색 망토, 그리고 인류에 대한 사랑과 훗날의 수난을 암시하는 분홍빛/붉은색 드레스가 대비를 이루고 있다. 매끄러운 피부 표현과 정교하게 가다듬어진 선, 감정의 순수함이 라파엘로풍의 고전주의 미학을 완벽하게 재현하고 있다.
그리스도의 그림자 진 얼굴과 어머니의 내리깐 눈은 십자가 처형에서 겪게 될 그의 고난을 두 사람이 함께 알고 있음을 암시합니다. 이 그림은 라파엘로(1483~1520), 페루지노(1469년 생존 확인; 1523년 사망) 같은 앞선 시대 화가들의 작품을 떠올리게 하는데, 사소페라토는 이들의 작품을 높이 평가했고 모작하기도 했습니다. 이 그림은 아마도 가정에서 쓰이도록 제작되었을 것입니다. 17세기 볼로냐 양식의 액자는 표면에 부순 대리석과 나무 구슬이 박혀 있습니다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: Anthropic. (2026). Claude Sonnet 5.5 [대규모 언어 모델]. https://claude.ai)
사소페라토(Sassoferrato)의 <기도하는 성모 (The Virgin in Prayer, 1640–1650년경)>는 이탈리아 바로크 시대의 화가 조반니 바티스타 살비(Giovanni Battista Salvi, 통칭 사소페라토)가 그린 대표적인 종교화 작품이다. 빨간색 옷 위에 흰색 베일과 강렬한 울트라마린 푸른색 겉옷을 두른 명확한 색조 구성이 특징이다. 배경을 어둡고 단순하게 처리하여 인물에게 시선이 집중되도록 하고 있다.
성모는 눈을 내리깔고 기도하며, 두 손바닥이 거의 맞닿아 있습니다. 도자기 같은 얼굴에는 그림자가 드리워져 있습니다. 사소페라토는 이 주제를 여러 점 그렸는데, 이 주제는 개인 기도를 돕기 위해 15세기에 발전했습니다. 이 작품은 그중에서도 가장 뛰어난 것 중 하나입니다. 아래 그림과 마찬가지로, 사소페라토가 명성을 얻은 법랑 같은 매끄러운 마감이 돋보입니다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: Anthropic. (2026). Claude Sonnet 5.5 [대규모 언어 모델]. https://claude.ai)
구에르치노(Guercino)의 <교황 대그레고리오와 예수회 성인들(Saint Gregory the Great with Jesuit Saints, 1625~6)>이다. 하단의 두 예수회 성인과 중앙의 교황, 그리고 하늘의 성령(비둘기)이 시선과 손짓을 통해 자연스럽게 하단에서 상단으로 상승하는 시각적 흐름을 만들고 있다. 온화한 조명과 밝고 우아한 색채를 사용한 고전주의적 전환점의 특징을 잘 보여준다.
성 그레고리오 대교황(약 540~604)은 수도사이자 신학자이며 교황이었다. 그는 성령이 비둘기의 모습으로 나타나 영감을 전해주는 순간, 쓰고 있던 독서용 안경을 벗고 있다. 이 그림에서 그는 1622년 교황 그레고리오 15세에 의해 시성된 두 성인 사이에 앉아 있다. 왼쪽은 예수회를 창립한 이냐시오 데 로욜라이고, 오른쪽은 예수회의 첫 번째 위대한 선교사인 프란치스코 하비에르이다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
카를로 돌치(Carlo Dolci)의 <동방박사의 경배 (The Adoration of the Kings, 1649)>이다. 옷감의 질감, 금속 그릇의 광택, 피부 표현 등에서 극도의 정밀함을 보여준다. 돌치는 매우 차분하고 경건한 빛을 사용해 경건주의적(Devotional) 신앙심을 시각화했다. 화면 오른쪽 구석 붉은 모자를 쓰고 지켜보는 인물이 바로 화가 카를로 돌치 본인이다. 신성한 사건을 목격하는 증인으로서 자신을 은밀히 넣어둔 기법이다.
세 명의 동방박사가 갓 태어난 아기 예수를 찾아와 경배하고 있다. 마구간 문을 통해 동방박사들의 낙타가 보인다. 이 그림은 매우 뛰어난 상태로 보존되어 있다. 돌치는 후광과 그리스도에게서 퍼져 나오는 빛을 표현할 때 실제 조개껍데기 금가루(셸 골드)를 사용했으며, 그 밖의 부분에서는 물감으로 금의 모습을 모방했다. 입구 쪽에서 반쯤 그림자에 가려진 얼굴은 화가 자신의 자화상일 가능성이 있다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
귀도 레니(Guido Reni)의 <성 막달라 마리아(Saint Mary Magdalene, 1634–1635)>이다. 단순한 슬픔을 넘어 세속의 죄를 회개하고 신의 은혜와 구원을 열망하는 황홀경 및 참회의 순간을 표현하고 있다. 풍성한 머리카락과 붉은 로브는 시각적인 아름다움을 더해주지만, 인물의 표정과 신성한 후광이 조화를 이루어 관능미로 흐르지 않고 종교적 신성함을 유지한다.
성 마리아 막달레나는 하늘을 바라보며 고개를 들고 있다. 과거의 죄를 뉘우치는 그녀의 눈에는 빛이 반짝인다. 신성한 빛이 그녀의 빛나는 피부와 흐트러진 금발을 환하게 비춘다. 레니와 그의 작업실에서는 막달레나를 주제로 한 그림을 여러 점 제작했으며, 그중에는 이 작품과 같은 크기의 그림도 많았다. 당시 가톨릭교회는 개인적인 신앙과 경건한 기도를 돕기 위해 종교적 이미지의 사용을 장려하고 있었기 때문에, 이러한 작품들은 매우 큰 인기를 얻었다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
구에르치노(Guercino)의 <까마귀들에게 양식을 공급받는 엘리야(Elijah fed by Ravens, 1620)>이다. 짙고 어두운 배경 속에서 엘리야의 인체와 옷주름에 강한 빛이 떨어져 연극적인 긴장감과 영적 순간의 장엄함을 극대화하고 있다. 굵은 주름과 다부진 체격, 맨발을 지닌 현실적이고 고단한 노인의 모습으로 사실감 있게 표현했다.
예언자 엘리야는 가뭄이 들었을 때 하느님의 명령을 받아 광야로 가서 그릿 시냇가에서 살았다(열왕기). 그곳에서 그는 시냇물을 마셨고, 까마귀들이 아침저녁으로 그에게 ‘빵과 고기’를 가져다주었다. 그림 오른쪽 위에서는 새들이 빵을 물어 나르고 있는데, 이 빵은 오늘날에도 여전히 구워지는 페라라의 전통적인 빵과 비슷한 모습이다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
도메니키노(Domenichino)의 <복음서 저자 성 요한(Saint John the Evangelist, 1920s)>이다. 복음서를 집필하는 신성한 영적 순간을 입체적이고 웅장하게 시각화했다. 요한이 입고 있는 강렬한 붉은색과 녹색 로브의 옷주름 묘사가 정교하며, 배경의 풍경과 건축적 요소가 균형감을 더해준다.
독수리(성인의 상징물)에 발을 섬세하게 얹은 사도 성 요한은 계시를 받는 순간, 글을 쓰던 일을 멈추고 위를 바라보고 있다. 도메니키노는 고대 조각을 연구하면서 얻은 영감을 바탕으로, 역동적이고 몸을 뒤틀어 표현한 자세를 그려냈다. 이 그림은 150년이 넘는 기간 동안 로마의 같은 궁전에 걸려 있었으며, 그곳에는 혼토르스트의 〈대사제 앞의 그리스도〉도 함께 걸려 있었다. 이 작품 역시 현재 이 방에 전시되어 있다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
헤르트 반 혼토르스트(Gerrit van Honthorst)의 <대제사장 앞에 선 그리스도(Christ before the High Priest, 1617)>이다. 탁자 위에 놓인 촛불을 유일한 광원으로 설정했다. 촛불이 만들어내는 극적인 명암 대조는 심문실 내부의 밀폐되고 침묵으로 가득 찬 심리적 긴장감을 극대화하고 있다. 네덜란드 특유의 정교한 일상성과 야간 조명 기법으로 재해석하여 훗날 렘브란트 등 네덜란드 황금기 화가들에게도 깊은 영향을 미쳤다.
한밤중 가장 어두운 시간, 긴장감이 감도는 심문 장면이 촛불 하나에 의해 밝혀지고 있다. 그리스도는 앉아 있는 사제에게 자신의 신앙에 대해 질문을 받으면서도 침착하게 서 있다. 작품의 큰 화면은 동굴처럼 깊고 어두운 공간에 드리워진 불안감을 자아내는 그림자를 더욱 강조한다. 로마에서 카라바조의 영향을 받아 제작된 이 작품은 혼토르스트의 가장 유명한 작품 가운데 하나가 되었다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
구에르치노(Guercino)가 <푸토와 함께 있는 쿠마에 무녀(The Cumaean Sibyl with a Putto, 1651)>이다. 무녀가 입고 있는 붉은색, 푸른색, 황금색 로브의 옷주름가 정교하게 묘사되었으며, 밝고 고른 빛이 흘러 고전적 이상미와 안정감을 부여하고 있다. 무녀의 시선과 책을 넘기는 손길, 그리고 측면에 배치된 건축적 요소와 푸토의 배치가 균형잡힌 구도를 형성하여 웅장한 분위기를 자아낸다.
아폴론의 여사제 가운데 한 사람인 쿠마에의 시빌은 나폴리 근처 쿠마에에서 그리스도의 십자가 처형을 예언했다. 그녀의 예언은 돌판에 다음과 같이 새겨져 있다. “하느님께서 매달리신 복된 나무여.” 마티아스 데 메디치 공작(1613~1667)은 이 작품이 원래 의뢰인에게 보내지기도 전에 과르치노로부터 구입했다. 과르치노는 대신 〈사모스의 시빌〉(인근에 전시)을 그려 원래 의뢰인에게 보냈다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
카라바조의 <세례자 요한의 머리를 받는 살로메(Salome receives the Head of John the Baptist, 1609~10)>이다. 짙은 어둠 속에서 쏟아지는 명확한 빛은 인물들의 표정과 쟁반 위의 머리, 붉은 피의 흔적으로 시선을 집중시킨다. 살인죄로 수배되어 시칠리아와 칠레, 나폴리를 전전하던 카라바조의 최후 작품이다. 죽음의 공포와 교황의 사면을 갈구하던 화가 자신의 비극적 운명관과 처절한 심리가 투영된 것으로 해석되기 한다.
살로메는 의붓아버지인 헤롯 왕 앞에서 춤을 춘 대가로 소원을 들어주겠다는 약속을 받았다(마태복음·마가복음). 어머니의 부추김을 받은 그녀는 세례자 요한의 머리를 쟁반에 담아 달라고 요구했다. 이 작품에서는 이례적으로 살로메가 처형 집행인에게서 요한의 머리를 건네받으면서 고개를 돌리고 있다. 그녀는 혐오감을 느끼는 것일까, 아니면 후회하고 있는 것일까? 이 작품은 카라바조가 한 남자를 살해한 뒤 로마를 떠날 수밖에 없었던 이후에 제작된 말년의 작품이다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
아르테미시아 젠틸레스키(Artemisia Gentileschi)가 <알렉산드리아의 성 카타리나로서의 자화상(Self-Portrait as Saint Catherine of Alexandria, 1615~1617)>이다. 성 카타리나를 고문하던 부서진 바퀴 조각을 오른손으로 굳게 쥐고 있으며, 왼손에는 순교를 상징하는 종려나무 가지(Palm frond)를 들고 있다. 어두운 배경 속에서 인물의 얼굴, 목, 그리고 손으로 빛이 쏟아져 내린다. 의상의 극적인 붉은색과 푸른색 옷주름이 인물의 존재감을 더욱 부각시킨다.
아르테미시아 젠틸레스키는 자신을 알렉산드리아의 성 카타리나로 표현했다. 그녀는 순교자의 종려나무 가지를 들고 있으며, 한 손은 자신의 순교를 상징하는 못이 박힌 수레바퀴 위에 얹고 있다. 화가는 자신의 작품에 자신의 모습을 자주 등장시켰다. 이는 그녀가 직업적인 독립과 성공을 추구하는 과정에서 자신을 홍보하기 위한 전략이었을 수 있다. 인물을 화면 가까이 밀착시켜 잘라낸 구도와 극적인 조명은 카라바조의 영향을 크게 보여준다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
카라바조의 <엠마오에서의 저녁 식사(The Supper at Emmaus, 1601)>이다. 수염 난 30대 예수의 모습 대신, 수염이 없고 다소 통통하며 선한 인상의 젊은 예수로 표현했다. 왼쪽 위에서 사선으로 내리쬐는 강렬한 빛은 인물들의 표정과 제스처를 선명하게 부각하고 있다. 탁자 위 빵과 구운 닭, 와인, 과일 바구니 등은 정물화 자체로서도 경이로운 세밀함과 도상적 의미(원죄, 수난, 부활 등)를 지니고 있다.
그리스도의 두 제자가 엠마오로 가는 길에서 한 나그네를 만나 저녁 식사에 초대한다. 나그네가 빵을 축복하는 순간, 그들은 그가 부활한 그리스도임을 깨닫는다. 그리스도는 천상의 빛을 발하며 빛나고 있다. 깜짝 놀란 한 제자는 의자에서 벌떡 일어나고, 다른 제자는 두 팔을 크게 벌린다. 그의 옷에는 성 야고보 대제의 상징인 조개껍데기가 달려 있는데, 이는 순례자들이 착용하던 표식이다. 늦여름의 과일을 담은 바구니는 테이블 가장자리에 아슬아슬하게 걸쳐 있다. 이 작품은 로마의 귀족 치리아코 마테이(1614년 사망)의 의뢰로 제작되었다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
유럽 전역에 미친 카라바조의 영향
미켈란젤로 메리시 다 카라바조(1571~1610)는 1600년경, 로마의 콘타렐리 예배당을 위해 성 마태오의 생애를 주제로 한 두 점의 그림을 처음으로 공공 의뢰받으면서 일약 명성을 얻었다. 젊은 화가들은 이 작품들을 보기 위해 몰려들었다. 강렬한 명암과 극적인 ‘순간 포착’식 구도는 당시로서는 전혀 새로운 것이었으며, 성경 이야기를 당시의 현대적인 로마를 배경으로 표현한다는 발상 역시 매우 혁신적이었다. 카라바조는 거리에서 만난 사람들을 모델로 삼았으며, 심지어 당시 로마에서 잘 알려진 매춘부들도 모델로 기용했다. 그의 회화는 매우 급진적으로 현대적이었다. 비록 그는 불과 38세의 나이로 세상을 떠났지만, 카라바조는 회화에 혁명적인 변화를 일으켰다. 그는 유럽 전역의 여러 세대 화가들에게 영향을 미쳤으며, 그 영향은 네덜란드의 헤릿 판 혼토르스트(1592~1656)에서부터 나폴리의 후세페 데 리베라(1591~1652), 스페인의 디에고 벨라스케스(1599~1660)에 이르기까지 폭넓게 나타났다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
구에르치노(Guercino)의 <성 토마스의 의심(The Incredulity of Saint Thomas, 1621)>이다. 강한 조명 효과는 예수의 하얗고 신성한 신체와 토마스의 주름진 얼굴, 거친 손을 대비시킨다. 어두운 배경 덕분에 관람객의 시선은 손가락이 상처에 닿는 극적인 지점으로 자연스럽게 집중된다. 반신상 인물들을 밀집시켜 배치함으로써 연극적인 몰입감을 더했다.
토마스는 그리스도가 죽음에서 부활했다는 것을 믿으려면 자신의 상처를 직접 만져 보아야 한다고 말했다. 그의 얼굴은 그림자 속에 가려져 있으며, 빛을 받아 환하게 빛나는 그리스도의 몸을 향해 손을 뻗고 있다. 토마스는 아직 그리스도를 알아보지 못하고 있다. 반면 왼쪽에 있는 성 베드로는 계시를 깨달은 듯 얼굴이 환하게 빛나고 있다. 과르치노는 볼로냐에서 카라바조가 이 주제를 그린 작품의 한 버전을 보았을 가능성이 있다. 그 작품은 현재 베를린에 소장되어 있다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
바로크의 화려함 (Baroque Splendour) 이탈리아 회화 1600–1700
바로크 미술은 이탈리아에서 탄생했습니다. 그 이름은 ‘일그러진 진주’를 뜻하는 포르투갈어 단어에서 유래했을 가능성이 있습니다. 오늘날 바로크는 역동적인 구도, 극적인 조명, 생생한 색채, 그리고 강렬한 감정을 담은 회화를 상징하게 되었습니다. 이 시기 이탈리아에서는 두 가지 서로 다른 화풍이 등장했습니다. 볼로냐에서는 카라치(Carracci) 가문이 고대 고전 미술품에서 영감을 받아 우아하고 이상화된 그림들을 그려냈습니다. 그들의 아카데미는 이 전시실에 작품이 걸려 있는 귀도 레니(Guido Reni), 도메니키노(Domenichino)와 같은 수많은 화가들을 배출했습니다. 한편 거칠고 폭력적인 로마의 거리에서는 젊은 카라바조(Caravaggio)가 예술적 혁명을 일으켰습니다. 찢어진 옷과 더러운 손톱을 가진 실제 사람들을 화폭에 담아낸 그의 강렬한 자연주의는 파격적이고 즉각적인 충격을 주었으며, 유럽 전역의 화가들에게 영감을 주었습니다. 저명한 미술사학자 데니스 마혼 경(Sir Denis Mahon, 1910–2011)의 컬렉션 중 25점의 회화가 2013년 아트 펀드(Art Fund)를 통해 내셔널 갤러리에 기증되었습니다. 이 기증품은 내셔널 갤러리가 소장한 이탈리아 바로크 회화의 폭과 질을 크게 향상시켰습니다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
<출처>
- 현장안내문, The National Gallery, 2026년
- The National Gallery, London 공식 홈페이지 (https://www.nationalgallery.org.uk/), 2026.10.03. 검색
- ‘National Gallery’, wikipedia, 2027년
- 구글 Gemini 3 Flash 응답 내용 (2026.10.03 확인)
- OpenAI, <ChatGPT (GPT-5.3)>의 답변, 2026년 10월 03일 작성
- Anthropic. (2026). Claude Sonnet 5.5 [대규모 언어 모델]. https://claude.ai, 10월3일 확인