30번째 전시실은 <권력과 피에타 (Power and Piety)>라는 주제로 17세기 스페인 회화 작품을 전시하고 있다. 당시 스페인은 유럽과 아메리카·필리핀에 걸친 광대한 제국을 건설한 세계적인 강국이었으며, 식민지에서 유입된 막대한 부는 스페인 미술의 황금기를 이끌었다. 스페인의 화가들은 주로 왕실과 가톨릭 교회를 위해 자연주의와 강한 종교적 감정을 담은 작품을 제작했다. 디에고 벨라스케스(Diego Velázquez), 바르톨로메 에스테반 무리요(Bartolomé Esteban Murillo) 등 를 비롯하여 스페인 전성기를 상징하는 여러 작품들을 전시하고 있다.
디에고 벨라스케스(Diego Velázquez)의 <페르난도 데 발데스 대주교의 초상 (Portrait of Archbishop Fernando de Valdés, 1640–45년경)>이다. 수척하면서도 완고한 대주교의 눈빛, 정교한 수염, 붉은색 수단(Soutane)과 흰색 로체트(Rochet, 성직자 의복)의 선명한 대비가 특징이다.
펠리페 4세(1605~1665) 치하의 궁정에서 막강한 영향력을 행사했던 페르난도 데 발데스(Fernando de Valdés, 1575~1639)는 1633년 그라나다 대주교와 카스티야 의회 의장으로 임명되었다. 이 그림은 아마도 그가 사망한 1639년 이후에 제작된 것으로 보인다. 원래 발데스의 전신 초상화였던 작품에서 잘라낸 부분일 가능성이 있다. 편지를 들고 있는 인물의 손을 보여주는 또 다른 단편은 한때 스페인 왕실 컬렉션에 소장되어 있었다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
바르톨로메 에스테반 무리요(Bartolomé Esteban Murillo)의 <어린 세례자 요한과 어린양 (The Infant Saint John with the Lamb, 1660~1665)>이다. 종교적 인물을 엄숙하고 경배의 대상로만 그리기보다, 인간적이고 따뜻하며 서정적인 분위기로 표현하고 있다. 어린 요한의 부드러운 피부 톤, 발그레한 볼, 포근한 눈빛은 보는 이로 하여금 깊은 친근감을 느끼게 한다. 어두운 배경을 등지고 인물에게 빛을 집중시켜 입체감과 극적인 효과를 극대화했다.
이 그림은 부유한 성직자 후스티노 데 네베(Justino de Neve)를 위해 제작되었다. 무리요는 이 작품과 거의 같은 시기에 그의 초상화도 그렸으며, 그 초상화 역시 현재 내셔널 갤러리 컬렉션에 소장되어 있다. 세례자 요한 성인은 그리스도를 상징하는 어린양과 다정하게 껴안고 있다. 무리요는 성경 속 인물들을 어린아이의 모습으로 표현하는 경우가 많았으며, 이를 통해 순수하고 천진난만한 느낌을 부여했다. 이러한 순수함은 특히 18세기 영국에서 큰 찬사를 받았다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
바르톨로메 에스테반 무리요의 <술을 마시는 젊은이 (A Young Man Drinking, 1655~1660)>이다. 젊은 남성이 술이 담긴 유리잔을 받쳐 들고 잔을 비우고 있다.어두운 배경 속에서 인물의 얼굴과 손, 그리고 유리잔에만 빛이 집중되도록 처리하여 바로크 미술 특유의 극적인 입체감을 살렸습니다.
장난기 어린 젊은 술꾼이 한쪽 팔로 술병을 감싸 지키면서, 다른 손으로 잔을 우아하게 들어 입술에 대고 있다. 그는 포도나무 잎으로 만든 화관을 쓰고 있는데, 이는 술의 신 바쿠스(Bacchus)와 관련된 상징물이다. 이 그림은 포도 수확의 계절인 가을을 알레고리적으로 표현한 것이거나, 미각을 의인화한 작품일 가능성이 있다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
디에고 벨라스케스의 <멧돼지 사냥(La Tela Real, Philip IV hunting Wild Boar, 1632~1637)>이다. 넓은 숲속 공터에서는 국왕 펠리페 4세와 수행원들이 멧돼지 사냥을 벌이고 있는 긴장감 넘치는 정경이 펼쳐진다. 광활한 자연 공간 속에서 펼쳐지는 빛과 대기의 변화, 그리고 수많은 군중의 군상 움직임을 탁월한 자연주의적 화법으로 담아냈다.
군중이 지켜보는 가운데, 펠리페 4세(1605–1665)가 측근 고위 신하들과 함께 천으로 둘러친 사냥터에서 사냥을 즐기고 있습니다. 스페인어로 천을 뜻하는 tela에서 이러한 사냥 공간을 가리키는 이름이 유래했습니다. 오른쪽에 있는 왕은 자신에게 돌진하는 멧돼지를 막아내고 있습니다. 이를 이사벨 왕비(1602–1644)가 지켜보고 있는데, 아마도 가장 가까운 마차에 앉아 있는 여성이 왕비일 것입니다. 벨라스케스는 화면 앞쪽에 배치된 생동감 넘치는 인물들을 특히 세심하게 그렸습니다. 어떤 사람들은 사냥 장면을 지켜보고, 다른 사람들은 이야기를 나누거나 술을 마시며 여유롭게 시간을 보내고 있습니다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
바르톨로메 에스테반 무리요의 <창틀에 기대어 있는 소년(A Peasant Boy leaning on a Sill, 1675~1680)>이다. 소년의 하얀 셔츠는 두꺼운 물감 층으로 질감을 살려 환하게 처리한 반면, 배경이나 그림자 부분은 거칠고 빠른 붓터치로 처리해 소년의 생동감 넘치는 모습을 돋보이게 하고 있다. 농촌 소년이나 길거리 아이의 자연스러운 일상을 따뜻하고 인간미 넘치는 시선으로 담아내고 있다.
무리요는 어린이를 그린 그림으로 유명했습니다. 이 소년의 장난기 어린 미소와 자연스러운 자세는 화가의 후기 특유의 자유롭고 느슨한 붓질로 표현되어 있으며, 세비야 거리에서 흔히 볼 수 있었던 일상적인 장면에서 영감을 받은 것으로 보입니다. 이 작품은 1826년 내셔널 갤러리에 기증되었으며, 당시 미술관 소장품에 들어온 최초의 스페인 회화였습니다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
바르톨로메 에스테반 무리요의 <자화상(Self-Portrait, 1670)>이다. 액자 모서리에 자신의 손과 자화상 일부가 걸쳐져 있는 듯한 일종의 착시 기법을 사용했다. 지혜와 연륜이 묻어나는 진지한 눈빛으로 관람객을 응시하고 있다. 어두운 배경 속에서 빛을 받는 그의 얼굴과 손은 극적인 대비를 이루고 있다. 자신의 노년기 모습을 가식 없이 진솔하면서도, 높은 품격을 고귀하게 담아내고 있다.
이 작품은 무리요가 남긴 것으로 알려진 두 점의 자화상 가운데 하나입니다. 그는 손을 석조 액자에 걸쳐 놓아 그림과 현실의 경계를 재치 있게 흐릿하게 표현했습니다. 아래 선반에는 분필 그림, 팔레트, 붓이 놓여 있는데, 이는 화가를 상징하는 도구들입니다. 라틴어 명문에 따르면, 그는 자녀들을 위해 이 그림을 그렸습니다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
바르톨로메 에스테반 무리요의 <베데스다 연못가에서 중풍 환자를 고치시는 그리스도(Christ healing the Paralytic at the Pool of Bethesda, 1667~1670)>이다. 하늘 위에는 황금빛 빛무리와 함께 천사가 내려다보고 있고, 주변으로는 고통받는 다른 환자들과 제자들이 이 기적을 숙연하게 지켜보고 있다. 육체적·정신적 고통 속에 놓인 약자에 대한 연민과 치유의 기쁨을 웅장한 스케일과 섬세한 터치로 녹아낸 무리요 종교화의 걸작이다.
그리스도께서 베데스다 연못의 치유의 못에서 마비된 노인에게 손을 내밀어 기적적으로 그를 치유하고 계십니다(요한복음). 하늘 위에서는 황금빛 후광에 둘러싸인 천사가 물을 축복하고 있습니다. 무리요는 자선의 행위를 주제로 한 6점의 연작 가운데 하나로 이 대형 작품을 제작했으며, 자신이 회원으로 있던 세비야 자비 형제회(Confraternity of the Caridad) 교회를 위해 그렸습니다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
후안 바우티스타 마르티네스 델 마소(Juan Bautista Martínez del Mazo)의 작품으로 추정되는 <돈 아드리안 풀리도 파레하(Don Adrián Pulido Pareja, 1647)>이다. 어두운 단색 배경 속에서 주인공의 존재감이 강렬하게 드러난다. 화려한 흰색 레이스 칼라, 정교하게 반짝이는 실크 소매, 그리고 권력을 상징하는 붉은색 허리띠와 지휘봉이 검은색 옷과 극적인 대비를 이룬다. 벨라스케스풍 초상화의 특징이 강하게 보인다.
아드리안 풀리도 파레하(1606–1660)는 스페인 해군의 총사령관으로, 대서양을 횡단하는 함대를 지휘했습니다. 1647년에는 산티아고 기사단의 기사로 서임되었으며, 그의 허리띠에는 기사단의 휘장이 걸려 있습니다. 그는 멕시코에서 사망했습니다. 그림에 있는 명문과 높은 수준의 화풍 때문에 한때 벨라스케스의 작품으로 여겨지기도 했지만, 현재는 벨라스케스의 사위인 후안 바우티스타 마르티네스 델 마소(Juan Bautista Martínez del Mazo)가 그렸을 가능성이 더 높은 것으로 보입니다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
바르톨로메 에스테반 무리요의 <천상과 지상의 삼위일체(The Heavenly and Earthly Trinities, 1675~1682)>이다. 천상의 삼위일체와 지상의 삼위일체를 동시에 보여주고 있다. 신학적 주제를 매우 따뜻하고 인간적인 가정의 풍경처럼 풀어내고 있다. 감미로운 색채 사용, 마리아의 부드러운 손짓, 그리고 빛과 어둠을 자연스럽게 연결하는 명암 조율이 보는 이에게 깊은 평온함과 경건함을 선사하고 있다.
그리스도께서 부모인 성모 마리아와 성 요셉의 손을 잡고 있습니다. 이 세 사람은 천상의 삼위일체, 즉 그리스도·성부 하느님·성령(비둘기의 모습으로 나타남)에 대응하는 지상의 삼위일체를 이룹니다. 스페인에서는 거의 묘사되지 않았던 이 복잡한 주제는, 인간이면서 동시에 신적인 존재로 여겨지는 그리스도의 이중적 본성을 강조합니다. 이 온화하고 따뜻한 작품은 무리요가 생애 말년에 그린 작품입니다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
디에고 벨라스케스(Diego Velázquez)의 <비너스의 단장 (The Toilet of Venus, 일명 ‘록비 비너스 The Rokeby Venus’, 1647–51)>이다. 벨라스케스는 붉은 커튼과 하얀 실크, 짙은 붉은 방석 위에 누워 있는 비너스의 부드럽고 사실적인 피부 질감을 특유의 느슨하고 세련된 붓터치로 완성했다.
비너스가 침대에 누워 있고, 날개 달린 큐피드가 거울을 받쳐 들고 있습니다. 흐릿하게 비친 거울 속 모습은 비너스가 자신의 얼굴을 바라보는 것이 아니라 관람자를 바라보고 있음을 암시합니다. 17세기 스페인 미술에서 여성 누드는 매우 드문 주제였습니다. 이 작품은 벨라스케스가 그린 이 주제의 유일하게 현존하는 작품으로, 당시 스페인 왕실 컬렉션에 소장되어 있던 티치아노(Titian, 약 1506년 활동 시작–1576)와 루벤스(Rubens, 1577–1640)의 누드화에 화답하여 제작한 것으로 보입니다. 19세기에는 이 그림이 영국 북부의 로키비 파크(Rokeby Park)에 소장되어 있었으며, 현재의 작품명인 〈로키비의 비너스〉는 여기에서 유래했습니다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
디에고 벨라스케스가 그린 <갈색과 은색 의상의 스페인 국왕 펠리페 4세(Philip IV of Spain in Brown and Silver, 1631~1632)>이다. 두꺼운 물감 층과 붓놀림을 활용해, 은실이 빛을 받아 금속처럼 반짝이는 질감과 실크의 고급스러운 광택을 눈앞에서 보는 듯 생생하게 살려냈다. 독특한 턱수염과 살짝 처진 눈매를 가감 없이 그리면서도, 절대권력자의 차가운 위압감보다는 지적이고 안정된 분위기를 풍기도록 연출했다.
왕은 유난히 화려한 의상을 입고 있습니다. 그는 평소 검은색 옷을 입은 모습으로 묘사되었기 때문에, 정교한 벨벳과 실크로 만들어진 이 의상은 특별한 행사를 위해 제작되었으며, 이 그림은 바로 그 행사를 기념하기 위해 그려진 것으로 보입니다. 중요한 작품에만 서명을 남겼던 벨라스케스는 왕이 손에 들고 있는 탄원서(petition) 위에 자신의 서명을 넣었습니다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
디에고 벨라스케스의 <스페인 국왕 펠리페 4세(Philip IV of Spain, 1656)>이다. 펠리페 4세를 모델로 삼아 그린 마지막 초상화라이다. 권력의 허황된 과시를 걷어내고, 늙어가는 군주의 인간적인 진면모를 정직하면서도 품격 있게 담아내고 있다.
이 작품은 벨라스케스가 1623년부터 섬겨온 펠리페 4세(1605–1665)를 그린 마지막 초상화일 가능성이 높습니다. 이 초상화가 그려질 당시 약 50세였던 왕은 벨라스케스의 그림에서 자신이 늙어가는 모습을 보는 것을 불편해했다고 전해집니다. 왕은 골리야(golilla)라고 불리는 딱딱한 흰색 칼라를 착용하고 있습니다. 목에 걸린 사슬에는 황금양모 기사단(Order of the Golden Fleece)의 휘장이 달려 있습니다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
알론소 카노(Alonso Cano)의 <원죄 없는 잉태(The Immaculate Conception, 1628)>이다. 성모 마리아가 태어날 때부터 원죄에 들지 않았다는 가톨릭 교리를 시각화한 것이다. 마리아의 옷자락과 주변을 감싸는 부드러운 빛의 흐름, 그리고 차분하면서도 경건한 색채 조율을 능숙하게 구사했다. 거칠지 않고 섬세한 붓놀림을 통해 성모의 신성함과 순수함을 극대화하여 전달하고 있다.
황금빛 광채 속에서 나타난 성모 마리아가 두 손가락을 모아 기도하는 자세를 취하고 있으며, 그녀를 상징하는 여러 속성들이 주변에 배치되어 있습니다. 카노는 벨라스케스의 스승이었던 프란시스코 파체코(Francisco Pacheco)에게서 수학했습니다. 카노의 〈무염시태〉는 근처에 전시된 벨라스케스의 작품과 마찬가지로, 이 주제를 어떻게 표현해야 하는지에 관한 파체코의 지침을 따르고 있습니다. 이 작품은 세비야의 한 교회 제단화로 주문 제작되었으며, 비교적 최근에 다시 발견된 작품입니다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
디에고 벨라스케스의 <마르다와 마리아의 집의 그리스도(Christ in the House of Martha and Mary, 1618)>이다. 주방이나 선술집 풍경을 그린 정물·풍속화와 성경 이야기를 결합한 독창적인 형식이다. 그릇에 담긴 생선, 계란 프라이, 질그릇 등의 질감과 빛의 반사를 눈부시게 사실적으로 포착해 내고 이다. 젊은 날의 벨라스케스의 천재적인 관찰력과 사실주의 화법의 극치를 보여준다.
시무룩한 표정의 하녀가 절구에 마늘을 빻고 있고, 한 노파가 이를 지켜보고 있습니다. 화면 한쪽 구석에 그려진 성경 장면에서는 마르타가 동생 마리아가 자신의 일을 내버려두고 그리스도의 가르침을 듣고 있다며 불평합니다. 그러자 그리스도는 마리아가 옳은 일을 하고 있다고 말씀하십니다. 노파의 몸짓은 관람객에게 성경 속 이야기와 일상생활의 장면 사이에 존재하는 미묘하고 모호한 관계를 생각해 보도록 유도합니다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
디에고 벨라스케스의 <채찍질 당하신 후 기독교 영혼의 묵상을 받는 그리스도(Christ contemplated by the Christian Soul, 1628~1629)>이다. 지친 육신, 축 늘어진 고개, 고통이 여전히 서린 표정은 처참했던 고난의 흔적을 가감 없이 보여주고 있다. 신비로운 천상적 존재와 지상의 비극적인 현실을 자연스럽게 한 캔버스 안에 엮어낸 극적연출력을 보여주고 있다.
천사는 무릎 꿇고 있는 어린아이에게 몸짓을 하며 그에게 그리스도를 바라보도록 이끈다. 이 아이는 영혼을 의인화한 존재이다. 그리스도는 기둥에 묶인 채 채찍질을 당했으며, 화면 전경에는 그때 사용된 채찍과 밧줄이 놓여 있다. 그리스도에게서 아이의 심장을 향해 한 줄기 빛이 뻗어 있는데, 이는 기도의 중요성을 상징적으로 보여준다. 이 주제는 매우 드문 것으로, 세비야 출신 화가들의 몇몇 작품에서만 나타난다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
디에고 벨라스케스의 <밧모섬의 사도 요한 (Saint John the Evangelist on the Island of Patmos(1618~1619)>이다. 강렬한 명암 대비를 사용하여 조명을 받은 것처럼 요한의 모습과 쥐고 있는 깃펜, 종이를 극적으로 부각하고 있다. 눈앞에 펼쳐진 계시를 황홀경 속에서 바라보며 기록하려는 찰나의 긴장감을 생생하게 전달하고 있다.
성 요한은 요한계시록을 집필하던 중 하늘의 여인과 용이 나타나는 환상을 보고 있다. 이 환상은 성모 마리아가 원죄 없이 잉태되었다는 교리(Immaculate Conception)와 관련되어 있다. 이 작품은 아마도 세비야의 한 수도원을 위해, 짝을 이루는 작품인 〈Immaculate Conception〉(근처에 전시됨)와 함께 제작된 것으로 보인다. 벨라스케스가 약 20세 때 그린 작품으로, 현재 알려진 그의 초기 작품 가운데 가장 이른 시기의 작품들에 속한다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
디에고 벨라스케스의 <원죄 없는 태임 (The Immaculate Conception, 1618~1619)>이다. 신성한 성모를 그릴 때 평범한 젊은 여성을 모델로 삼아 친근하면서도 차분한 분위기를 연출했다. 성모를 감싸는 은은하고 따뜻한 황금빛 후광과 붉은색·푸른색 옷의 색조는 <밧모섬의 사도 요한>의 색감과 대칭적 조화를 이룬다. 지상의 어둠과 천상의 밝음이 대비되고 있다.
성모 마리아가 초승달 위에 서 있고 머리에는 별의 관을 쓰고 있어, 이 작품이 무염시태(無染始胎, Immaculate Conception)를 표현한 것임을 보여준다. 아래에 그려진 성전, 배, 샘 역시 성모 마리아를 상징하는 요소들이다. 벨라스케스는 적갈색 머리의 젊은 성모를 매우 사실적으로 묘사했다. 성모의 모습은 실제 인물을 모델로 삼은 것으로 보이며, 이는 짝을 이루는 작품인 〈파트모스 섬의 성 요한 복음사가〉(근처에 전시됨)에 등장하는 성 요한의 모습과도 유사하다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
후안 데 발데스 레알(Juan de Valdés Leal)의 <기증자와 함께 있는 원죄 없는 잉태 (The Immaculate Conception with Two Donors, (1661)>이다. 화면 아래쪽에 두 명의 남성 기증자(Donors)가 무릎을 꿇고 경건하게 기도하는 모습이 함께 그려져 있다. 바로크 특유의 역동적인 구도, 소용돌이치는 옷자락, 극적인 감정의 고조가 두드러진다.
무염시태(無染始胎)는 성모 마리아가 원죄 없이 잉태되었다는 믿음을 표현한 것이다. 성모는 달 위에 서 있으며, 주변에는 성모를 상징하는 왕관, 거울, 백합 등의 표지를 든 작은 천사들(케루빔)이 소용돌이치듯 둘러싸고 있다. 이 주제는 발데스 레알(Valdés Leal)이 활동했던 세비야에서 특히 인기가 높았다. 화면 아래쪽에 있는 남성 봉헌자는 아마도 세비야 대성당의 성직자(참사회원)였을 것으로 추정된다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
후안 데 발데스 레알의 <이삭의 번제 (The Sacrifice of Isaac, 1657~1659)>이다. 화면을 가로지르는 빛의 대비가 매우 강렬하다. 천사가 등장하는 하늘 쪽은 찬란한 빛과 함께 휘날리는 노란색 천의 화려한 색감이 강조되어 신성함을 더하고 있다. 지상의 제단과 인물 주변은 어두운 배경을 깔아, 긴장감과 비장함을 극대화하고 있다. 근육의 긴장감, 펄럭이는 옷자락의 곡선, 인물들의 다급한 표정 등에서 발데스 레알 특유의 에너지가 넘쳐흐른다.
하느님께서는 아브라함의 순종을 시험하기 위해 외아들 이사악을 죽이라고 명령하셨다. 아브라함이 막 칼을 들어 올리는 순간, 천사가 그의 손을 붙잡아 멈추게 한다. 아브라함은 자신의 믿음과 순종을 입증했으며, 이사악은 목숨을 건질 수 있게 된 것이다. 발데스 레알은 아들의 목숨을 바쳐야 하는 아버지의 고통스러운 결의와 아들의 완전한 무방비 상태를 강렬하게 표현했다. 이 작품은 니콜라스 오마수르(Nicolás Omazur, 약 1630~1698)가 소장했던 것으로, 그는 무리요의 주요 후원자 가운데 한 명이었던 플랑드르 출신의 상인이다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
프란시스코 데 수르바란(Francisco de Zurbarán)의 <안티오키아의 성 마르가리타 (Saint Margaret of Antioch, 1630~1634)>이다. 성 마르가리타를 화려한 왕실 공주가 아니라 당시 스페인의 평범한 양치기 소녀의 모습으로 묘사했다. 발치에는 악마를 상징하는 거대한 용이 순종적인 개처럼 웅크리고 있다. 신앙의 힘으로 악을 제압한 성녀의 의연함을 돋보이게 하고 있다.
양치기 복장을 한 성 마르가리타는 한 손에 목동의 지팡이를 들고, 다른 손으로는 책장을 짚어 표시하면서 발밑에서 으르렁거리는 용을 태연히 무시하고 있다. 전설에 따르면 마르가리타는 자신을 삼킨 용의 뱃속에서 상처 하나 없이 빠져나왔다고 한다. 마르가리타는 임산부의 수호성인이다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
프란시스코 데 수르바란의 <명상하는 성 프란치스코 (Saint Francis in Meditation, 1635~1639)>이다. 화면 전체가 깊은 어둠에 잠겨 있으며, 강렬한 빛이 성 프란치스코의 머리와 어깨, 그리고 낡은 수도복의 거친 질감만을 비추고 있다. 뻣뻣하고 거친 모직 수도복의 굵은 주름과 꿰맨 자국 등이 입체적이고 사실적으로 묘사되어 있어, 성인의 청빈한 삶을 시각적으로 강하게 전달한다.
성 프란치스코(1182~1226)는 프란치스코회에서 갈라져 나온 분파인 카푸친회의 거친 수도복을 입고 있다. 카푸친회는 당시 스페인에서 특히 활발하게 활동했다. 그는 죽음을 상징하는 해골을 바라보며 명상하고 있다. 오른손등에는 그리스도가 십자가에서 입은 상처를 희미하게 나타내는 성흔(聖痕, stigmata)이 보인다. 성 프란치스코는 생애 말년에 이 성흔을 받았다고 전해진다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
주세페 데 리베라(Jusepe de Ribera)의 <죽은 그리스도를 애도함 (The Lamentation over the Dead Christ, 1620)>이다. 강한 빛이 그리스도의 창백한 시신과 슬픔에 찬 인물들의 얼굴, 손동작을 극적으로 비추고 있다. 강력한 명암 대비는 관람자로 하여금 죽음의 비참함과 슬픔을 온몸으로 직면하게 만들고 있다. 인물들이 화면 전면에 꽉 차게 배치되어 있어, 마치 그 슬픔의 현장 한가운데에 가까이 다가간 듯한 심리적 압박감과 깊은 공감대를 느끼게 하고 있다.
성 요한 복음사가는 창백한 그리스도의 시신을 부축하고 있으며, 그의 어머니인 성모 마리아와 막달라 마리아가 슬퍼하고 있다. 빛과 어둠이 극적으로 대비되는 표현은 카라바조(Caravaggio, 1571~1610)의 극적인 회화들을 떠올리게 한다. 리베라는 이탈리아의 로마에서 여러 해 동안 머물렀으며, 그곳에서 카라바조의 작품을 직접 접했을 것으로 보인다. 이후 리베라는 나폴리에 정착하여 여생을 그곳에서 활동했다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
주세페 데 리베라의 <성 히에로니무스 (Saint Jerome, 1642)>이다. 늙고 주름진 인간의 육체를 놀라울 정도로 정직하고 사실적으로 포착했다. 어두운 배경 속에서 빛이 그의 상체와 성경책을 비추고 있다. 이 명암 대비는 그가 세상의 유혹을 끊어내고 오직 말씀에만 집중하고 있음을 시각적으로 강조하고 있다.
리베라는 나이 든 성 예로니무스(제롬)의 주름진 이마와 마르고 금욕적인 몸을, 그가 뛰어난 기량으로 인정받았던 자유롭고 거침없는 붓놀림으로 표현했다. 두루마리, 책, 깃펜은 성인의 저술과 성경을 라틴어로 번역한 업적을 암시한다. 리베라는 경력의 대부분을 이탈리아에서 활동했지만, 서명에는 자신의 스페인 출신이라는 정체성을 자주 강조했으며, 이 작품에서도 그러한 특징이 나타난다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
베르나르도 카발리노(Bernardo Cavallino)의 <성 바르톨로메오 (Saint Bartholomew, 1640~1645)>이다. 바르톨로메오가 잔혹한 순교를 겪는 순간임에도 불구하고, 끔찍한 잔인함보다는 성인의 깊은 체념, 신앙적 초연함, 그리고 고요한 슬픔에 초점을 맞추고 있다. 성인의 몸을 비추는 따뜻하면서도 창백한 빛, 그리고 그가 걸치고 있는 옷의 풍부하고 깊은 색감이 화가의 뛰어난 기교를 잘 보여주고 있다.
성 바르톨로메오는 자신을 순교하게 만든 칼을 움켜쥐고 있다. 어깨에서 망토가 흘러내리면서, 드러난 피부에는 붓질의 흔적이 생생하게 남아 있어 놀라울 정도로 사실적인 질감을 보여준다. 17세기 전반 나폴리에서 활동한 많은 화가들과 마찬가지로, 카발리노는 인체의 살결을 탁월하게 표현한 화가 주세페 데 리베라에게서 영감을 받았다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
권력과 피에타 (Power and Piety) 스페인 회화 1600–1700
1500년대 말 스페인은 세계적인 강국이었습니다. 통치 가문인 합스부르크 왕가는 오늘날의 벨기에, 네덜란드 일부, 이탈리아 남부 전역을 포함해 유럽 전역의 영토를 지배했습니다. 그들은 또한 바다 건너 아메리카 대륙과 필리핀의 땅을 정복하고 식민화했습니다. 이 광대하고 다양한 제국의 수탈을 통해 스페인으로 막대한 부가 들어왔고, 이는 예술적 번영의 시기를 이끌었습니다. 스페인 화가들은 주로 왕실과 가톨릭 교회를 위해 그림을 그렸으며, 자연주의와 깊은 종교적 감정을 특징으로 하는 다양한 양식을 발전시켰습니다. 당대 최고의 화가는 디에고 벨라스케스(Diego Velázquez)였습니다. 1623년 그는 스페인의 먼 해외 영토와의 무역 중심지였던 세비야에서 스페인 제국 권력의 중심지인 마드리드로 이주했습니다. 1621년부터 1665년까지 재위한 펠리페 4세의 궁정 화가로서, 그는 느슨하고 형식에 구애받지 않는 붓터치를 활용한 정교한 화법을 발전시켰습니다. 벨라스케스가 초상화가로서 독보적인 입지를 구축한 반면, 세비야에서 활동한 프란시스코 데 술바란(Francisco de Zurbarán)과 바르톨로메 에스테반 무리요(Bartolomé Esteban Murillo)는 종교 기관을 위한 그림을 전문으로 했습니다. 스페인령 이탈리아의 수도는 나폴리였습니다. 그곳에서는 스페인에서 이주해 온 영향력 있는 화가 호세페 데 리베라(Jusepe de Ribera)가 주도권을 잡았습니다. 그의 작품들은 명암의 극적이고 감정적인 대비를 실험했습니다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
<출처>
- 현장안내문, The National Gallery, 2026년
- The National Gallery, London 공식 홈페이지 (https://www.nationalgallery.org.uk/), 2026.10.06. 검색
- ‘National Gallery’, wikipedia, 2027년
- 구글 Gemini 3 Flash 응답 내용 (2026.10.06 확인)
- OpenAI, <ChatGPT (GPT-5.3)>의 답변, 2026년 10월 06일 작성
- Anthropic. (2026). Claude Sonnet 5.5 [대규모 언어 모델]. https://claude.ai, 10월6일 확인