27번째 전시실은 <이탈리아 양식의 풍경화 (The Italianate Landscape)>이라는 주제로 17세기 이탈리아 양식 풍경화(Italianate Landscapes)를 전시하고 있다. 네덜란드, 프랑스, 독일 등 알프스 이북 출신의 북유럽 화가들이 이탈리아의 빛과 풍광에 매료되어 탄생시킨 이상적이고 목가적인 풍경화 장르를 말한다. 17세기 중엽에는 얀 보트가 클로드 로랭의 영향을 네덜란드에 전하며 이탈리아 양식 풍경화의 부흥을 이끌었고, 니콜라스 베르헴 등 후대 화가들에게 큰 영향을 주었다.
니콜라스 베르헴(Nicolaes Berchem)의 <소로 쟁기질을 하는 남자와 청년 (A Man and a Youth ploughing with Oxen, 1650–55)>은 이탈리아 양식 풍경화의 영향을 네덜란드식 농촌 일상 장면과 결합한 작품이다. 이탈리아 특유의 따뜻한 조명과 이상화된 자연 풍경을 완벽히 흡수했다. 여기에 동물의 근육, 쟁기 장비, 흙의 질감 등 네덜란드 화파다운 정교하고 사실적인 세부 묘사를 더했다
베르헴은 하를럼에서 활동하며 이탈리아풍 풍경화를 자주 그렸습니다. 그가 1650년대 중반 이탈리아를 방문했을 가능성도 있지만, 이 그림의 빛은 로마나 나폴리의 빛보다 한층 차갑게 느껴집니다. 또한 높이 솟은 구름은 지중해보다 더 거칠고 거대한 바다에 가까운 지역에서 불어오는 바람을 연상시킵니다. 이 작품은 한때 프랑스 화가 프랑수아 부셰(1703–1770)의 소장품이었습니다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
카렐 뒤야르댕(Karel Dujardin)의 <개울가에서 동물을 돌보는 여인과 소년(A Woman and a Boy with Animals at a Ford, 1657)>이다. 뒤쪽 절벽은 거칠고 황량하지만 물은 시원하고 상쾌하며, 먼지 나는 길의 고단함은 이미 잊힌 듯합니다. 이 대비가 화면에 청량감을 주고 있다. 지친 나귀와 주변에서 차분히 기다리거나 물을 마시는 동물들의 모습을 정교하게 표현하고 있다.
한낮의 무더위 속에서 여인과 소년이 얕은 여울을 건너며 노를 젓고 있고, 곁에서는 노새와 개가 물을 마시고 있습니다. 가까이에는 소 한 마리가 시원한 물속에 잠긴 채 한가롭게 서 있습니다. 이 작품은 두자르댕의 다른 작품들과 마찬가지로 이탈리아의 전원 풍경을 떠올리게 하는 이탈리아풍 풍경화입니다. 특히 그가 로마 주변의 풍경을 직접 관찰하고 그린 스케치들을 바탕으로 제작한 작품으로, 강한 햇빛과 물가에서 느껴지는 시원함을 대비시켜 한낮의 목가적인 분위기를 표현했습니다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
미하엘 스베르츠(Michael Sweerts)의 <굶주린 이들을 먹이기 (Feeding the Hungry, 1646~1649)>이다. 늙은 노인이 지팡이를 짚고 서서 작은 빵 조각을 입으로 가져가고 있다. 그는 차가운 빛을 받으며 눈을 가늘게 뜨고 관람객을 정면으로 강렬하게 응시한다. 그림 속 배경은 어두운 그늘 속에 수많은 사람이 모여 있는 모습이다. 어둠 속에 잠긴 주변 인물들 역시 저마다의 고단함과 삶의 무게를 담고 있다.
굶주린 사람들이 교회 계단에서 음식을 나누어 받고 있습니다. 화면 중앙에는 한 거지가 관람자를 직접 바라보고 있습니다. 로마에서 제작된 이 작품은 ‘칠죄종’이 아니라 ‘자비의 일곱 가지 행위(Seven Works of Mercy)’를 주제로 한 연작 가운데 하나입니다. 이는 《마태복음》에 나타난 그리스도의 가르침에서 비롯된, 이웃을 사랑하고 어려운 사람을 돕는 자비로운 행위의 원칙을 말합니다. 같은 연작의 다른 작품 한 점도 가까이에 전시되어 있습니다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
미하엘 스베르츠의 <학교 교실 (The Schoolroom, 1650)>이다. 방 안에는 다양한 연령대의 아이들이 모여 스승의 가르침을 받고 있는데, 아이들 한 명 한 명에게 살아있는 개성을 부여했다. 어두운 실내 공간 속에서 들어오는 빛이 아이들의 얼굴과 옷자락을 비추어, 공간에 깊이감을 더하고 인물들의 표정을 더욱 돋보이게 만들고 있다.
근처에 전시된 ‘자비의 일곱 가지 행위’를 주제로 한 두 작품과 마찬가지로, 스웨르츠는 로마 거리의 활기찬 일상 풍경에서 영감을 얻었습니다. 이 작품에서는 교실을 배경으로, 화면 중앙의 어린 소년이 글 읽기를 배우고 있습니다. 이러한 기술을 익히기 위해 필요한 집중과 노력은, 밝은 빛을 받고 있는 재봉사가 보여주는 숙련된 솜씨와 장인정신에 재치 있게 비유되고 있습니다. 재봉사 역시 자신의 일에 온전히 몰두하고 있습니다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
미하엘 스베르츠의 <목마른 이들에게 물을 주기 (Refreshing the Thirsty, 1646~1649)>이다. 어둡고 스산한 배경 속에서 오직 물을 건네는 손길과 물을 마시는 사람의 얼굴 위로 따스한 빛이 떨어지도록 연출하여, 이 평범한 자선 행위가 지닌 성스러움과 인간적 온기를 극대화하고 있다. 찢어진 옷소크, 해진 신발, 거친 손길 등의 세밀한 묘사는 당시 17세기 로마 하층민들의 삶을 보여주고 있다.
이 작품은 스웨르츠가 로마에 머무는 동안 제작한 ‘자비의 일곱 가지 행위(Seven Works of Mercy)’ 연작 가운데 하나입니다. 연작의 다른 작품도 가까이에 전시되어 있습니다. 화면 중앙에는 그릇으로 물을 마시려는 순례자가 자리하고 있습니다. 스웨르츠는 다른 사람의 갈증을 해소해 주는 기독교의 근본적인 자선 행위를 당시 로마의 활기찬 현대적 풍경을 배경으로 표현했습니다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
얀 보트(Jan Both)의 <티베르강의 풍경 (A View on the Tiber, near Rome, 1641)>은 17세기 이탈리아 양식 풍경화를 대표하는 작품으로 손꼽힌다. 이탈리아의 고전적이고 전원적인 풍경이지만, 바위의 질감이나 인물의 옷자락, 세밀하게 묘사된 나뭇가지 등에서 북유럽 네덜란드 화파 특유의 세밀한 묘사력이 돋보인다.
이 그림은 로마의 옛 항구인 리파 그란데(Ripa Grande)를 바라본 풍경으로, 배경에는 산타 마리아 델라 토레(Santa Maria della Torre) 성당의 종탑이 보입니다. 그러나 실제 모습을 정확하게 재현한 것은 아니며, 일부 건물은 화가가 상상하여 그린 것으로 보입니다. 얀 보트는 약 1637년부터 이탈리아에 머물렀으며, 이 작품은 이탈리아에서 네덜란드로 돌아온 직후에 제작한 것으로 추정됩니다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
코르넬리스 판 풀렌뷔르흐(Cornelis van Poelenburgh)의 <풍경 속에서 목욕하는 여인들 (Women bathing in a Landscape, 1630)>이다. 맑고 잔잔한 물가 주변에 몇몇 여인들이 모여 목욕을 하거나 옷을 갈아입는 자연스러운 순간이 포착되어 있다. 얇은 유화 물감 층 겹치기 기법 덕분에 도자기처럼 매끄럽고 투명한 표면 질감이 느껴지며, 전체적으로 몽환적이고 시적인 아늑함을 자아내고 있다.
여러 무리의 여인들이 강에서 목욕을 하고 있으며, 다른 여인들은 강둑에 서서 이야기를 나누고 있습니다. 뒤편에는 잡초가 무성하게 자란 고대 유적이 자리하고 있어, 이 장면은 이탈리아의 풍경에서 영감을 받은 것으로 보입니다. 반 포엘렌부르흐는 1617년부터 1627년까지 이탈리아에 머물렀으며, 고전적 유적과 신화 또는 종교적 장면을 결합한 소형 이탈리아풍 풍경화를 전문적으로 그렸습니다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
아담 엘스하이머(Adam Elsheimer)의 원작을 바탕으로 17세기 중반에 제작된 <토비아스와 대천사 라파엘 (Tobias and the Archangel Raphael)>이다. 토비아스가 대천사 라파엘의 지시에 따라 그 거대한 물고기를 땅에 질질 끌며 돌아오는 순간을 포착하고 있다. 17세기 중반에 그를 추종하던 화가에 의해 원작의 매력이 고스란히 재현되어 있다.
이 이야기는 성경 외경인 《토빗서》에서 가져온 것입니다. 대천사 라파엘은 눈먼 아버지 토빗을 대신해 빚을 받으러 길을 떠난 토비아스와 동행했습니다. 라파엘은 토비아스에게 물고기의 내장을 꺼내어 아버지의 시력을 회복시키는 데 사용하라고 가르쳤습니다. 이 작품은 현재 소실된 아담 엘스하이머(Adam Elsheimer)의 작품을 바탕으로 제작되었습니다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
헨드릭 판 발렌 1세(Hendrick van Balen the Elder)와 얀 브뤼겔 1세(Jan Brueghel the Elder)의 화풍을 잇는 화가들의 공동 작업으로 알려진 <시링크스를 쫓는 판 (Pan pursuing Syrinx, 1615)>이다. 작은 구리판 위에 그려져 있어, 나무 판넬이나 캔버스보다 훨씬 매끄럽고 영롱한 질감을 보여준다. 짙은 숲속의 녹음과 강물의 반사, 인물들의 세밀한 움직임이 미니어처처럼 정교하게 담겨 있다.
오비디우스의 《변신 이야기(Metamorphoses)》에 따르면, 판(Pan)은 아르카디아에서 님프 시링크스(Syrinx)를 쫓아갑니다. 시링크스가 라돈강에 이르러 더 이상 도망칠 수 없게 되자, 그녀는 도와달라고 기도하고 그 기도가 이루어집니다. 시링크스는 갈대로 변했고, 판은 이후 그 갈대로 판파이프(pan pipes)를 만들었습니다. 인물은 헨드릭 반 발렌(Hendrick van Balen)이 그렸으며, 풍경은 얀 브뤼헐의 추종자가 그렸습니다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
아담 엘스하이머(Adam Elsheimer)의 <순교를 준비하는 성 로렌스 (Saint Lawrence prepared for Martyrdom, 1600~1601)>이다. 본격적인 화형에 앞서 로렌스가 옷이 벗겨진 채 순교를 의연하게 준비하고 있는 비장한 순간을 포착하고 있다. 로렌스의 차분하고 흔들림 없는 눈빛과 자세는 극한의 고통과 죽음 앞에서도 굴하지 않는 신앙의 깊은 존엄성을 전달하고 있다.
성 라우렌시오(Saint Lawrence)는 기독교회의 숨겨진 보물에 관한 전설적인 이야기를 밝히지 않고 이교 신들을 숭배하기를 거부했다는 이유로, 258년 로마에서 순교했습니다. 화면에는 수염 난 남자가 헤라클레스 조각상을 가리키고 있습니다. 라우렌시오는 석쇠 위에서 고문을 당했으며, 화면 오른쪽 뒤편에서 그 석쇠를 볼 수 있습니다. 한 천사가 그에게 내려오면서 순교자를 상징하는 전통적인 속성인 종려나무 가지를 들고 있습니다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
아담 엘스하이머의 <몰타의 사도 바울 (Saint Paul on Malta, 1600)>이다. 어둠 속에서 장작불의 붉고 강렬한 빛이 바울의 얼굴, 주변 사람들의 놀란 표정, 그리고 웅장한 바위와 폭풍우가 몰아치는 바다의 실루엣을 섬세하게 포착해 내고 있다. 인물들의 생생한 표정, 젖은 옷의 질감, 배경의 거친 파도와 밤하늘의 대기감이 정밀하게 묘사되어 있다.
이 이야기는 신약성경의 《사도행전》에 나옵니다. 난파된 배에서 탈출해 몰타섬에 상륙한 성 바오로가 화면 왼쪽에 보입니다. 불 속에서 독사가 뛰쳐나와 그의 손을 물었지만, 바오로가 아무런 해를 입지 않자 몰타 사람들은 그가 틀림없이 신일 것이라고 믿었습니다. 엘스하이머는 특히 밤의 장면을 표현한 작품으로 유명했으며, 이 작품에서도 어두운 밤을 배경으로 불빛과 인물들을 극적으로 표현했습니다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
바르톨로메우스 브렌베르흐(Bartholomeus Breenbergh)의 <파라오의 딸에게 발견되는 아기 모세 (The Finding of the Infant Moses, 1636)>이다. 상자 속 아기 모세를 바라보는 파라오의 공주와 시녀들의 화려한 드레스와 부드러운 자태가 섬세하게 표현되어 있다. 인물들이 작게 표현되었지만 주변의 거대한 자연과 고대 유적의 스케일과 조화를 이루어 그림 전체에 신비롭고 고요한 긴장감을 부여하고 있다.
이스라엘 남자아이들을 죽이라는 파라오의 명령을 피하기 위해, 모세는 갈대 바구니에 담겨 나일강에 놓였습니다(《출애굽기》). 그는 파라오의 딸에게 발견되었고, 이후 어머니에게 다시 돌아가게 됩니다. 이 장면은 넓게 펼쳐진 풍경을 배경으로 하고 있으며, 화면에 등장하는 고전 양식의 가상 유적은 이야기가 고대에 일어났음을 나타내기 위한 장치입니다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
얀 브뤼겔 1세(Jan Brueghel the Elder)의 <동방 박사의 경배 (The Adoration of the Kings, 1598)>이다. 동방박사 경배 장면을 16세기 플랑드르의 눈 내린 겨울 마을 풍경 속에 과감하게 옮겨 놓았다. 작은 패널 위에 수많은 인물, 말, 낙타, 그리고 화려한 보물 상자들과 옷감들이 미니어처처럼 극도로 정밀하게 그려져 있다.
이 작품은 세밀한 관찰과 묘사가 돋보입니다. 화면 왼쪽에서는 한 어머니가 말을 탄 사람과 이야기를 나누고 있으며, 오른쪽 아래에는 목수의 연장들을 정물처럼 세밀하게 그려 놓았습니다. 화면에 등장하는 흑인 왕과 정교한 배 모양의 그릇은 화가의 아버지인 피터르 브뤼헐(Pieter Bruegel, 1550/51년경 활동–1569)의 작품에서 영감을 받은 것입니다. 이는 당시 화가들의 밑그림과 소묘가 가족 내에서 대대로 전해지는 경우가 많았음을 보여줍니다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
루란트 사베리(Roelandt Savery)의 작품 <오르페우스(Orpheus, 1628)>이다. 오르페우스 자체보다 울창한 풍경과 다양하고 세밀한 동식물을 화면에 가득 채우는 데 초점을 맞추었다. 사베리는 프라하의 루돌프 2세 궁정 화가로 일하며 왕실 동물원에서 직접 관찰한 이국적인 동물들을 정교하게 그렸다.
사베리는 루돌프 2세 황제(1552~1612)의 궁정이 있던 프라하에서 활동하며, 황실 동물원에 있는 동물들을 스케치했다. 그는 이렇게 세밀하고 사실적으로 관찰해 그린 습작들을 활용해 이 작품과 같은 그림을 제작했다. 일반적으로 리라(수금)를 연주하는 모습으로 묘사되는 오르페우스는 음악으로 모든 생명체뿐 아니라 나무와 바위까지 매혹시키는 능력을 지닌 인물이었다. (오비디우스, 《변신 이야기》) (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
파울 브릴(Paul Bril)의 <디아나와 칼리스토(Diana and Callisto, 1620)>이다. 신화 속 인물들은 작게 배치되어 있고, 울창한 숲과 구름, 멀리 보이는 이탈리아 특유의 언덕 풍경이 분위기를 주도하고 있다. 무성한 나무 뒤에서 퍼져 나오는 은은한 햇살과 구름의 대비를 통해 자연의 입체감과 우아한 일상감을 효과적으로 표현했다.
디아나는 자신의 시녀인 님프 칼리스토가 유피테르와의 사이에서 임신한 사실을 알게 되자, 그녀를 곰으로 변하게 한 뒤 사냥개들을 풀어 공격하게 했다. 칼리스토는 마지막 순간에 유피테르의 도움으로 목숨을 구했다. 이 작품은 한때 아고스티노 타시(약 1580~1644)의 작품으로 알려졌으나, 현재는 이탈리아에서 활동했던 앤트워프 출신의 풍경화가 파울 브릴의 작품으로 여겨진다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
도메니키노(Domenichino)의 <용을 죽이는 성 조지(Saint George killing the Dragon, 1610)>이다. 광활한 자연풍경을 화면 전반에 조화롭게 결합한 작품이다. 뒤쪽으로 길게 펼쳐진 산, 하천, 고전적 건축물과 구름이 드리워진 하늘은 훗날 클로드 로랭과 뉘콜라 푸생의 풍경화에서 볼 수 있는 특징이다.
성 게오르기우스가 마을을 공포에 떨게 하던 용을 향해 돌진하고 있다. 용의 모습은 화면 뒤편에 보이는 마을을 배경으로 묘사되어 있다. 도망치는 공주는 용에게 제물로 바쳐질 운명이었다. 이 이야기는 14세기에 야코부스 데 보라기네가 편찬한 성인들의 전기 모음집 《황금전설》에 기록되어 있다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
대(大) 얀 브뢰헐(Jan Brueghel the Elder)의 〈오솔길의 여행자들과 농민들이 있는 풍경(Landscape with Travellers and Peasants on a Track, 1610)>이다. 왼쪽에는 무성하고 어두운 숲속 오솔길을 배치하고, 오른쪽으로는 시야가 탁 트인 아득한 대지와 멀리 보이는 마을 풍경을 배치했다. 마차를 타고 이동하는 여행자, 길가에서 춤추거나 바이올린을 연주하는 농민들, 짐을 싣고 가는 상인과 동물들이 다채롭게 얽혀 있다.
말이 끄는 마차를 탄 여행객 일행이 바이올린 연주에 맞춰 춤을 추는 농민들과 마주치고 있다. 피터르 브뤼헐 1세(1550~1551년 활동, 1569년 사망)의 아들인 얀 브뤼헐의 풍경화에서 특징적으로 나타나는 요소는 화면 뒤편이 광활한 계곡으로 탁 트이면서 멀리 떨어진 마을까지 조망할 수 있도록 구성한 점이다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
피에르 프란체스코 몰라(Pier Francesco Mola)의 <이집트로의 피신 중 휴식(The Rest on the Flight into Egypt, 1630~1635)>이다. 종교적인물을 고전적이고 아름다운 자연 풍경 속에 작게 배치하여 서정성을 극대화한 스타일이 돋보인다. 인물의 서사보다도 부드러운 빛이 감도는 나무와 구름, 아득히 보이는 언덕 풍경이 화면의 넓은 비중을 차지하고 있다.
헤로데 왕이 아기 예수를 죽이려 한다는 경고를 꿈에서 받은 요셉은 마리아와 아기 예수를 데리고 이집트로 피신한다(마태오 복음서). 그림 속 성가족은 여정 중 잠시 멈춰 휴식을 취하고 있으며, 멀리에는 양 떼를 돌보는 목동의 모습이 보인다. 몰라는 종교적 주제를 담은 소규모 풍경화를 전문적으로 그린 화가였다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
도메니키노의 <물고기를 잡는 토비아스가 있는 풍경(Landscape with Tobias laying hold of the Fish, 1610–1613)>이다. 강가에 청년 토비아스가 커다란 물고기를 잡으려 애쓰고 있으며, 뒤에 대천사 라파엘이 물고기를 가리키며 행동을 지시하고 있다. 인물의 옷주름, 수면의 반사, 나무의 질감과 나뭇잎 하나하나가 정교하게 표현되어 있다. 수평으로 트인 아득한 하천 풍경과 푸른 하늘, 구름은 신화적·종교적 주제에 숭고하고 평화로운 분위기를 더해준다.
대천사 라파엘의 지시에 따라 토비아스는 티그리스강에서 자신을 공격한 물고기를 죽이려 한다(《토빗서》). 이후 그는 물고기에서 추출한 쓸개즙을 이용해 아버지 토빗의 실명을 치료하게 된다. 볼로냐 출신의 화가 도메니키노는 안니발레 카라치(1560~1609)의 영향을 받은 화가로, 생애 대부분을 로마에서 활동했다. 그의 고전주의적 풍경화는 니콜라 푸생(1594~1665)과 클로드 로랭(1604/1605?~1682)에게 영감을 주었다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
17세기 플랑드르 화풍의 독특한 장르인 ‘갤러리 화(Art Gallery Painting)’를 대표하는 작품 <그림이 걸린 방 안의 감식가들(Cognoscenti in a Room hung with Pictures, 1620)>이다. 화면 속에는 정장을 갖춰 입은 11명의 인물들이 모여 그림, 조각, 천문 기구 등을 관찰하고 토론하고 있다. 얀 브뢰헐 1세(Jan Brueghel the Elder), 프란스 프란켄(Frans Francken), 요스 더 몸페르(Joos de Momper), 요아킴 부켈라르(Joachim Beuckelaer) 등의 그림들이 세밀하게 묘사되어 있다.
이 상상 속의 이상적인 갤러리에는 그림과 조각품, 천문 관측 기구들이 빼곡히 들어차 있다. 이는 당시 앤트워프의 개인 소장품에서 볼 수 있었던 최고의 예술품과 과학 기구들을 보여준다. 전시된 그림에는 요아힘 뵈켈라르, 헨드릭 반 스테인베이크 2세, 얀 브뤼헐 1세, 다비드 테니르스 1세의 작품이 포함되어 있다. 화려한 옷차림을 한 예술 감식가들이 방 안의 소장품에 관해 이야기를 나누고 있다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
이탈리아 양식의 풍경화 (The Italianate Landscape) 유럽 회화 1600–1700
17세기 초, 여러 네덜란드 화가들은 이탈리아 여행을 계기로 이탈리아 시골 전원에서 영감을 받은 기분 좋고 전원적인 풍경화를 그리기 시작했습니다. 주로 소형 화폭에 담긴 이들의 풍경화는 이탈리아에서 직접 경험한 따뜻하고 황금빛이 도는 광선에 휩싸여 있습니다. 화가들은 이탈리아에서 본 건축 요소와 고대 유적을 작품에 자주 담았으나, 사실적인 세부 묘사에 대한 애정은 이들의 북유럽적 뿌리를 그대로 드러냅니다. 17세기 중엽 무렵, 우트레흐트 출신의 화가 얀 보트(Jan Both)는 네덜란드 내에서 이탈리아 양식 풍경화의 두 번째 번성기를 이끌었습니다. 그는 프랑스 화가 클로드 로랭(Claude, 1604/5?–1682)의 로마 시절 작품에 기반한 양식을 네덜란드 풍경화에 도입했습니다. 얀 보트는 이탈리아를 방문한 적이 없는 니콜라스 베르헴(Nicolaes Berchem)을 비롯한 신세대 화가들에게 큰 영향을 미쳤습니다. 이곳에 전시된 이들의 작품은 이탈리아에서의 경험에 깊은 영향을 받은 다른 화가들의 작품들과 함께 소개됩니다. 베네치아 미술을 참고하여 소형 회화를 남긴 독일 화가 아담 엘스하이머(Adam Elsheimer), 그리고 로마의 일상생활을 감성적으로 묘사한 것으로 가장 잘 알려진 수수께끼의 플랑드르 화가 미카엘 스웨르츠(Michael Sweerts) 등이 포함됩니다. 아울러 이들과 동시대를 산 이탈리아 화가들의 소규모 풍경화도 함께 선보입니다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
<출처>
- 현장안내문, The National Gallery, 2026년
- The National Gallery, London 공식 홈페이지 (https://www.nationalgallery.org.uk/), 2026.10.010. 검색
- ‘National Gallery’, wikipedia, 2027년
- 구글 Gemini 3 Flash 응답 내용 (2026.10.10 확인)
- OpenAI, <ChatGPT (GPT-5.3)>의 답변, 2026년 10월 10일 작성
- Anthropic. (2026). Claude Sonnet 5.5 [대규모 언어 모델]. https://claude.ai, 10월10일 확인