26번째 전시실은 <친밀한 바로크(Intimate Baroque) >이라는 주제로 17세기 유럽회화 작품을 전시하고 있다. ‘친밀한 바로크’는 바로크가 반드시 거대하고 화려한 공공미술만을 의미하는 것이 아니라는 점을 보여준다. 작은 화면 속에서도 섬세한 기법, 강렬한 감정, 극적인 빛과 색채를 구현한 17세기 유럽 회화를 소개하는 공간이다.
도메니키노(Domenichino)의 <성 제로니모의 환영(The Vision of Saint Jerome, 1603)>이다. 하늘을 날아 내려오는 천사는 성 제로니모가 라틴어 성경 번역 작업을 수행할 때 신성한 영감을 받고 있음을 보여주고 있다. 바위 산악 지형을 배경으로 배치하여 정적이면서도 신성한 분위기를 연출고 있다.
초기 그리스도교의 주교이자 성인인 히에로니무스(성 제롬)는 히브리어 성경을 라틴어로 번역했다. 16세기에 그의 번역본은 로마 가톨릭교회의 공식 성경으로 채택되었다. 히에로니무스를 학자이자 나이 든 추기경으로 묘사하던 전통과 달리, 도메니키노는 그를 건장하고 생명력 넘치는 인물로 표현했다. 이 그림은 피에트로 알도브란디니 추기경(1571~1621)의 소장품이었다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
카를로 사라체니(Carlo Saraceni)의 <이드로의 딸들을 구하는 모세(Moses defending the Daughters of Jethro, 1609~10)>이다. 모세가 목자들을 제압하는 화면 중앙의 역동적인 움직임과, 우물가에서 안도하며 양들에게 물을 주는 딸들의 정적인 모습이 조화를 이루며 드라마틱한 서사성을 극대화하고 있다. 자연 풍경의 세밀한 묘사와 베네치아 학파 특유의 유연한 빛 계산이 잘 어우러져 있다.
모세는 우물에서 아버지의 양 떼에게 먹일 물을 긷던 이드로의 일곱 딸이 목자들에게 괴롭힘을 당하자 그들을 보호해 주었다(《출애굽기》). 이 장면은 매끄럽게 다듬은 구리판 위에 가는 붓으로 세밀하게 묘사되어 있다. 이 작품은 정교하고 섬세한 기법을 높이 평가하는 개인 후원자를 위해 제작된 수집용 그림이었을 것으로 추정된다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
루도비코 카라치(Ludovico Carracci)의 <동정녀 마리아의 혼인(The Marriage of the Virgin, 1590)>이다. 오른편에는 신부 마리아를 축하하는 동정녀 동반자들이, 좌측과 주변에는 축하객들과 다양한 하객들이 조화롭게 배치되어 밀도 높은 인물 구성을 보여주고 있다. 동판의 매끄러운 표면 덕분에 의복의 주름, 제단의 장식 디테일, 인물의 정교한 표정이 선명하게 표현되었다.
성모 마리아와 요셉의 예루살렘 성전에서의 결혼식은 복음서에 기록되어 있지 않지만, 그리스도교 신앙과 경건한 신심을 표현하는 대중적인 도상으로 자리 잡았다. 마리아보다 훨씬 나이가 많았던 요셉은 지팡이에 꽃이 피어나는 기적을 통해 남편으로 선택되었으며, 그림 속에서도 그의 머리 뒤편에 꽃이 핀 지팡이가 보인다. 이 작품은 볼로냐의 한 수집가가 자신의 결혼을 기념하기 위해 주문했을 가능성이 있다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
요한 로텐하머(Johann Rottenhammer)의 <성모 마리아의 대관식(The Coronation of the Virgin, 1596~1606)>이다. 작은 공간 안에 성경 속 성인, 구약의 예언자, 가톨릭 교회의 주요 교부와 성직자들이 계단식으로 밀도 높게 배치되어 있다. 멀리 있는 인물들은 아련하고 옅게 처리하여 천상의 무한한 공간감을 연출했다. 동판 매체의 특성을 최대한 살려 보석처럼 빛나는 색채와 디테일을 완성했다.
요한 로텐하머(Johann Rottenhammer)는 로마에서 활동한 북유럽 출신 화가 중 한 명이었다. 그는 로마에서 구리판 위에 섬세하게 그린 그림들로 명성을 쌓았다. 이 작품은 성모 마리아의 대관식을 묘사하고 있으며, 천사들과 그리스도교 순교자들, 성인들이 이를 지켜보고 있다. 그림 오른쪽에 있는 수염을 기른 인물은 카밀로 보르게세(1550~1621)로 추정되며, 그는 1605년 교황 바오로 5세로 선출되었다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
시스토 바달로키오(Sisto Badalocchio)의 <무덤으로 옮겨지는 그리스도(Christ carried to the Tomb, 1609)>이다. 축 늘어진 예수의 머리와 창백하게 처리된 시신을 중심으로, 주변의 인물들이 저마다 다른 방식과 감정 표현으로 슬픔을 드러내며 극적인 긴장감을 연출하고 있다. 동판의 매끄러운 표면 덕분에, 인물의 세밀한 신체 구조와 옷주름, 어두운 배경 속 빛의 미묘한 명암 대조가 선명하게 구현되었다.
횃불의 강렬한 빛 속에서 그리스도의 시신이 동굴 같은 무덤으로 옮겨지고 있다. 니코데모와 아리마태아의 요셉이 수의를 붙잡고 있으며, 성모 마리아와 슬픔에 잠긴 여인들이 이들과 함께한다. 요한은 횃불을 들어 길을 밝히고 있다. 이 야간 장면은 16세기 북이탈리아 화가들의 작품에서 영감을 얻었다. 바달라키오(Badalacchio)는 감정을 극적으로 고조시킨 표현을 위해 안니발레 카라치(1560~1609)의 그림들을 참고했다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
바르톨로메오 스케도니(Bartolomeo Schedoni)의 <성가족(The Holy Family, 1613~15)>이다. 종교적 거대함보다는 가정 내에서의 따뜻한 인간적 교감과 모성애를 극대화한 구도로, 작은 목판 화폭 안에 인물들의 감정을 촘촘하게 응축시켰다. 인물들의 의복 주름과 빛을 받는 면이 선명하고 조각처럼 각지게 떨어지는 스케도니 특유의 필치가 돋보인다.
가족 초상화처럼 그려진 이 다정한 작품은 성가족의 삶에서 포착한 애틋하고 감동적인 순간을 담고 있다. 어머니의 무릎에 안긴 곱슬머리의 아기 예수는 마리아가 들고 있는 책을 읽으려 하고 있는데, 이 책은 예수의 죽음을 예언한 성경일 가능성이 높다. 17세기에 들어 점차 공경의 대상이 되었던 양부 요셉은 책의 표지를 받쳐 들고 있다. 이 작품은 화가의 아내가 소장했던 그림이다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
귀도 레니(Guido Reni)의 <성모마리아의 대관식 (The Coronation of the Virgin, 1607)>이다. 권력자나 고위 사제의 개인 기도실에서 눈앞에 바짝 대고 정교한 붓터치를 감상하며 기도할 수 있도록 제작된 전형적인 소형 바로크 작품이다. 라파엘로의 고전적 이상미와 카라치 아카데미의 세련된 조형미를 결합하여, 인물들의 표정과 동세에서 천상적인 우아함과 절제된 감정 표현이 돋보인다
귀도 레니(Guido Reni)가 그린 이 천상 대관식 장면은 성모 마리아의 영광을 찬양하는 한 편의 그림으로 된 찬송가와도 같다. 천사들은 구름으로 이루어진 자리 위에 마리아를 태워 천상의 세계로 들어 올리고, 그곳에서 마리아는 천사들의 여왕으로 왕관을 받는다. 이 장면에는 음악과 성가가 함께 어우러진다. 화면 오른쪽 아래의 두 천사는 관람자를 바라보며, 마치 자신들이 목격한 이 신비로운 광경이 실제로 일어나고 있음을 확신시켜 주려는 듯하다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
아담 엘스하이머(Adam Elsheimer)의 <그리스도의 세례(The Baptism of Christ, 1599)>이다. 하늘에서는 아기 천사 무리에 둘러싸인 성령의 비둘기가 내려오고 있으며, 신성한 빛이 세례 장면을 강렬하게 비추고 있다. 앞에는 세례를 받기 위해 신발을 벗고 있는 인물이 배치되어 있다. 엘스하이머는 생동감 있는 일상적 디테일을 전경에 배치하여 생생한 서사성을 부여했다.
초자연적인 빛으로 표현된 이 《세례》 작품은 엘스하이머가 베네치아에서 그린 것으로, 그는 이곳에서 틴토레토(약 1518~1594)의 작품에 깊은 인상을 받았다. 눈부신 색채와 탁 트인 파노라마식 풍경, 빛과 어둠의 극적인 대비는 그리스도가 하느님의 아들이라는 사실을 강조한다. 천사들이 지켜보는 가운데 장엄한 세례 의식이 거행되고 있으며, 화면 앞쪽에는 세례를 받기 위해 신발을 벗는 남자의 실루엣이 보인다. 이 인물은 전경에 어둡게 배치되어, 뒤편에서 펼쳐지는 신성한 사건을 더욱 돋보이게 한다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
아니바레 카라치(Annibale Carracci)의 <성가족과 어린 세례자 요한(The Holy Family with the Infant Saint John the Baptist, 1600)>이다. 라파엘로의 고전적이고 안정적인 인체 구도와 코레조 특유의 부드럽고 따뜻한 감정 표현, 빛의 유려한 흐름이 조화롭게 결합되어 있다. 동판의 특성을 극대화하여 성모 마리아의 선명한 붉은 드레스와 짙은 푸른 겉옷, 인물들의 유연한 피부 질감과 정교한 빛 효과를 보여주고 있다
성모 마리아는 이 그림의 중심에서 활기찬 분위기를 이끌고 있으며, 요셉은 아기 예수의 관심을 자신이 들고 있는 책으로 돌리려 하고 있다. 이처럼 생동감 있게 표현된 장면은 카라치가 로마로 이주한 뒤 발전시킨 세련된 화풍을 잘 보여 준다. 이 작품은 후원자인 알레산드로 페레티 몬탈토 추기경(1571~1623)의 이름을 따서 《몬탈토의 성모》라고도 불린다. 성스러운 가족을 친근하고 생생하게 묘사한 이 그림은 신심을 위한 작품으로 널리 사랑받았으며, 카라치의 작품 가운데 가장 많이 모사된 그림 중 하나가 되었다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
아니바레 카라치의 <아피아 가도에서 성 페드로에게 나타난 그리스도(Christ appearing to Saint Peter on the Appian Way, 1601~2)>이다. 그리스도는 십자가를 단단히 짊어진 채, 정면을 향해 힘차고 단호한 발걸음을 옮기고 있다. 페드로는 뜻밖의 광경에 큰 충격을 받아 몸을 뒤로 젖히며 주춤거리고 있다. 아피아 가도의 고대 로마 유적과 도로, 그리고 먼 로마 시가지의 풍경이 고전적인 균형감 속에서 펼쳐진다.
안니발레 카라치는 풍부한 색채와 장엄한 인물 표현을 통해 로마의 초대 교황인 베드로가 십자가형을 두려워해 도시를 탈출하던 극적인 순간을 포착했다. 베드로는 십자가를 지고 가는 그리스도의 환영을 보고 “주님, 어디로 가십니까?”라고 묻는다. 그리스도는 “나는 다시 십자가에 못 박히기 위해 로마로 가고 있다”라고 대답하고, 이에 베드로는 로마로 돌아가기로 결심한다. 베드로가 그리스도를 만나는 이 장면은 미술 작품에서 자주 다루어지지 않는 주제다. 이 작품의 후원자는 피에트로 알도브란디니 추기경(1571~1621)이었을 가능성이 높으며, 그는 자신의 이름을 딴 수호성인인 성 베드로와 관련된 주제로 이 그림을 주문했을 것으로 추정된다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
아니바레 카라치의 <유혹을 받는 성 안토니오 대사제에게 나타난 그리스도(Christ appearing to Saint Anthony Abbot during his Temptation, 1598)>이다. 이집트 사막에서 성 안토니오 대사제가 악마들과 기괴한 괴물들에게 둘러싸여 공격받고 있는 극적인 장면이다. 상단의 신성한 구원자 그리스도의 빛과 하단의 어둡고 혼란스러운 악마들의 공격 장면이 강렬한 명암 대조를 이루고 있다.
악덕과 죄악에 대한 욕망을 상징하는 악마들에게 시달리던 은수자 성 안토니우스는 고통과 간절한 기도 속에서 하늘을 올려다본다. 하늘에서는 그리스도가 나타나 지옥의 괴물들을 물리치고 있다. 이 주제는 북유럽에서 인기가 높았으며, 화가들은 이를 바탕으로 매우 무시무시한 장면들을 그려 냈다. 그러나 카라치는 고전적인 인물 표현과 밝은 색채를 활용해 공포와 안도감이 강렬하게 교차하는 장면으로 재해석했다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
아니바레 카라치의 <애도받는 그리스도 (The Dead Christ Mourned,1604)>이다. 17세기 이탈리아 바로크 미술의 거장다운 극적인 감정 표현과 세련된 구도가 돋보이는 작품이다. 하나의 주제 안에서 충격, 안타까움, 절망적 분출, 침묵의 슬픔 등 인간이 느낄 수 있는 다양한 슬픔의 스펙트럼을 한 화면 안에 완벽하게 응축시켜 포착해내고 있다.
그리스도의 시신이 어머니인 성모 마리아의 무릎 위에 놓여 있다. 창백한 얼굴과 슬픔에 무너져 내린 마리아의 모습은 생명을 잃은 아들의 시신과 서로 닮아 있다. 마리아 막달레나가 마리아를 부축하고 있으며, 두 명의 애도하는 여인은 슬픔에 찬 비명을 지르고 있다. 이 감동적인 작품은 그리스도의 시신을 무덤에 안치하기 위해 준비할 여인들의 깊은 고통과 비탄에 초점을 맞추고 있다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
구에르치노(Guercino)의 <두 천사의 애도를 받는 죽은 그리스도(The Dead Christ mourned by Two Angels, 1617~18)>이다. 창백한 그리스도의 신체가 섬세한 인체 구조로 안정감 있게 배치되어 있다. 어두운 무덤 속 배경과 그리스도의 신체 위로 내리쬐는 연극적 빛의 대조는 카라바조의 영향을 느끼게 합한다. 따뜻하고 유연한 붓 터치와 부드러운 감정선이 더해져 비극적인 장면 속에서도 정서적인 온기와 신성함이 보인다.
십자가형을 당한 그리스도의 시신과 이를 애도하는 천사들을 그린 이 작품은 관람자가 그리스도의 수난을 묵상하도록 하기 위해 제작되었다. 대형 제단화의 강렬한 구도를 구리판 그림 특유의 작은 화면에 옮겨 담았다. 구에르치노(Guercino)는 세심하게 배치한 그림자를 활용해 죽은 그리스도의 근육질 신체를 더욱 두드러지게 표현했다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
구에르치노의 <성전에서의 그리스도의 봉헌(The Presentation of Jesus in the Temple, 1623)>이다. 화려하게 자수 놓인 대사제의 의복과 영적 기쁨에 찬 노인의 표정, 그 품에 안긴 아기 예수의 대비가 돋보인다. 제단의 조각 장소, 계단 디테일, 인물의 의복 질감과 비둘기 깃털까지 섬세하고 매끄럽게 포착했다.
구에르치노(Guercino)는 로마에서 오랜 기간 머문 뒤, 후원자 바르톨로메오 파브리(Bartolomeo Fabri, 1582~1646)를 위해 이 작품을 그렸다. 로마에서 그는 카라치 형제와 그 제자들의 작품을 연구했는데, 이들의 고전주의 양식은 후원자와 수집가들의 취향에 부합했다. 정교하고 뛰어난 화법을 통해 그리스도의 유년기를 다룬 이 장면은 구리판 위에 빛나는 보석처럼 구현되었다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
한스 폰 아켄(Hans von Aachen)의 <신들의 놀라움(The Amazement of the Gods, 1590s)>이다. 화면 중앙 구름 위에는 제우스가 그의 상징인 독수리와 번개를 곁에 둔 채 앉아 있다. 그는 자신의 딸이자 지혜와 전쟁의 여신인 아테나를 껴안고 있다. 이례적이고 친밀한 포옹은 올림포스의 다른 신들에게 큰 충격과 경악을 안겨주고 있다.
이 섬세하고 신비로운 그림은 악덕에 대한 지혜의 승리를 상징하는 것으로 해석될 수 있다. 화면 위쪽에서는 신들의 왕 주피터가 지혜의 여신 미네르바를 끌어안고 있다. 아래쪽에는 사랑의 여신 비너스가 벌거벗은 모습으로 서 있지만, 주피터에게 선택받지 못한 채 거부당하고 있다. 주변에 모인 신들은 주피터의 선택에 놀라움을 표하며 손짓하고 있다. 이 작품은 신성로마제국 황제 루돌프 2세(Rudolph II, 1552~1612)를 위해 제작되었을 가능성이 있다. 루돌프 2세는 다른 작품에서 자신을 주피터의 모습으로 표현하기도 했다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
친밀한 바로크 1600~1700년 유럽 회화
우리는 흔히 바로크 미술이라고 하면 17세기 유럽의 교회와 궁전을 장식했던 크고 대담하며 화려한 회화를 떠올립니다. 바로크라는 용어는 루벤스의 화려하고 다채로운 회화부터 카라바조의 거의 단색에 가까운 극적인 작품까지 매우 다양한 양식을 포괄합니다. 그러나 바로크 시대의 위대한 화가들 가운데 상당수는 개인적인 기도와 신앙을 위한 작고 친밀한 작품도 많이 제작했습니다. 이러한 작은 규모의 작품은 화가들이 자신의 뛰어난 회화 기량을 더욱 세밀하게 보여줄 수 있는 기회가 되었습니다. 일부 화가들은 나무 패널을 사용했습니다. 나무의 매끄러운 표면 덕분에 붓질을 매우 섬세하게 겹쳐 칠할 수 있었고, 그 결과 붓질이 거의 눈에 보이지 않을 정도로 부드럽게 표현할 수 있었습니다. 또 아담 엘스하이머(Adam Elsheimer)와 같은 화가들은 구리판에 그림을 그리는 것을 선호했습니다. 구리는 나무보다 더욱 매끄러운 바탕을 제공했기 때문에 극도로 정밀한 표현이 가능했고, 동시에 화면에 빛나는 듯한 표면 효과를 만들어냈습니다. 이처럼 작품의 크기가 작다고 해서 감정적인 힘까지 약해지는 것은 아닙니다. 많은 작품들이 성모 마리아가 아기 예수를 다정하게 껴안는 모습이나, 십자가에 못 박힌 그리스도의 죽음을 슬퍼하는 추종자들의 모습을 묘사합니다. 안니발레 카라치(Annibale Carracci)의 소품들은 바로크 미술을 특징짓는 강렬한 색채와 대각선 구도를 친밀하고 개인적인 규모로 결합하고 있습니다. 귀도 레니(Guido Reni)의 〈성모의 대관식(Coronation of the Virgin)〉은 손에 들 수 있을 정도로 작은 구리판 위에 바로크 제단화가 지닌 장엄함과 화려함을 그대로 옮겨놓은 작품입니다. (원문출처: 내셔널갤러리 현장 안내문, 한국어 번역: ChatGPT, 2026년)
<출처>
- 현장안내문, The National Gallery, 2026년
- The National Gallery, London 공식 홈페이지 (https://www.nationalgallery.org.uk/), 2026.10.11. 검색
- ‘National Gallery’, wikipedia, 2027년
- 구글 Gemini 3 Flash 응답 내용 (2026.10.11 확인)
- OpenAI, <ChatGPT (GPT-5.3)>의 답변, 2026년 10월 11일 작성
- Anthropic. (2026). Claude Sonnet 5.5 [대규모 언어 모델]. https://claude.ai, 10월11일 확인